DFG-Graduiertenkolleg 1759 der Universität der Künste Berlin "Das Wissen der Künste"
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Weiterdenken: FAKTEN SCHAFFEN! Sieben Thesen zum Dokumentieren in den Künsten und Wissenschaften
(2017)
Während der Konzeption der Veranstaltungsreihe wie auch der Onlinepublikation FAKTEN SCHAFFEN. entstanden Arbeitsfragen und -thesen, die das Verhältnis von Dokumentieren und Dokumenten in den Künsten und den Wissenschaften näher zu bestimmen versuchten. Als Abschluss und Ausblick stellen die Organisator_innen der Veranstaltungsreihe hier sieben Thesen zur Disposition.
erfassen
(2021)
Im Zuge der Ausbreitung von multi-sensorischen, computerbasierten
Technologien wird „erfassen“ zunehmend als eine automatisierbare
Tätigkeit zur Sammlung von Daten behandelt. Einer solchen Konzeption
entgegen werde ich „erfassen“ als einen beziehungsstiftenden Prozess
deuten, innerhalb dessen Bindungen – Ver- und Entbindungen – entstehen
und aus denen Daten als Transformationen hervorgehen.
konstellieren
(2021)
vergessen
(2021)
Zum Wissen gehört das Nicht-mehr-Wissen, das Vergessen. Vergessen setzt
voraus, dass etwas gewusst wurde, aber dem Gedächtnis nicht mehr
zugänglich ist. Etwas ist uns entfallen – heruntergefallen, weggefallen,
manchmal auch befallen. Für die Psychoanalyse gehört das Vergessen mit
dem Versprechen und Vergreifen zur Psychopathologie des Alltagslebens. Es
liefert einen Hinweis auf Motive und Wünsche, die wir uns nicht
eingestehen, ohne dass bereits eine Verbannung des Gedankens erfolgt ist
wie beim Verdrängen oder Verleugnen.
kartieren / mapping
(2021)
Kartiert – oder „gemappt“ – wird heute fast alles, wenn man zum Ausdruck
bringen möchte, dass Relationen beim Verständnis von Orten oder
Sachverhalten eine Rolle spielen. Mentale und materielle Karten sind zum
Inbegriff der Vorstellung von Netzwerken geworden, seien sie räumlicher
oder anderer Natur. Ausgehend von einer sehr alten Praxis der
zweidimensionalen Notation von Gelände, Geschichte und Gesellschaft,
lässt sich am Kartieren / Mapping sehr gut beobachten, wie eine Form der
(u. a. künstlerischen) Visualisierung von Räumen aller Art
Wissensbestände konstruiert.
einschreiben
()
In meinem Dissertationsprojekt zu polnischen Künstlerinnen der 1970er
Jahre untersuche ich Strategien zur Herausarbeitung eines spezifischen
Künstlerinnenbildes. In Anlehnung an aktuelle Forschungen zur
Emanzipation im Staatssozialismus frage ich, inwiefern sich die Praxis
der Künstlerinnen in den historischen Diskurs feministischer Kunst
einschreibt oder aber diesen neu justiert.
bezeugen
(2021)
Die Gefangenen und Entlassenen des Gefangenenlagers Guantánamo haben in
unterschiedlichen Formen von der Folter, ihrem Widerstand und Überleben
Zeugnis abgelegt. Die jüngsten Ausstellungen Ode to the Sea und
Guantánamo [Un]Censored haben die Frage dringlich gemacht, wie auch die
Kunstwerke der Gefangenen als Zeugnisse zu verstehen sind. Der Beitrag
diskutiert diese Frage am Beispiel einer unbetitelten Arbeit des bis
heute festgehaltenen Khalid Qasim. An ihr lassen sich die Mobilität von
Kunstwerken, ihre Autonomie vom bezeugenden Körper sowie ihre materielle
Intensität als Verfahren künstlerischer Zeugenschaft ausmachen.
Die Geschichte der Dekolonisation als langanhaltende politischökonomische
Befreiungsgeschichte umfasste immer auch künstlerische
Produktionen, Artikulationen und ästhetische Strategien der Subversion
sowie intellektuelle Positionen.
In diesem Essay werde ich mit Fokus auf Kunstproduktionen in den
Bereichen Musik, story telling – hier einschließlich Literatur und
Theater – und Bildender Kunst eine Geschichte der politischen
Dekolonisation und eine Geschichte dekolonialer Kunstproduktion
skizzieren.
modellieren
(2021)
Während es zahlreiche wissenschaftlich-theoretische Untersuchungen zum
Modell gibt, findet sich das Modellieren zumeist eher in praktischen
Anleitungen für Künstler*innen unterschiedlicher Disziplinen. Der Vortrag
versucht sich an Überlegungen zu der produktiven Spannung zwischen dem
Verschwimmen von Modell(gegenstand) und der Praxis des Modellierens.
listening / zuhören
(2021)
Der Beitrag problematisiert die Diskrepanzen zwischen einem noch von
romantischer Subjektivität charakterisierten „Zuhören“ und einem
aktuellen Verständnis, welches sich bisher trotz deutlich verlagerter
Paradigmen in zeitgenössischer Musik nicht unbedingt in den Standards
musikalischer Ausbildung durchgesetzt hat. Erst die jüngste
musikwissenschaftliche Vergangenheit unterzieht implizite Normen von
Zuhören einer kritischen Revision. Am Beispiel hörend-reaktiven
Verhaltens in Vinko Globokars Orchesterkomposition Concerto Grosso
(1969/75) wird versucht, Formen des Zuhörens im Kollektiv als eher
produktive denn rezeptive Handlungsmodi zu identifizieren mit der
Aussicht, diese auf ältere Repertoires zurückzuspielen.
choreographieren
(2021)
In einem erweiterten Verständnis scheint „choreographieren“ auf eine
Kunstfertigkeit zu verweisen, Körper, Dinge und Medien raum-zeitlich in
Kräftefelder von Bewegungsartikulationen zu bringen und miteinander zu
vermitteln. Keineswegs mit der Tätigkeit eines*r Choreograph*in
identifiziert, verwebt Choreographieren Heterogenes und schafft damit
Beziehungsgefüge von Bewegungen, die seit geraumer Zeit nahezu überall am
Werke zu sein scheinen. Was hat es damit auf sich?
anerkennen
(2021)
In den Sozialwissenschaften hat sich die Bedeutung von ,anerkennen‘ seit
gut zwei Jahrzehnten von einem normativen zu einem analytischen
Begriffsverständnis verlagert. Zwischenmenschliche Anerkennungsakte
werden inzwischen weniger auf eine gelungene oder misslungene
Wertschätzung bestehender Identitätseigenschaften, sondern auf seine
Ambivalenzen hin untersucht, u.a. auf zugleich bestätigende wie
identitätserzeugende Momente und auf dahinter liegende gesellschaftliche
Macht- bzw. Normierungsverhältnisse. Mit dem Konzept der
sozioästhetischen Anerkennung erweitert der vorliegende Beitrag die
bestehende Diskussion und geht der Frage nach, wie sich
Anerkennungspraktiken unter Jugendlichen anhand von Musikgeschmack
vollziehen und welche Anerkennungstechniken angewendet werden.
bilden
(2021)
Ausgehend von einem spezifischen Erkenntnispotential künstlerischen
Wissens soll die Frage nach den bildenden Möglichkeiten künstlerischer
Praktiken gestellt werden. Produktionsästhetisch gewendet, geht es nicht
darum, sich durch Künste zu bilden, sondern nach Bildungsprozessen in
künstlerischer Praxis zu fragen.
schreiben
(2021)
Schreiben ist eine verkörperte Wissenspraxis. Unübersehbar ist das im
Werk Hélène Cixous’, wo Denkbewegungen des Körpers in jene des Texts
übergehen. Der Beitrag spannt den Bogen zwischen zwei Essays aus den
Jahren 1975 und 2020. Hier beginnt Schreiben mit dem Schreien, wodurch
besonders die akustischen Dimensionen der Schrift, des Lesens und des
Schrei…bens wahrnehmbar werden.
poetisieren
(2021)
zweifeln
(2021)
Die Philosophie kennt den Zweifel als Methode: Indem alles dem Bewusstsein Gegebene aufgerufen und als Grundlage der Erkenntnis verworfen wird, gelangt das denkende Subjekt zu der unbezweifelbaren Gewissheit, dass es denkt. Eine solche erkenntnistragende Gewissheit spricht die Philosophie der Kunst und der ästhetischen Erfahrung ab.
Dabei kennt auch die Malerei Zweifel an den sinnlichen Gegebenheiten, die sie nur scheinbar unbefragt ins Bild setzt. Der Beitrag folgt dem Bildzweifel als Verfahren künstlerischen Forschens und als Form eines sensiblen Wissens, das sich aus einem Exzess an Ungewissheit speist.
abduzieren
(2021)
wissen
(2021)
Das Wissen der Künste ist ein Verb – aber was für ein Verb? Am Beginn des
Graduiertenkollegs vor neun Jahren stand die Frage nach dem Wissen der
Künste und es war von impliziten, von habitualisierten, von
inkorporierten, von prozessorientierten u. a. Formen des Wissens die
Rede. Nun stehen am Ende der Kollegarbeit eine verb list und die These:
Das Wissen der Künste ist ein Verb! Ein kleiner, kursorischer Abriss
einer Kunstgeschichte der verb list möchte dazu beitragen, das Wissen der
Künste in Verben – und vermittelt darüber auch das Verb „wissen“ –
genauer zu charakterisieren.
verschalten
(2021)
Verschalten meint eine Praktik des Kombinierens und Umwidmens von
vorhandenen Materialien zur Herstellung elektrischer Schaltungen. Der
Vortrag wird am Beispiel des Rauschgenerators NG-04 nach Hans-Jochen
Schulze und Georg Engel diskutieren, wie sich diese vom Schalten, also
mathematischer Papierarbeit, unterscheidet.
aneignen
(2021)
Sich Artefakte oder auch Musikpraktiken aus einem fremden kulturellen
Kontext anzueignen, verlangt immer einen Umdeutungsprozess. Jenseits
einer Dialektik von „Original und Nachahmung“ sind Prozesse von
Aneignung, Appropriation und produktiver Rezeption als performative
Antworten auf lokale Bedürfnisse zu verstehen.
transformieren
(2021)
Im Rahmen ästhetischer Prozesse spielt der Übergang zwischen verschiedenen Medien und Modi des Wissens oft eine zentrale Rolle. Der Beitrag untersucht anhand von visuellen Beispielen aus künstlerisch gestalteten Bilderbüchern die Möglichkeiten, durch ästhetische Transformationen neue Formen des Wissens zu generieren.
a bis z
(2021)
Die gemeinsame Arbeit am DFG-Graduiertenkolleg „Das Wissen der Künste“
hört auf, wir blicken zurück. Ein Gespräch über das Verhältnis von
Künsten und Wissenschaften, über Forschung an einer Kunstuniversität,
Kritik und Situiertheit von Wissen und über das, was abhanden gekommen
ist und wieder aufgefunden wurde.
üben
(2022)
Künstlerische Praxis ist in hohem Maße durch komplexe Übungsformen
konfiguriert, durch die implizites und explizites Wissen ausgebildet,
tradiert und kanonisiert wird. Das Üben ist ein Schlüssel in der
Geschichte und Gegenwart der Akademisierung der Künste und sollte Teil
ihrer institutionellen Selbstreflexion sein.
reflektieren
(2022)
Das Zurückwerfen, Widerspiegeln, in der Darstellung Überprüfen oder
Reflektieren einer Erscheinung ist tief in der Kunst verwurzelt, in deren
langer Geschichte immer wieder neue Antworten auf die Fragen, was wie
dargestellt und hinterfragt wird, gefunden wurden. Anhand der
zeitgenössischen performativen Künste und ihrer Probenprozesse wird das
Reflektieren als Mittel der Selbstbefragung der Künste und der
Herstellung künstlerischen Wissens untersucht.
listening / zuhören
(2022)
Listening appears as a research strategy: listening to remember, to
resonate, to fill the gap, to unpack, to participate, to endeavour, to
write, to read, to represent, to witness, to change, to resist, to learn,
to un-learn, to dream, to imagine, to meditate, to fall, to question, to
reveal, to travel, to envision, to feel, to wonder, to ask, to think, to
navigate, to dig, to bind, to murmur, to say loud, to share, to commit,
to repair, to speak out, to meet, to hear, to dwell … in becoming.
symbolisieren
(2022)
dokumentieren
(2021)
Während der Abschlussveranstaltung bot Bas Böttcher ein Poetic Recording dar. Seine zwei Spoken-Word-Performances entstanden während der Tagung und reflektierten die Tagung selbst, auf direkte und kreative Art. Am 7. Mai wurden die Inhalte der Podcasts und am 8. Mai die drei Paneldiskussionen im poetischen Protokoll zusammenfasst.
sein
(2021)
Das Konzept von ‚Sein‘ kommt nicht ohne einen Verweis auf Martin
Heideggers Buch Sein und Zeit aus. Bekanntester Ausdruck seines Werks ist
das In-der-Welt-sein, welches die Situiertheit des Daseins beschreibt.
Der Vortrag beschäftigt sich mit der Frage, wie sich Heideggers Konzept
des In-der-Welt-sein zu Donna Haraways Konzept des situierten Wissens
verhält und umgekehrt.
listening / zuhören
(2021)
situieren
(2022)
Was hat site-specificity mitsituated knowledges zu tun? Der
Glossarbeitrag liest einen kunsthistorischen Aufsatz zur Geschichte der
site-specificity mit dem Grundlagentext von Donna Haraway über situated
knowledges zusammen, und kommt zu dem Schluss, dass es genau so wichtig
ist, die site, an der man sich oder eine künstlerische Arbeit verortet,
multidimensional zu verstehen, wie an einer partiellen Objektivität der
eigenen Position festzuhalten.
anleiten
(2021)
Eine Unterhaltung über die Kunst des Anleitens und das Ausüben von
Anleitungen; mit einem Abstecher ins Programm der dritten Fernsehkanäle
zu Vormachguru Bob Ross und dann noch zu Einblicken in eine aktuelle
Sammelleidenschaft zum Thema Aufgabenstellungen und vermutlich ohne zu
antworten: Lässt sich Kunst anleiten oder ist es gar (k)eine Kunst?
schmuggeln
(2021)
Dieser Beitrag ist kein Glossareintrag im engeren Sinne, da er keine
Definition für den Begriff des ‚Schmuggels‘ bietet. Vielmehr dockt er an
das ‚Schmuggeln‘ als ein Modell für das Kuratorische an. Und indem er
einige Gedanken eines früheren Textes von mir wieder aufgreift, erweitert
er den Begriff, um eine Praxis zu konnotieren, mit der es hoffentlich
möglich ist, von innen heraus den institutionellen Rahmen der Kunst neu
zu gestalten. Aus meiner Perspektive als Kunst- und Kulturschaffende of
Color in einem europäischen Kontext schlage ich hiermit das „Schmuggeln“
als Methode einer langsamen und stillen Subversion vor.
Weiterdenken: FAKTEN SCHAFFEN! Sieben Thesen zum Dokumentieren in den Künsten und Wissenschaften
(2017)
Während der Konzeption der Veranstaltungsreihe wie auch der Onlinepublikation FAKTEN SCHAFFEN. entstanden Arbeitsfragen und -thesen, die das Verhältnis von Dokumentieren und Dokumenten in den Künsten und den Wissenschaften näher zu bestimmen versuchten. Als Abschluss und Ausblick stellen die Organisator_innen der Veranstaltungsreihe hier sieben Thesen zur Disposition.
Wie lassen sich Theater und Tanz als ‚flüchtige‘ Künste dokumentieren und archivieren? Welche Bedeutung haben Dokumente für die Reflexion und Vermittlung von Tanz- und Theaterereignissen? Wir haben Virginia Thielicke und Franz Anton Cramer eingeladen, über das Aufzeichnen und Vermitteln von Tanz- und Theaterkunst zu sprechen. Während Virginia Thielicke im Rahmen eines erfahrungsorientierten Rezeptionsverfahren für die Theaterpädagogik Dokumente als Antworten auf zeitgenössische
Theaterproduktionen betrachtet, stellt Franz Anton Cramer Strategien der Dokumentation und Archivierung in Tanz und Performance anhand von Befunden aus dem Forschungsprojekt „Verzeichnungen“ (2012-2015) vor.
Anhand des Luftschiff-Projekts von Francesco Lana de Terzi aus dem Jahr
1670, kann eine wichtige Phase des Entwurfsprozesses dargestellt werden:
Die Prozessualität des Entwurfs endet nicht mit der vermeintlich finalen
Zusammenstellung eines Konzepts, sondern ist selbst wiederum die
Grundlage für weitere Entwürfe. Ziel dieses Beitrags ist es, den Prototyp
als Provisorium im Kontext des Entwurfsverfahrens zu untersuchen.
Gaffa-Tape: Ein Material, das wie kaum ein anderes derzeit eine eigene Fankultur um sich schürt. So heißt es in dem Song Schwarze Wolke des deutschen Rappers Prince Pi von 2013: „ … jedes Problem lösbar mit Gaffa und Schweizer, der gute alte MacGyver …“. (Prince Pi: Schwarze Wolke, Album: Kompass ohne Norden) Der Verweis auf die TV-Figur Angus MacGyver, bekannt für die Fähigkeit, die unmöglichsten Probleme mit simplen Materialien lösen zu können, weist nicht nur auf die Beliebtheit des Klebebandes, sondern auch auf dessen Potenziale bezüglich eines intelligenten, provisorischen Problemlösens hin.
Spaces of Collectivity
(2021)
How is it to act collectively when each one of us brings our own
perspective, values, assumptions, and also our own language? How does
from the many become ‘one’? What compromises does one need to make on the
way? These were the questions we explored during the workshop Spaces of
Collectivity. The aim was to collectively experience and enjoy space,
while noticing how different our perspectives on it are, and how being
able to talk about them, is key to any collective act of visioning,
making or caring for space. Maps, as final products, and map-making, as
the process of making these, became the tools to visualise and thus be
able to better discuss these challenges.
Periphera : Fotostrecke
(2021)
What are recent examples of practices in which ‘assembling’ and
‘disseminating’ reconfigure agencies, resources, affects and information
to give rise to new forms of collectivities? This round table brings
together Björn Heerssen and Noel David Nicolaus from the
interdisciplinary collective Clusterduck, and sociologist Serhat
Karakayali to ask about the relationships and interdependencies between
‘assembling’ and ‘disseminating’ as constitutive mechanisms in processes
of collectivization. How do agencies, resources, affects and information
elevate processes of creating collective feelings? Together we discuss
how ‘assembling’ and ‘disseminating’ take shape in each example, leading
to different forms of collectivities; what practicable mechanisms,
interfaces and infrastructures come into play; and how do these two
instances approach possibilities of collective interaction
in terms of
‘sharing’ and ‘learning’.
FAKTEN SCHAFFEN am 27.11.2016: Die Moderatorin und Autorin dieses
Artikels fragt die Gäste auf dem Podium, wie die spezifische
Körperlichkeit der Theaterakteur_innen in ein Archiv Eingang finden kann
und bekommt die Antwort: „Gar nicht!“ Mit dieser zwar zutreffenden, aber
nicht zufriedenstellenden Antwort begann eine Spurensuche nach Ansätzen,
wie die Darsteller_innen des Theaters zu dokumentieren seien. Welche
Konzepte gibt es? Welche Besonderheiten bestehen für die Dokumentation
von Performer_innen im Gegensatz zu Schauspieler_innen?
What practices constitute the commons? What are the conditions of the
situated processes of commoning? What and how do we thereby learn? What
would constitute a new sense of sharing, distributing, partaking? And,
how can we take the idea of relationality seriously and institute
structures of reciprocity between art, academia, and activism? To address
these questions the round table commoning/communing brings together three
projects focusing on urban practices of commoning.
Am Beispiel unserer Arbeit an der Ausstellung und Lecture Performance G20
reflektieren wir, was Teilen und Lernen im interdisziplinären
Zusammenarbeiten zwischen einem Künstler und einer Wissenschaftlerin
bedeuten kann: was haben wir gemeinsam gelernt, was haben wir als
Einzelne gelernt? Welche Arten des Teilens haben funktioniert, wo
bestehen Brücken zwischen dem jeweilig Eigenem (was immer das ist) und wo
bleiben Lücken?
Wir stellen zunächst den Prozess in einem gemeinsamen Textteil dar und
teilen die Reflektion in je eigene Textteile auf. Zum Abschluss suchen
wir wieder eine gemeinsame Sprech- bzw. Schreibposition. Dabei reden wir
notwendigerweise aus der Position von Produzent*innen und nicht als
Rezipient*innen.
The round table instituting/fleeing addresses collective practices as
forms of resistance against power asymmetries – as activist strategies.
It focuses on the entangled dynamics between fleeing and occupying the
institution and the role institutional critique plays in these dynamics.
We will map out our different collective practices by posing questions,
such as: How can we understand the different ways the institution and the
collectives are linked? How to create collectives within the institution?
How can collectives flee or occupy the institution? Who can flee and
where to? How do institutions appropriate and destroy collective
structures?
The Practice of Resistance
(2021)
In June 2019, I held the workshopcooking, playing and sharing at the
symposium sharing/learning: methods of the collective in art, research
and activism by the DFG-Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste”, Berlin
University of the Arts (UdK), at/in cooperation with District * School
without Center.
I invited guests to explore how to come together spontaneously,
creatively and intuitively for preparing a feast without previously
knowing the recipe and without a recipe. The main idea was how to make a
meal with the ingredients, we would have available, and share it between
the participants of the event. Noncooking Knowledge was required. As it
usually happens in my proposals, the practice has taken other directions.
What are the reasons behind a newfound popularity of collectives within
art economies? Could it be that collective practices are a necessary
answer to the challenges faced by (creative) workers in late capitalist
society? To reflect these questions, we take this text as a starting
point to try to critically assess our own personal history as an internetbased
research collective.
This text was part of the opening to the symposium sharing/learning:
methods of the collective in art, research and activism and was read on
28th June 2019, in English, by two members of the organizing team, as
introductory words. The text deliniates the central questions from which
the two-day gathering arises, as well as its methodologies and actors.
Many formulations originate from previously written concept papers, which
were used to present the project for various purposes. These in turn are
informed by the many conversations that took place within the
organizational team – a group of people whose constellation was shifting
along the way – orally as well as in writing.
Ausgehend von der asiatischen Tradition der Gelehrtensteine lotet Su-Ran
Sichling das Verhältnis von Natur und Kultur aus. In ihrer
Auseinandersetzung mit den Werkstoffen der Nachkriegsmoderne,
insbesondere Terrazzo und Waschbeton, beobachtet sie Bezüge zwischen der
Pseudonatürlichkeit der Materialien und der Pseudonatur einer Geschichte
der BRD, die sich erst langsam als Einwanderungsland zu verstehen
beginnt. Dabei fragt ihre Arbeit auch, inwieweit sich ein sinnlicher,
materialitätsbetonter künstlerischer Ansatz mit einer Agenda der artistic
research verträgt, die im Zusammenhang mit dekolonialen Debatten Inhalte
häufig gegenüber der Form privilegiert.
Das verstreute Material, das die Tournee des Indischen Balletts der Leila
Roy-Sokhey alias Madame Menaka 1936 bis 1938 durch Deutschland und Europa
dokumentiert, ist die Grundlage der in diesem Beitrag dargelegten
Überlegungen über das Ordnen, Präsentieren und die künstlerische
Erforschung eines globalen und intersektionalen Ereignisses zwischen
Deutschland und Indien. Die komplexen Prozesse der Begegnung, Aushandlung
und Neukonfiguration von Wissen im transkulturellen Kontext sollen
darüber hinaus Gegenstand einer künstlerischen Auseinandersetzung werden.
In response to this issue’s call to “engage aesthetic processes of
remembering,” this paper analyses Fair Play (2014), a stereoscopic 3-D
cinema installation by Toronto-based filmmaker Ali Kazimi. Produced in
conjunction with the centennial anniversary of the arrival and detainment
of the Komagata Maru steamship in Vancouver, British Columbia, Canada,
the installation engages in an act of critical commemoration by imagining
the lives of members of the South Asian diaspora affected by this
incident. I argue that by centering affect within the formal and
conceptual framework of the installation, Kazimi produces a decolonial
aesthetic that restructures our relationship to this past, bringing to
the fore ways of living and knowing that had previously been devalued and
violently erased by colonial agendas and neoliberal art historical
critiques.
‘Looking Back Forward_Quip Nayr’ is based on the Aymara concept of time
and space called ‘qhip nayr’. As the Bolivian sociologist Silvia Rivera
Cusicanqui refers to it, ‘quip nayr’ is a way of looking into the past to
orient your path to the future. I use this concept to reflect on
processes of change, concerning language, identity and place. Expressing
identity on fabric recuperates my ancestors’ tradition from the Andean
region in Abya Yala (Latinamerica). The layering of textiles is inspired
by Gloria Anzaldúa, who uses fabrics as a synonym to talk about the
construction of identity in her concept ‘Haciendo Caras’.
Zeitgenössische Theaterstücke von etlichen afrikanischen und afrodiasporischen
Künstler_innen weisen im Theater eine Vielzahl ästhetischer
Verfahren innerhalb eines breiten Spektrums dekolonialer Ästhetiken auf.
Kunstschaffende bringen – so die zentrale These – eine Ästhetik des
Aufruhrs hervor, die nicht allein mit dem Prinzip des delinking zu fassen
ist, sondern Prinzipien der Erhebung, des Aufschreis und des Verlachens
umfassen. Künstler_innen kritisieren und dekonstruieren mittels
satirischer, absurder und grotesker Elemente koloniale und postkoloniale
Herrschaftsverhältnisse und nutzen das Verlachen von Gewaltverhältnissen
als eine wichtige subversive Strategie. Diese These exploriere ich anhand
des Stücks Im Namen des Vaters, des Sohnes und des J.M. Weston des
kongolesischen Dramatikers Julien Mabiala Bissila.
For Issue 8 of wissenderkuenste.de, filmmaker Ali Kazimi has contributed
five images from an anaglyph version of his installation Fair Play. The
principle is simple: Each stereo image consists of a pair of images: one
for the left eye and the other for the right eye. All stereo viewing
systems seek to isolate the images, so the left sees only the one
intended for it, and the right sees the one intended for it. Our brain
creates the perception of a 3D image while viewing a 2D screen by fusing
these two slightly offset images together. Fair Play brings together all
strands of Kazimi’s research including stereoscopic 3D filmmaking,
stereoscopic 3D photographic history and images, as well as early
twentieth-century Canadian immigration history and colonialism.
In seinem Vortrag diskutierte Friedrich Balke den Film Havarie von Philip
Scheffner als eine komplexe Auseinandersetzung mit dem von Hans
Blumenberg eingeführten Topos Schiffbruch mit Zuschauer. Ganz ähnlich der
Videoaufnahmen der Zuschauenden, die als Ausgangsmaterial des Films die
Havarie beweisen, haben wir versucht, die Vortragssituation in der
Berliner Universität der Künste mittels eines 3D-Laser-Scans festzuhalten.
With her photographic series Character Recognition (2006–2007) U.S.
artist Myra Greene examines historical constructions of race and racist
ways of looking from a perspective that undermines the assumed neutrality
of photography. She transforms the old ambrotype technique and encourages
to reflect on the power that visual technologies hold over the
representation of race and identity. Greene recalls yet disobeys
nineteenth-century ethnographic visual practices and looking
instructions, creating a technical and metaphorical deferral of the past
into the present and of the present into the past. Her photographic
practice unveils the ongoing violent effects of nineteenth-century
scientific racism on present-day bodies and embodied ways of looking. At
the same time, Character Recognition gives new life to the archives of
visual colonialism and experiments with photographic representation and
body memory as tools for decolonial options of non-normative (visual)
spaces.
Memoirs of Saturn
(2020)
In a set of para-fictional texts which interweaves the life of cultural
historian Dr. Shahidul Zaman with key moments in the ruptured history of
Bangladesh, the artist Omar A. Chowdhury, builds a reflexive mirror to
examine the nature of memory, of historiography, and the processes of the
art system. Recounting the history of an exhibition that was censored and
closed down in Dhaka in 2016, Chowdhury constructs a narrative that
doubles back on itself along multiple axes of the personal and public as
he and Dr. Zaman delve into the uncertainties in the presentation of
identity, the recollection of history, and the compromises of political
commitment.
In this work, I relate to the path of conocimiento, a concept developed
by Gloria Anzaldúa, which is a form of spiritual inquiry/activism,
reached via creative acts—writing, art-making, dancing, healing,
teaching, meditation, and spiritual activism. In writing and drawing, I
weave lines to different realities: the rural upbringings of the women
who raised me, my migration from the Third World, the meaning of home and
belonging, and my connection to all that exists on the planet as
political consciousness.
Looking at examples of presenting practices in Berlin and Toronto, this
essay sketches the difficulties that arise when embarking on a curatorial
practice with a decolonial impulse. This text is a partner to “On
Smuggling and Drawing. A Conversation in Blocks”, a dialogue between
curator Juana Awad and artist Luisa Ungar, written in 2020 and appearing
in the publication Künste dekolonisieren. Ästhetische Praktiken des
Lernens und Verlernens (edited by Julian Bauer, Maja Figge, Lisa
Grossmann, Wilma Lukatsch; Berlin, Transcript Verlag, forthcoming.)
But while the dialogue focuses on Ungar’s creation process of the over
one hundred original drawings intervening throughout the publication,
this essay brings to the forefront Awad’s questions about, and
experiences and observations with the mingling of the curatorial and the
decolonial, from her perspective as a curator and cultural worker.
Within documentary practices the relationship between fact and fiction is
constantly renegotiated. The films and videos by John Smith address this
relationship in a special way, disarrange it, and in doing so, reveal the
conditions of producing filmic truth. We invited John Smith to show his
films and comment on them in this regard. Here we present audio
recordings of his statements and short descriptions of the films he
referred to. In the following text, film scholar Volker Pantenburg points
out the importance of John Smith’s voice in his films, it creates a
reflexive level. In a similar way, the audio files create a commentary
level for the films in this article. Additional drawings by the Berlin
based artist Maxim Bauer illustrate the conversational character of the
evening.
Verändert der Aufenthalt in einem Hotelzimmer unser Denken? Inwieweit
prägt das Hotel eine eigenständige Perspektive auf die Welt? Diesen
Fragen geht der vorliegende Text mit Blick auf die Videoserie Hotel
Diaries des britischen Experimentalfilmers und Videokünstler John Smith
und unter Heranziehung von Wayne Koestenbaums Hotel Theory nach.
07.11.2016 Reconsidering the Shape of Evidence: Visual Documents in and Beyond Contemporary Art.
(2017)
Sophie Berrebi discusses in her lecture the use of documents in the
visual arts in the first decade of the 21rst century. She focusses on
artists, who shed light on the potentials, mechanisms and traditions of
analogue forms of documentary practices in contrast to the contemporary
emphasis on the usage of digital media. In doing so they question the
status of art works as well as of documents and the relationship of
museums and archives. We present here the presentation manuscript of the
lecture and add the notes taken by two members of the research training
group. This most common kind of documentation of lectures in most
scientific disciplines points out the processes of selection und
accentuation in listening and recording.
Scientific experiments with documenting and archiving sound resulted in
the creation of diverse techniques which were eventually used beyond the
sciences, too. By addressing the poetics and politics of scientific sound
archives an institution comes into focus which is at the intersection of
art and science. While Viktoria Tkaczyk analyzed sound recordings from
the perspective of cultural studies, Gill Aubry presented his artistic
work with sound archives. Here, the evening is documented by photographs,
documentation of Gilles Aubry’s works and the transcription of Aubry’s
lecture.
Dokumentarische Praktiken sind mit medialen Transfers verbunden.
Wahrnehmungen und das Nachdenken über das Wahrgenommene werden dabei in
eine andere Form gebracht. Julian Bauers Beschreibungen von den Filmen,
die John Smith im Rahmen von FAKTEN SCHAFFEN präsentierte, transferieren
zum einen die Filme und zum anderen die durch sie im Nachhinein
ausgelösten Gedanken, Fragen und Thesen in Schrift und laden zum Mit- und
Weiterdenken daran ein.
Sex, Schmutz, Xenophobie und ein lebendiger Staubsauger : Roee Rosens Operettenfilm The Dust Channel
(2017)
The Dust Channel von Roee Rosen ist ein Film zur Sauberkeitsmanie mit
gleichzeitig verdrängter Faszination für Schmutz, zum Warenfetischismus
und zur restriktiven, sich nur scheinbar an internationale Konventionen
haltende Asylpolitik Israels. Dabei lotet Rosen die Möglichkeiten der
Vermischung einer Operette mit Avantgarde-Stummfilm-Ästhetik und
zeitgenössischen Nachrichtenformaten aus. Was dabei herauskommt, ist eine
Analyse der Ausübung struktureller Gewalt durch sprachliche und visuelle
Metaphern, in der die ohnehin brüchige Unterscheidung von Privatem und
Öffentlichem unterlaufen wird.
Die folgende Ausstellungslektüre hebt auf die Verwicklungen ab, die die
documenta 14 zwischen Objekten, Biografien und Besucher_innen stiftet.
Sie verfolgt dabei die Überlegung, dass es sich um eine Ausstellung der
kleinen Formen handelt, in denen sich die Gebundenheit ästhetischer
Praktiken an Körper und Orte artikuliert.
Die documenta 14 brachte selbstbewusste kuratorische Setzungen vor, die
zum Teil scharf kritisiert wurden. Lässt sich eine Kritik an der großen
kuratorischen Geste auf die gesamte Schau und die Erfahrung der Werke im
Ausstellungsraum übertragen? In Hinblick auf die Präsentation von
Arbeiten in der Neuen Galerie, der Neuen Hauptpost und dem Museum für
Sepulkralkultur in Kassel schlägt der Artikel vor, die vieldiskutierte
Frage der Symbolpolitik zugunsten einer Untersuchung des Partikularen
zurückzustellen und die Konstellationen von Werk und Betrachter_in im
Ausstellungsraum auf Inhaltsebene ernst zu nehmen.
Beginnend im Wilhelmshöher Ballhaus, 2017 zum postkolonialen Kino
gemacht, folgt der Beitrag einem Weg zu ausgewählten Stationen der
documenta 14 in Kassel. Am Beispiel dort platzierter Werke werden sowohl
konzeptionelle Probleme, das Ausufern der Referenzräume, als auch das
Anliegen thematisiert, möglichst vielen einen Platz im Parlament der
Versehrten zu bieten. Und trotz mancher Anstrengung, zwischen Politik und
Ästhetik eine Balance zu finden, bleibt der Eindruck, dass sich der
Besuch schon für immersive Arbeiten wie Narimane Maris Film Le fort de
fous lohnt.
Wer eine Reise zur documenta 14 in Kassel dezentral beginnt, namentlich
an dem von Leo von Klenze entworfenen Wilhelmshöher Ballhaus, findet in
dessen Inneren gleich eine besondere Rezeptionssituation: Saalmittig darf
man zwischen grauen, zu einer Sitzinsel gruppierten Kissen einsinken. Von
dort fällt der Blick auf eine kleine Kinoleinwand. Das zwar postbarocke,
aber rankenreiche Dekor des Saalinterieurs bildet dabei samt der
seitlichen Durchblicke auf Parkausschnitte eine wirkmächtige
Kulissenerweiterung für einen ästhetisch nicht minder vereinnahmenden,
szenisch meist ruhig dahinziehenden Film: Le fort de fous
(Algerien/Griechenland/Frankreich, 2017) von Narimane Mari. Einige
kolonialklassizistische Drehorte für das Spiel der Laiendarsteller_innen
Abb.
Der Artikel setzt sich kritisch mit der kuratorischen Geste der documenta
14 auseinander, ihren zentralen Spielort in Kassel, das Fridericianum,
zur Gänze mit Werken der Sammlung des Athener Nationalen Museums für
zeitgenössische Kunst (EMST) zu bespielen. Diese Geste wird im Bezug auf
die Gefahr einer kuratorischen Symbolisierung von künstlerischen Arbeiten
diskutiert, die auch andere kuratorische Gesten der Ausstellung heimsucht.
Sonic Imagination
(2017)
Brandon LaBelles performative Installation The Ungovernable war eine
dreistündige Auseinandersetzung mit den verschiedenen räumlichen
Gegebenheiten des Athener Kulturzentrums Romantso und dessen Erkundung
mittels Bewegung, Akustik, Videoprojektionen und der Platzierung von
Stoffen, Zeichnungen und Geschriebenem. Besondere Aufmerksamkeit wurde
darauf gelenkt, dass ‚Gemeinschaft‘ auch ein akustisches Phänomen ist.
Die Zeiten der documenta sind verschoben: In ihrer 14. Ausgabe dauert die
Schau nicht nur 163 oder 2 mal (sich zum Teil überschneidende) 100 Tage,
sie wendet sich zudem zugunsten der künstlerischen und kuratorischen
Erzählung zum Teil von der Gegenwartskunst ab. Auch in den gezeigten
Werken werden zeitliche Verschiebungen hergestellt und das Zeiterleben
rückt in den Mittelpunkt der Wahrnehmung. Ein Blick auf das Museum für
Sepulkralkultur, wo die Zeit besonders deutlich hervortritt.
Der Beitrag berichtet von einem Abend im Parlament der Körper im Kasseler
Fridericianum. Am 17. Juni 2017 versammelten sich unter dem Titel Black
Athena reloaded 2: The Code Noir on trial Paul B. Preciado als Gastgeber,
Pélagie Gbaguidi, Künstlerin der documenta 14, sowie die
Wissenschaftler_innen Françoise Vergès, David Scott und Tavia Nyong’o und
das Publikum, um über diesen zentralen Gesetzestext der kolonialen
kapitalistischen Moderne zu sprechen und an die bis heute reichende
Gewalt zu erinnern. Die Veranstaltung wird im Verhältnis zu weiteren
Thematisierungen des Code Noir im Rahmen der documenta 14 diskutiert und
als Versuch der Tribunalisierung verstanden, bei dem durch reparatives
Erinnern eine Öffentlichkeit für die Geschichten der Gewalt aber auch des
Widerstands hergestellt wird.
Fragmentarischer Istzustand
(2017)
Das Projekt eines enzyklopädischen Gartens, an dem der Schweizer Armand
Schulthess in der Einsamkeit der Tessiner Berge von 1951 bis 1972
unermüdlich gearbeitet hat, ist weitgehend vergessen. Schulthess leitete
eine Damenkonfektionsfirma mit Geschäften in Genf und Zürich bis ihn 1934
die Wirtschaftskrise in die Knie zwang und er im
Volkswirtschaftsdepartement in Bern angestellt wurde. Die meiste Zeit
seines Lebens war er also Schreiber, darin Flauberts Helden Bouvard und
Pécuchet nicht ganz unverwandt. Und wie sie machte auch er im Alter von
50 Jahren eine radikale Kehrtwendung, um seine Idee einer „Enzyklopädie
im Walde“ (Harald Szeeman: Von/Über/zu/mit Harald Szeemann. Museum der
Obsessionen, Berlin 1981, S. 88.) zu verwirklichen. Was ihm vorschwebte
ist nichts Geringes …
Alternatives Wissen im Archiv : Die Fotografien der Arab Image Foundation als divergente Positionen
(2013)
Beherbergt das Archiv der in Beirut beheimateten Arab Image Foundation
ein anderes Wissen? Ein Wissen also, welches sich gegen
essentialisierende Zuschreibungen richtet, wie diese in zahlreichen
archivarischen und orientalisierenden Diskursen zu finden sind? In diesem
Sinne gilt es zu erörtern, inwiefern sich die Arab Image Foundation
sowohl gegen die Vorstellung einer kongruenten Meta-Erzählung respektive
gegen das Konstrukt einer „offiziellen“ Historiografie wendet als auch
kolonialen Festschreibungen eine Absage erteilt.
Die Organisator_innen des Workshops „Performance und Architektur –
Realisationen (in) der Fotografie?“, aus dem die fünfte Ausgabe von
wissenderkuenste.de hervorgeht, haben sich für eine Nachlese getroffen
und ein Gespräch über ihre Ausgangpunkte, Erkenntnisse und Fragen aus den
zwei Workshop-Tagen geführt. Sie stellen neue Fragen, führen alte weiter
und geben damit einen Ausblick auf die Fortführung der Diskussion über
die Rolle der Fotografie für Architektur- und Performanceforschung.
Im OEuvre des Architekten Hans Scharoun lässt sich ab den 1930er-Jahren eine besondere und spezifische Art der Fotografie ausmachen. Hinter diesen Fotografien liegt dabei weit mehr – zum Teil Brisantes –verborgen als ihnen beim ersten Anblick anzusehen wäre. Anhand der Häuser Mattern
und Moll werden diese Fotografien im vorliegenden Text untersucht. Dabei soll gezeigt werden, inwieweit ein Blick auf den Akt des Fotografierens und damit auf die Fotograf_innen sowie auf die an der Fotografie
beteiligten Personen im „Dickicht der Kulturobjekte“(Flusser) sich für eine performativitätstheoretische Perspektive auf die Fotografien
produktiv machen lässt.
Das Verhältnis zwischen Performancekunst und Fotografie wird in der Regel
anhand einer Gegenüberstellung von fotografischen Dokumenten und
fotografierten Ereignissen definiert. Die Frage, wie Performance-Fotos
jeweils aufgenommen werden, spielt im Rahmen der theoretischen Reflexion
dieses Verhältnisses kaum eine Rolle, wobei es hier einige wenige
signifikante Ausnahmen gibt. Der vorliegende Beitrag behandelt
künstlerische Positionen – im Fokus steht Vito Acconcis Performance
Twelve Pictures aus dem Jahr 1969 –, die den Akt des Fotografierens als
(Teil einer) Performance konzipieren und somit dessen Stellung innerhalb
des Aufführungsgefüges in einem neuen, drängenden Licht erscheinen lassen.
Lisa Großmann besucht für ihre Forschung regelmäßig Proben von
Theatermacher_innen wie dem Theaterkollektiv VOLL:MILCH. VOLL:MILCH haben
ihr selbst geschossene Fotografien aus den Probenprozessen zu ihren
bisherigen Inszenierungen zur Verfügung gestellt und in einem Gespräch
über die Verbindungen zwischen ihren Proben und dem Fotografieren ihre
Arbeitsweisen erläutert. Welche Rolle spielt die Fotografie in den
Proben? Wie wird mit Fotografie in künstlerischen Prozessen umgegangen?
Dieser Beitrag richtet den Blick auf den Theaterprobenprozess und
eröffnet dabei implizit Parallelen zu Entwurfsprozessen der Architektur
und Entwicklungsprozessen von Performance Art, ohne diese explizit zu
thematisieren.
Mittels fotografischer Aufnahmen wurde Jean Tinguelys 1960 im
Skulpturengarten des Museum of Modern Art, New York einmalig vollzogene
Zerstörungsaktion Homage to New York dokumentiert, so dass sich das
ephemere Ereignis der Vergänglichkeit entzog. Die Bilder von Tinguelys
Homage to New York halten jedoch nicht allein die Zerstörungsaktion für
die Nachwelt fest, sondern das fotografische Bildgebungsverfahren kehrt
überdies die Bildhaftigkeit der Installation hervor. Bereits in der
Skulptur sind bildkonstituierende Elemente angelegt, die in den Schwarz-
Weiß-Fotografien der Aktion verstärkt hervortreten. Die mit der
Überführung vom Dreidimensionalen ins Zweidimensionale einhergehenden
Modifikationen werden anhand eines der ersten fotografisch dokumentierten
Kunst-Ereignisse untersucht.
Provisorien können als eine Art Behelf verstanden werden, ephemere
gesichtslose Dinge, materielle Halbwertzeiten in persona, besser in re,
Überbrückungsbeihilfen für schlechte Zeiten oder auch nur als
symbolischer Indikator/Chiffre der, teleologisch betrachtet, den langen
Weg bis ‚alles gut ist‘ (wie auch immer das individuell definiert wird)
markiert. Im Folgenden steht jedoch nicht diese vor Pluralität strotzende
Welt provisorischer Dinge im Mittelpunkt, sondern ein apparativer
Antagonist. Als solcher positioniert, weil es eine der wenigen, wenn
nicht sogar die einzige Technologie ist, die im Gegensatz zu partiellen,
temporär begrenzten Problemlösungsstrategien (in Form von Geräten,
Kunstgriffen, etc.) nicht weniger als die Unendlichkeit zum Ziel hat, das
‚sich unentwegt Bewegende‘ besser bekannt als Perpetuum mobile.
Während der Dilettant im Konzept der klassischen Kunst zu einer
peinlichen Figur erklärt wird, die bloß spielend agiert, ohne sich den
Mühen und dem Ernst eines anstrengenden Studiums zu unterziehen, weshalb
ihm die notwendigen Kenntnisse und Fertigkeiten fehlen, wird der
Dilettant im modernen Kunstbetrieb zu einem agent provocateur: Er lehnt
sich gegen das Regime der notwendigen Kenntnisse und Fertigkeiten auf –
und begrüßt das Unfertige, nicht-perfekte als Form des Neuen. Unter dem
Motto ‚Gelerntes vergessen‘ entsteht so ein strategischer Dilettantismus,
der anerkannte Kunstbegriffe in Frage stellt – und dadurch Kunst schafft.
Inwiefern vermag ein Modell unsere Wahrnehmung so zu irritieren, dass wir
sowohl das entsprechende Objekt als auch unsere eigene Wahrnehmung zu
überdenken beginnen? Anhand von Modellen aus der architektonischen und
kinematografischen Praxis wagen die beiden Autorinnen Stefanie Bräuer und
Sarine Waltenspül ein Schreibexperiment: Ausgehend von gemeinsamen Thesen
befragen sie die Modelle nach ihrer aktiven Rolle in Produktions- und
Reflexionsprozessen. Sie leiten ihre Texte mit einer gemeinsam
formulierten Fragestellung ein und gleichen ihre jeweiligen Befunde in
einem zusammen verfassten Schlussteil ab.
Als im Frühjahr 1957 der Katalog Wiederaufbau Hansaviertel zur
Internationalen Bauausstellung Interbau in Westberlin erstellt wurde,
waren die zugehörigen Bauten noch nicht fertiggestellt. Für eine
fotografische Wiedergabe waren sie somit nicht verfügbar. Stattdessen
wurden neben wenigen Perspektivzeichnungen vor allem Modellfotos der
Wohnhäuser gezeigt. Im folgenden Essay werden die in der Publikation
verwendeten Visualisierungsmedien, vornehmlich das Modell und die
Modellfotografie, auf ihr eigenes Potential der Wissens- und
Erkenntniserzeugung hin befragt. Das Beispiel ermöglicht einen kritischen
Blick auf die Medien architektonischer Künftigkeit.
The Big Lebowski
(2015)
Drei Comic-Frames. Sie entstammen dem Film The Big Lebowski (Ethan und
Joel Coen, USA 1998). Die Cadrage ist eine andere, die Bilderfolge ist
lückenhaft, Farbe, Ton und Bewegung sind verloren gegangen. Darüber
hinaus stehen die Zeichnungen im Kontext einer Auseinandersetzung mit dem
Begriff des Provisorischen, der den (zynischen) Blick auf den Austausch
von Urne und Kaffeedose lenkt. Durch die Bilder zieht sich auf diese
Weise eine Erfahrung von Verschiebung. Ein Sehen von unterschiedlichen
Gegenständen und Medien, die zugleich im Wissen einen gemeinsamen Kontext
bewohnen: „for the wind passes over it, and it is gone, and its place
knows it no more.“ (Psalm 103. 16 (die bildliche Evidenz trügt).)*
Fahrradsattel mit Gaffa-Tape kleben, Regal mit Kabelbinder festzurren,
Garten mit Hochbeeten aus Paletten anlegen, Designermöbel aus
zusammengeschraubten Schichtholzplatten imitieren, Treppengeländer mit
Wäscheschnur bespannen. All diese Praktiken bringen Artefakte hervor, die
eine Ästhetik des Provisorischen eint. Man sieht den Interieurs,
Stadtgärten und Objekten ihr Gemachtsein an und soll es auch. Eine auf
Dauer angelegte Unfertigkeit tragen sie zur Schau, weil Dinge aus der
Infrastruktur unserer Post-Industriekultur umgenutzt werden oder auf
Dauer gestellt ist, was einmal für den schnellen Warenumschlag gedacht
war. Warum ist eine Ästhetik des Provisorischen so verbreitet und
angesagt? Und was unterscheidet den Bastler, den der Ethnologe Claude
Lévi-Strauss beschrieben hat, von dem/der Provisoriker/in von heute?
Kastanienallee 8
(2015)
Die Berliner Künstlerin Katharina Lüdicke ergründet mit ihren Eingriffen
in den Stadtraum die (utopischen) Potenziale provisorischer Architektur.
Im Sommer 2015 fand ihre Aktion „Kastanienallee 8“ statt. Lüdicke hat uns
nicht nur das Video zur Aktion bereitgestellt, sondern auch umfassend auf
unsere Fragen geantwortet.
Bei der Arbeitsecke handelt es sich um keine Ecke im architektonischen
Sinne. Vielmehr hat diese mit Prozessen des Hervorbringens und Handelns
zu tun, mit Blickwinkeln und Wissenskonzepten. Grundlegend ist eine
provisorische Struktur wie auch die Aufmerksamkeit auf jene Momente, in
denen etwas auf die Spur gekommen wird.
Was mag das sein, ein theoretisches Objekt? Und was bedeutet es,
kunsthistorische Gegenstände als theoretische Objekte in Anspruch zu
nehmen? Der Text erläutert den Begriff und skizziert Grundzüge dieses
methodologischen Ansatzes. Dabei wird die Notwendigkeit betont, Kunst und
Theorie in der kunsthistorischen Analyse in einen wechselseitigen Dialog
zu versetzen. Es geht um die Möglichkeit, sich einem Denken (mit) der
Kunst zu nähern.
Julia und die Sonne
(2014)
Julia und die Sonne ist ein poetischer Text; geschrieben für ein
Installationsprojekt, das unter der Regie von Anke Eckardt am 7. Februar
2013 auf der Tagung [Dys]Funktionalität klanglicher Gestaltung: von der
Militärmusik bis zum persönlichen Klingelton an der Humboldt Universität
in Berlin aufgeführt wurde. Er bezieht sich auf die Interaktion einer
solch poetischen Konstruktion und hält die Spannung zwischen Fiktion und
Realität, Funktion und Dysfunktion, zwischen alltäglichen und poetischen
Erlebnissen und besitzt daher einen experimentellen Charakter.
Inwiefern vermag ein Modell unsere Wahrnehmung so zu irritieren, dass wir
sowohl das entsprechende Objekt als auch unsere eigene Wahrnehmung zu
überdenken beginnen? Anhand von Modellen aus der architektonischen und
kinematografischen Praxis wagen die beiden Autorinnen Stefanie Bräuer und
Sarine Waltenspül ein Schreibexperiment: Ausgehend von gemeinsamen Thesen
befragen sie die Modelle nach ihrer aktiven Rolle in Produktions- und
Reflexionsprozessen. Sie leiten ihre Texte mit einer gemeinsam
formulierten Fragestellung ein und gleichen ihre jeweiligen Befunde in
einem zusammen verfassten Schlussteil ab.
Wie kann die Musikpädagogik mit Ethnizität als einer in der
Unterrichtspraxis anzutreffenden Identitätsdimension umgehen? Innerhalb
der Interkulturellen Musikpädagogik besteht gegenwärtig die Tendenz,
Ethnizitätskonstruktionen zur Beschreibung von Jugendlichen und
Jugendmusikkulturen aufgrund ihres essentialisierenden und exkludierenden
Charakters zu nivellieren oder zu vermeiden. Die Analyse einiger
Gruppendiskussionspassagen mit Jugendlichen zu ihrer Rezeption von
arabesk-Musik kann dagegen aufzeigen, dass der Dimension Ethnizität als
Orientierungsrahmen ihrer eigenen musikbezogenen Identitäten eine
zentrale Bedeutung zukommt. Mit Paul Mecherils Migrationspädagogik lässt
sich das Thema Ethnizität im Musikunterricht multiperspektivisch denken.
Akademien – fotografische Aktstudien aus der zweiten Hälfte des 19.
Jahrhunderts – dienten als Künstlervorlage und Lehrmaterial für den
Zeichenunterricht. In der körperlichen Präsentation der Aktkörper im
Atelier sind dabei Wissensstrukturen rekapituliert worden, die bereits
innerhalb der antiken Bildhauerei als kanonisches Wissen begründet worden
sind.
Der Entwurfsprozess als Semiose kann mit der Semiotik oder Zeichenlehre
des Philosophen Charles S. Peirce genauer analysiert werden. Denn dann
lässt sich Intentionalität zur kreativen Entfaltung im Verlauf des
Entwerfens explizieren. Die Intentionalität soll als ästhetische
bezeichnet werden, denn sie erlaubt die Entstehung des Neuen, und ist
damit wichtiger Bestandteil der Entwurfsdynamik.
Die wirtschaftliche Organisationslehre schreibt dem künstlerischen
Verfahren des Improvisierens einen Mehrwert zu, der auch für die
Arbeitswelt nutzbar gemacht werden könnte. Eine Utopie? Wie und wo wird
in den verschiedenen darstellenden Künsten Improvisation praktiziert? Und
was für ein Wissen verbirgt sich dahinter?
Wahrnehmung und Wissen
(2013)
Wie ließe sich Wissen in Abhängigkeit von Wahrnehmung bestimmen, ohne auf
eine Sinn stiftende Instanz zurückgreifen zu müssen, die sich als der
Welt extern beschreiben lassen muss? Bietet die Arbeit Gilbert Ryles
einen Einblick in die Schwierigkeiten, die ein solches Unternehmen birgt,
so erlaubt sie auch, den Ansatz eines Perspektivwechsels zu formulieren:
auf der Grundlage direkten „Zur-Welt-seins“ (Merleau-Ponty) erscheint
Habitualisierung als die spezifische Zeitlichkeit eines Gedächtnisses
(Bergson), das als ein konkret leibliches Wissen gedacht werden kann.
Oftmals wird thermische Behaglichkeit in Gebäuden als eine für den
architektonischen Entwurf nachrangige Eigenschaft betrachtet, da sie mit
zusätzlicher Gebäudetechnik leicht umsetzbar zu sein scheint. Modelle,
welche Zusammenhänge zwischen Klima, Gebäude und Mensch abbilden, können
helfen, Behaglichkeit als Faktor schon während des Entwurfsprozesses zu
stärken und damit primär architektonische Lösungen, also Lösungen mit
möglichst wenig additiver Gebäudetechnik, zu klimatischen Entwurfsfragen
zu ermöglichen. Unterschiedliche Entwurfswerkzeuge, Technologien und
Strategien werden in der Planung von Gebäuden eingesetzt. Unabhängig
davon bleibt die Frage, wie ein Gebäude optimal für das Klima seiner
Umgebung und die erforderliche Nutzung gestaltet werden kann, für die
Umsetzung einer architektonischen Lösung relevant. Modelle zur Bewertung
der zu erwartenden Behaglichkeit innerhalb des Gebäudes ermöglichen
hierfür ein Verständnis über Auswirkungen und somit Sinn und Nutzen
verschiedener Entwurfsvarianten in einem frühen Stadium des Entwerfens.