DFG-Graduiertenkolleg 1759 der Universität der Künste Berlin "Das Wissen der Künste"
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Mostly autobiographical, this article describes the development of Free Jazz in the Soviet Union and how its social status changed since the 1980s. Letov and most of his Free-Jazz colleagues were engineers and chemists. At their workplace the involvement with Free Jazz was well supported and promoted, for example, through the reduction of working time. For Letov, making music in his free time was a conscious decision and corresponded with his ideal of ‘free art’. However, in the 1990s this changed dramatically, and the consequence of the liberalization of the art and labour market led to a commercialization of Free Jazz.
Der Techno - Club als spirituelles Zentrum der creative class: Das Berliner Holzmarkt-Projekt
(2017)
Das Berliner Holzmarkt-Projekt gilt als ein Vorzeigemodell partizipativer und kreativer Stadtplanung. Finanziert mit Geldern einer Schweizer Pensionskasse wurde in Berlin-Friedrichshain ein größeres Areal direkt am Spreeufer für längere Zeit an eine Gruppe ehemaliger Clubbetreiber*innen verpachtet. Das dort entstehende Holzmarkt-Gelände soll den "Geist" der Berliner Clubkultur in Quartiersmanagement und Stadtentwicklung übersetzen, jenseits der als bedrohlich empfundenen Pfade von Gentrifizierung und "Verhipsterung". Den spirituellen Kern für den neuen Kiez bildet dabei einmal mehr ein Club, er wird als Versammlungsort und Katalysator für Kreativität und neue Ideen beschrieben. Der Beitrag geht genau dieser Art von Projektionen nach und fragt, welche Rolle Techno für eine heutige Gesellschaft von "Kreativsubjekten" (Reckwitz) spielt. Als Material für die Untersuchung dient die Debatte um die Entwicklung des Holzmarkt-Geländes sowie vor allem die umfangreichen Marketing- und Informationskampagnen des Projekts.
Der Aufsatz untersucht das berufliche und soziale Arbeitsfeld Musik sowie sein Wachstum und seine qualitative Ausdifferenzierung. Er zeigt, dass die Entwicklung der letzten Jahre v.a. von mehr Selbstständigkeit, höherem Risiko und einer größeren Vielfalt von beruflichen Kompetenzen gekennzeichnet sind. Prekäre Selbständigkeit und stabile abhängige Beschäftigung stehen dabei nicht nur in der Tätigkeit einzelner Musiker*innen sondern strukturell in einer engen Austauschbeziehung. Als prekär erweist sich Musik als Beruf vor allem, weil Professionalität und arbeits- wie tarifrechtlich abgesicherte Strukturen einander nur noch selten bedingen, die Arbeit vielfach ökonomisch nicht zum Leben reicht und sozial nur lückenhaft abgesichert ist. Der Beitrag macht deutlich, dass die spezifische Verwertungslogik des musikalischen Arbeitsmarktes v.a. den Bereich der Musikalischen Bildung prägt, der strukturell projektbasierte neue Arbeitsfelder schafft und damit zum Treiber von Ausdifferenzierung und Prekarisierung wird.
Handwerk Maschinenwerk
(2017)
Die zunehmende Rolle digitaler Werkzeuge und Methoden in der architektonischen Planung und Fertigung führt zu einer Reihe neuer Fragestellungen über das Verhältnis digitaler Planungsprozesse und handwerklicher Techniken. Wie verändert das Digitale die Strukturen und Techniken des Handwerks und wie lässt sich ein eigener Begriff des Handwerks im Digitalen denken? Welche Rolle spielt der Computer als Werkzeug des Entwerfens in der architektonischen Planung, und kann eine bestimmte Arbeitsweise mit dem Computer durch handwerkliche Eigenschaften charakterisiert werden? Im Artikel werden computerbasierte und computergestützte Ansätze differenziert und grundlegende Methoden der Modellierung im computational design vorgestellt, sowie die in diesem Zusammenhang wichtigen Konzepte des parametrischen Entwerfens und der Nutzung von Simulationen im Entwurfsprozess. Eine Kopplung dieser Methoden zur Integration thermischer Aspekte in die frühe Phase des architektonischen Entwurfes durch die Programmbibliothek ANAR+ wird aufgezeigt.
Lilian Haberer untersucht hier ausgehend von Henri Levèbres Raumtheorie der 1970er Jahre exemplarisch anhand des Filmes Letters to Max (2014) von Eric Baudelaire filmische und künstlerische Repräsentationsformen geografischer Ränder. Dabei geht sie der Frage nach, wie sich die Vorstellung eines Staates durch Wahrnehmung und (historisches) Wissen konstituiert und rückt die Verflechtung fiktionaler und politischer Handlungsformen in den Blick.
This essay attempts to draw out the implications of Alfred Sohn-Rethel’s Intellectual and Manual Labour for the consideration of art. This is not something Sohn-Rethel intended or invited, but the aim here is to proceed immanently: by simply extending his critique of Kant’s epistemology to Kant’s aesthetics. The result is a critique of Kant’s influential account of aesthetic experience and art as an ideological form of commodity exchange abstraction.
Die Reinszenierung eines Konzertes von Zwölftonmusik, dass ursprünglich 1944 in Buenos Aires stattfand, gibt Anlass, über die internationale Zirkulation dieses Repertoires sowie über die damalige berufliche Situation von Komponisten und Musiker nachzudenken. Das Musikerbild wird oft mit ideellen Eigenschaften wie Leidenschaft, Inspiration und Perfektion in Verbindung gebracht. Die vergleichende Betrachtung der arbeitstechnischen und finanziellen Rahmenbedingungen von diesem Konzert (1944) und von seiner Wiederaufführung (2014) thematisiert außermusikalische Aspekte, die traditionell zugunsten eines idealen Musikerbilds invisibilisiert werden.
Einleitung
(2017)
The introduction reflects on the results of the conference ‘…macht aber viel Arbeit. Kunst – Wissen – Arbeit’ (…but it’s a lot of work. Art – Knowledge – Work), which took place in 2014 at the Berlin University of the Arts, organized by the DFG Research Training Group ‘Knowledge in the Arts’. Artistic work tends to be distinguished from, and even opposed to, other forms of work, however, especially with the rise of the information and knowledge economy, this distinction has become more questionable.
This article addresses the relationship between artistic knowledge and employed work through the example of the Moscow-based Collective Actions group. In order to reflect on the specific social context of their artistic production, especially the time away from work, the term ‘art after work’ is introduced. The extensive production of knowledge and information by Collective Actions has had a significant impact on Moscow Conceptualism more broadly. However, if this is considered in the context of free time after work, then it can be argued that the art of the Collective Actions group goes far beyond the ‘aesthetics of administration’ ascribed to Conceptual Art and to Moscow Conceptualism.
In dem Text werden Studienfotografien des armenisch-stämmigen Johannes Krikorian und des arabisch-stämmigen Khalil Raad als Beispiele früher palästinensischer Bildnisfotografie diskutiert. Im Zentrum steht die Frage nach der Bedeutung von Wissen, Vorwissen und Nichtwissen für die Lesbarkeit von Bildern. Dies betrifft das Fehlen nahöstlicher Fotografie im fotografischen Diskurs, insbesondere aber die ambige Semantik von Krikorians und Raads fotografischen Inszenierungen, die divergente Bildlektüren hervorruft.
Ausgehend von Blaise Pascals berühmter Wette auf die Existenz Gottes und die revolutionstheoretische Bezugnahme auf diese Denkfigur entwickelt der Text ein Verständnis der Revolution, das die Reflexion über diese primär als ein Beschreiben von Zeit- und Bewegungsfiguren versteht. Auf Grundlage dieser Prämissen wird dann in einem nächsten Schritt die Revolutionsinszenierung des Films V FOR VENDETTA (James McTeigue, 2005) auf seine Zeit- und Bewegungsfigurationen hin analysiert und die damit einhergehende affektive Wirkung beschrieben. Die zentrale These ist dabei, dass der Film in der Inszenierung des Übergangs zwischen zwei Gesellschaften ein utopisches Potenzial freisetzt und somit die Parameter einer revolutionären Wette zu beeinflussen sucht.
Der Aufsatz beschäftigt sich anhand von optischen Medien und ihren Bildern mit dem Thema der Virtualität. Virtualität als ästhetische Kategorie, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts verhandelt wird, stellt sich als strukturell rekursiv und temporal heraus, es geht also um die Dauer und Latenz von virtuellen Bildern. Das aus dem Virtuellen Wahrgenommene wird, mit anderen Worten, in einer Bewegung der Rekursion generiert, die weniger in einer räumlichen, sondern vielmehr in einer zeitlichen Sphäre zu verorten ist. Die optischen Medien und Verfahren der Stereoskopie, des Kaleidoskops und des frühen Farbfotos scheinen einen bestimmten Zustand zeitlicher Instabilität zu teilen. In diesem Sinne wird der Frage nach visueller Evidenz und dem aus dem limbischen Randgebiet der Wahrnehmung generierten Wissen eine – in der kontinuierlichen Rekursion des Virtuellen situierte – temporale Koordinate hinzugefügt.
Moritz Schumm bespricht in diesem Text das Verhältnis des Wissens eines Films und des Wissens der Zuschauenden. In ihrer gegenseitigen Konstituierung, Individualität und schwierigen Nachvollziehbarkeit sind sie schwer zu fassen und werden durch die veränderten Rezeptionsbedingungen von Filmen durch neue mediale Konstellationen noch vielfältiger. Gerade diese werden aber in den zeitgenössischen Filmen und ihren Inszenierungen aufgegriffen und das Wissen der Zuschauenden darum adressiert. Eingeschrieben in die formalen Strukturen der Filme wird das Verhältnis durch Filmanalysen beschreibbar, wie Schumm exemplarisch an zwei Szenen aus Wes Andersons Film The Grand Budapest Hotel (USA/D 2014) darlegt.
Ausgehend von der Beschreibung des Paradigmas der Sichtbarkeit für Fotografien werden in diesem Text bildimmanente Zwischenbereiche zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit untersucht, wobei diese bewusst als Ränder sowie Möglichkeitsräume und nicht als Grenzen oder Rahmungen aufgefasst werden. Anhand von Analysen vier konkreter Fotografien werden unterschiedliche Aspekte und Potenziale dieser Randphänomene diskutiert.
Das Essay argumentiert, dass Donna Haraways Verhandlung des Objektivitätsproblems einen Weg aus der Sackgasse gegenwärtiger Methodendebatten bietet. In Primate Vision (1989) skizziert Haraway, was sie als Verführungen durch den poststrukturalistischen Skeptizismus einerseits und den wissenschaftlichen Positivismus’ andererseits bezeichnet. Sich diesen Verführungen entziehend tritt Haraway für eine feministische Epistemologie ein. Diese stellt die selbstverständliche Annahme einer naturgegebenen Realität infrage, zielt aber zugleich darauf ab, positives Wissen über die Welt zu erzeugen. Mit dieser feministischen Version von Objektivität schlägt Haraway vor, dass Sorge und Kritik sich nicht wechselseitig ausschließen und dass die Beschreibung der Welt nicht als Befürwortung des Status quo verstanden werden sollte.
Das Phänomen der „peripheren Vision“ wird in diesem Beitrag an einer konkreten filmischen Operation untersucht: Im Zentrum steht der horizontalen Kameraschwenk, der die Umgebung gleichmäßig abtastet und darin eine Kreisbewegung beschreibt. Im Wechsel zwischen theoretischen Beobachtungen und kurzen Analysen markanter Kameraschwenks in Filmen von James Benning, David Wark Griffith, Samuel Fuller und Danièle Huillet/Jean-Marie Straub wird der Schwenk (engl. „pan“, frz. „panoramique“) auf seine medialen, technikgeschichtlichen und blicktheoretischen Voraussetzungen in einem vielschichtigen Feld von Panopticon, Zeugenschaft und Kolonialismus befragt.
Der Beitrag knüpft bei neueren bildtheoretischen und ästhetischen Erkenntnissen zum Verhältnis von Sehen und Wissen an, um einige Aspekte der Neubefragung desselben im Feld der jüngeren Kunst(geschichte) zu rekapitulieren. Gegenstand der Überlegungen ist die postkonzeptuelle Kunst mit Fotografie, in der sich die Diskurse um das Bildwissen und Fragen der Un/Sichtbarkeit begegnen. Diskutiert werden insbesondere die Fotoprojekte von Christopher Williams, da sie exemplarisch zeigen, wie modernistische Paradigmen des Sehens und des Wissens – etwa die Ideen der Medienspezifik und der Optikalität – überwunden und zugleich als überwundene ausgestellt werden. Gerade weil die Fotografie als Medium scheinbar auf Sichtbarkeit verpflichtet ist, vermag die gesteigerte Sichtbarkeit bei Williams zu irritieren und auf Un/Sichtbarkeitsstrukturen aufmerksam zu machen. Dabei verläuft zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit keine Grenze; vielmehr eröffnet sich dort das Feld peripherer Visionen.
Der Aufsatz untersucht Bilder, die in den Protesten in Kairo im Jahr 2011 entstanden sind und in den Social Media kursierten. Es zeigt sich, dass die Möglichkeiten der Bildverarbeitung, der Kommentierung und der Zirkulation an dem, was bezeugt wird, und an der Herstellung von Gewissheit entscheidenden Anteil haben. Zeugenschaft ist in einen Raum der Verhandlung und der Relationen verschoben, innerhalb dessen Glaubwürdigkeit entsteht, die jedoch immer bestreitbar bleibt.
Der Einleitungstext des Sammelbandes stellt verschiedene Positionen in der Bestimmung des Verhältnisses von Sehen und Wissen vor, wobei der Frage nach der Rolle der Medien zentrale Bedeutung zukommt. Die Autor_innen erläutern, warum den Medien Fotografie und Film ein besonderes Potenzial der Erkenntnisgewinnung zugeschrieben wird und sich folglich im Sammelband die Untersuchungen auf diese beiden Medien konzentrieren. Der Band verfolgt die Hypothese, dass insbesondere die Zonen der Ungewissheit im Verhältnis von Sehen und Wissen produktiv sind, die die Autor_innen nicht als Grenzen (in der Breite des Bedeutungsspektrums) verstanden wissen wollen, sondern als Ränder im Sinne von beweglichen Zonen oder unsauberen Zwischenzuständen.