DFG-Graduiertenkolleg 1759 der Universität der Künste Berlin "Das Wissen der Künste"
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Rhythmusmaschinen mit Beat-Bezeichnungen wie »Latin«, »Afro« oder
»Traditional« sind Displays des »Black Atlantic« – sie sind wie
post-koloniale Atlanten, die auch die traumatischen Routen der Versklavung sowie die transnationalen Beat-Präsenzen sammeln // Im 17. und 18.Jahrhundert waren am Hof des chinesischen Kaisers Musikdosen sehr beliebt. Sie wurden zu einem wichtigen Element der Missionspolitik und der westlichen Diplomatie. Apropos ›Shanzai‹: die ersten Musikdosen-›Faker‹ waren Schweizer Jesuiten. // »Latin Rhythms« sind auch eine Erfindung
japanischer Elektronik-Ingenieure in den 60er-Jahren. // »Drum Machines have no soul!« – druckt John Wood in Kalifornien auf einen Sticker, um damit gegen die von ihm befürchtete »Dehumanization of American Music« zu
wettern. // Die Geschichte technischer Automaten ist eine Geschichte der faszinierten Angst. Angst vor der menschlichen/männlichen Ersetzbarkeit.
Der Beitrag von Kathrin Busch widmet sich dem Zusammenhang von technischer Imagination und Inkarnation und untersucht, was es heißen kann, körperlich zu spekulieren. Ausgangspunkt ist die These von Jean-François Lyotard, dass das Denken nur deshalb spekulativ verfährt, weil es verkörpert ist.
Anstatt Spekulation und Ästhetik auf Geist und Körper aufzuteilen und damit die alte Dualität von begrifflichem und anschaulichem Vermögen fortzuschreiben, verdankt sich das spekulative Potential – die das Denken über sich selbst hinaustreibenden Kraft – gerade der Sensibilität des Körpers. Gefragt wird, was es heißt, wenn diese inkarnierte Sensibilität als „digitales Fleisch“ verkörpert ist. Die Antwort, wie sich unter Bedingungen von Empfindsamkeit und Vulnerabilität im Digitalen spekulieren lässt, wird anhand der künstlerischen Arbeiten von Marco Donnarumma und
Johannes Paul Raether gesucht.
Joseph Vogl widmet sich im Gespräch mit Georg Dickmann den Grenzen,
Schwellenbereichen und Nachbarschaftszonen literarischer und ökonomischer Spekulation, die mal gemeinsame Sachen machen, mal als Antagonisten auftreten können. Verbunden durch den Ausgriff in einen sich der Wahrnehmung entziehenden Raum, haben sie ihre Gemeinsamkeit in der Fiktion. Vogl kartiert im Dialog mit Dickmann ein Zukunftswissen, das auf Narrative, Phantasmen und Fiktionen nicht verzichten kann.
SelfSisters
(2020)
Der Beitrag des Performance-Künstlers Johannes Paul Raether besteht aus einer Bild-Text-Montage seiner „Selbstschwestern“. Die Fotografien der von ihm verkörperten Figuren werden mit Skripten kombiniert, die jeweils für die performativen Interventionen in den öffentlichen Raum leitend sind.
Die Performances versteht Raether als die techno-magischen Rituale seiner Gestalten „Transformellae“, „Schwarmwesen“ und der Weltheilungshexe „Protektoramae“. Sie erforschen die globalisierte Reproduktionsmedizin, touristische wie migrantische Körperzirkulationen und die kapitalistischen Waren- oder Datenströme und figurieren als ästhetisch verkörperte
Spekulationen.
„Play to the powers that be, their own melody. . .” untersucht den technischen und künstlerischen Prozess hinter den Virus Paintings James Hoffs als Oszillieren zwischen negativer und positiver Rückkopplung:
zwischen Rauschen und Regeln, Kontrolle und Kontrollverlust. Hoffs Position ist dabei die eines Maxwellschen Dämons, der innerhalb einer Feedbackschlaufe Prozesse überwacht und bemisst, induziert und unterbricht. Jenseits von Symbolik oder Metaphorik generiert sich das künstlerische und politische Potential der Arbeiten aus einer subversiven formalen Spekulation: Was wird sichtbar, wenn kontingente symbolische Operationen auf der Ebene des Codes auf das Imaginäre der Bildproduktion
durchschlagen und unvorhergesehene (aber keineswegs zufällige) ästhetische Effekte im Sichtbaren zeitigen?
Die Spekulation als ein Ausgriff in das Unbekannte ist eine der
wichtigsten Techniken fantastischer Literatur. Insbesondere das
Imaginarium der Science-Fiction vermag es nicht nur gängige temporale oder modale Szenarien spekulativ zu überschreiten, sondern auch giftige und heilende Substanzen, prekäre Materialien, sowie seltsame Stoffe und Körper zu entwerfen. Der Aufsatz nimmt ausgehend von einigen zentralen Positionen des neuen Materialismus eine chemische Strukturanalyse der seltsamen Substanzen in H. P. Lovecrafts Kurzerzählungen „Die Farbe aus dem All“ und
„Cthulhus Ruf“ vor und fragt nach ihren ontologischen, epistemischen und poetologischen Effekten und Wirkungsweisen.
Der Aufsatz widmet sich dem Versuch des französischen Philosophen Quentin Meillassoux, die narrative Überschreitung der Grenzen der experimentell zugänglichen Welt innerhalb der Science-Fiction zu systematisieren und fragt, wie ernst dessen Konzept der Extro-Science-Fiction die ästhetische Verfasstheit dieser Spekulationen nimmt. Anhand von Stanley Kubricks 2001:
A Space Odyssey wird gegen die gängige Reduktion fiktionaler Narrative auf die Funktion von Gedankenexperimenten argumentiert, dass Film und Literatur den Rahmen des Vorstellbaren und Möglichen nicht im narrativen Weltentwurf, sondern im ästhetischen Überschuss zu sprengen vermögen.
Ästhetik der Fossilisierung
(2020)
Der Artikel entwickelt Überlegungen zu einer „Ästhetik der Fossilisierung“ ausgehend von der These, das Deleuze/Guattari’sche Begriffspaar von De-
und Reterritorialisierung müsse heute als De- und Refossilisierung neu formuliert werden. Während die De- und Reterritorialisierungen auf der Erdoberfläche stattfinden und sich in historischen Zeitspannen entfalten,
dringen die geomorphologischen Prozesse des gegenwärtigen
Anthropozänzeitalters tief in die Erdkruste ein und schließen sich unmittelbar mit geologischen Zeitspannen kurz. Auf dieser Basis werden – unter Rekurs auf die (komplementären) Spekulationsbegriffe bei Kant und Hegel – die spekulativen Dimensionen der Anthropozänkondition kartiert und
als ,Habitat‘ gegenwärtiger wie zukünftiger künstlerischer Praxen
analysiert und vorgezeichnet.
Der Aufsatz entwickelt anhand zentraler Operatoren und einer Praxis des
schreibenden Nachdenkens das kollaborative Projekt der ›Spekulativen
Poetik. Mit der Suche nach neuen poetischen Ausdrucksformen jenseits des
universitären Diskurses, aber auch gängiger ästhetischer und kritischer
Arten des Schreibens, stellt der Aufsatz sich den politischen und
ethischen Konsequenzen aus der Methode der Spekulativen Poetik, die
verlangt, nicht nur neue Positionen zu bestimmen, sondern auch für diese
einzustehen. Die Frage, wie Sprache Wirklichkeit verändert und Subjekte
schreibend zu anderen werden, führt in Bereiche wie Technologie, Ökonomie
oder Geopoetik. Anhand von Lektüren der Texte von Kathy Acker, Chris Kraus
oder Quentin Meillassoux, wird der Versuch unternommen, frühere Positionen
zu überschreiben und sich mit der eigenen theoretischen und
para-akademischen Praxis zu konfrontieren. Was heißt Zeitgenossenschaft in
einer geteilten Gegenwart? Wie eignen Algorithmen sich Bedeutung an? Und
welches spekulative Kapital lässt sich aus den Innovationen der
Finanzwirtschaft schlagen?
In this article, the Moscow Conceptualist Vadim Zakharov reflects on the intertwinement of his artistic practice and his work as book designer. One of the main insights is that, for Zakharov, art becomes interesting when it emerges from, and yet goes beyond, work. This transgression is minimal, but it is founded in the particular experience of, and reflection on, work. Zakharov’s knowledge of book design becomes a means for his artistic expression. This article implies a critique of the indeterminate potentiality of the artist, herewith questioning the post-medium condition of art.
Mostly autobiographical, this article describes the development of Free Jazz in the Soviet Union and how its social status changed since the 1980s. Letov and most of his Free-Jazz colleagues were engineers and chemists. At their workplace the involvement with Free Jazz was well supported and promoted, for example, through the reduction of working time. For Letov, making music in his free time was a conscious decision and corresponded with his ideal of ‘free art’. However, in the 1990s this changed dramatically, and the consequence of the liberalization of the art and labour market led to a commercialization of Free Jazz.
Der Techno - Club als spirituelles Zentrum der creative class: Das Berliner Holzmarkt-Projekt
(2017)
Das Berliner Holzmarkt-Projekt gilt als ein Vorzeigemodell partizipativer und kreativer Stadtplanung. Finanziert mit Geldern einer Schweizer Pensionskasse wurde in Berlin-Friedrichshain ein größeres Areal direkt am Spreeufer für längere Zeit an eine Gruppe ehemaliger Clubbetreiber*innen verpachtet. Das dort entstehende Holzmarkt-Gelände soll den "Geist" der Berliner Clubkultur in Quartiersmanagement und Stadtentwicklung übersetzen, jenseits der als bedrohlich empfundenen Pfade von Gentrifizierung und "Verhipsterung". Den spirituellen Kern für den neuen Kiez bildet dabei einmal mehr ein Club, er wird als Versammlungsort und Katalysator für Kreativität und neue Ideen beschrieben. Der Beitrag geht genau dieser Art von Projektionen nach und fragt, welche Rolle Techno für eine heutige Gesellschaft von "Kreativsubjekten" (Reckwitz) spielt. Als Material für die Untersuchung dient die Debatte um die Entwicklung des Holzmarkt-Geländes sowie vor allem die umfangreichen Marketing- und Informationskampagnen des Projekts.
Der Aufsatz untersucht das berufliche und soziale Arbeitsfeld Musik sowie sein Wachstum und seine qualitative Ausdifferenzierung. Er zeigt, dass die Entwicklung der letzten Jahre v.a. von mehr Selbstständigkeit, höherem Risiko und einer größeren Vielfalt von beruflichen Kompetenzen gekennzeichnet sind. Prekäre Selbständigkeit und stabile abhängige Beschäftigung stehen dabei nicht nur in der Tätigkeit einzelner Musiker*innen sondern strukturell in einer engen Austauschbeziehung. Als prekär erweist sich Musik als Beruf vor allem, weil Professionalität und arbeits- wie tarifrechtlich abgesicherte Strukturen einander nur noch selten bedingen, die Arbeit vielfach ökonomisch nicht zum Leben reicht und sozial nur lückenhaft abgesichert ist. Der Beitrag macht deutlich, dass die spezifische Verwertungslogik des musikalischen Arbeitsmarktes v.a. den Bereich der Musikalischen Bildung prägt, der strukturell projektbasierte neue Arbeitsfelder schafft und damit zum Treiber von Ausdifferenzierung und Prekarisierung wird.
Handwerk Maschinenwerk
(2017)
Die zunehmende Rolle digitaler Werkzeuge und Methoden in der architektonischen Planung und Fertigung führt zu einer Reihe neuer Fragestellungen über das Verhältnis digitaler Planungsprozesse und handwerklicher Techniken. Wie verändert das Digitale die Strukturen und Techniken des Handwerks und wie lässt sich ein eigener Begriff des Handwerks im Digitalen denken? Welche Rolle spielt der Computer als Werkzeug des Entwerfens in der architektonischen Planung, und kann eine bestimmte Arbeitsweise mit dem Computer durch handwerkliche Eigenschaften charakterisiert werden? Im Artikel werden computerbasierte und computergestützte Ansätze differenziert und grundlegende Methoden der Modellierung im computational design vorgestellt, sowie die in diesem Zusammenhang wichtigen Konzepte des parametrischen Entwerfens und der Nutzung von Simulationen im Entwurfsprozess. Eine Kopplung dieser Methoden zur Integration thermischer Aspekte in die frühe Phase des architektonischen Entwurfes durch die Programmbibliothek ANAR+ wird aufgezeigt.
Lilian Haberer untersucht hier ausgehend von Henri Levèbres Raumtheorie der 1970er Jahre exemplarisch anhand des Filmes Letters to Max (2014) von Eric Baudelaire filmische und künstlerische Repräsentationsformen geografischer Ränder. Dabei geht sie der Frage nach, wie sich die Vorstellung eines Staates durch Wahrnehmung und (historisches) Wissen konstituiert und rückt die Verflechtung fiktionaler und politischer Handlungsformen in den Blick.
This essay attempts to draw out the implications of Alfred Sohn-Rethel’s Intellectual and Manual Labour for the consideration of art. This is not something Sohn-Rethel intended or invited, but the aim here is to proceed immanently: by simply extending his critique of Kant’s epistemology to Kant’s aesthetics. The result is a critique of Kant’s influential account of aesthetic experience and art as an ideological form of commodity exchange abstraction.
Die Reinszenierung eines Konzertes von Zwölftonmusik, dass ursprünglich 1944 in Buenos Aires stattfand, gibt Anlass, über die internationale Zirkulation dieses Repertoires sowie über die damalige berufliche Situation von Komponisten und Musiker nachzudenken. Das Musikerbild wird oft mit ideellen Eigenschaften wie Leidenschaft, Inspiration und Perfektion in Verbindung gebracht. Die vergleichende Betrachtung der arbeitstechnischen und finanziellen Rahmenbedingungen von diesem Konzert (1944) und von seiner Wiederaufführung (2014) thematisiert außermusikalische Aspekte, die traditionell zugunsten eines idealen Musikerbilds invisibilisiert werden.
Einleitung
(2017)
The introduction reflects on the results of the conference ‘…macht aber viel Arbeit. Kunst – Wissen – Arbeit’ (…but it’s a lot of work. Art – Knowledge – Work), which took place in 2014 at the Berlin University of the Arts, organized by the DFG Research Training Group ‘Knowledge in the Arts’. Artistic work tends to be distinguished from, and even opposed to, other forms of work, however, especially with the rise of the information and knowledge economy, this distinction has become more questionable.
This article addresses the relationship between artistic knowledge and employed work through the example of the Moscow-based Collective Actions group. In order to reflect on the specific social context of their artistic production, especially the time away from work, the term ‘art after work’ is introduced. The extensive production of knowledge and information by Collective Actions has had a significant impact on Moscow Conceptualism more broadly. However, if this is considered in the context of free time after work, then it can be argued that the art of the Collective Actions group goes far beyond the ‘aesthetics of administration’ ascribed to Conceptual Art and to Moscow Conceptualism.