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In diesem Kontext stellt sich die Frage: Wie kann eine Demontage von Hierarchien in der Filmproduktion aussehen? Welche Chancen und Herausforderungen sind damit verbunden? Anhand der anarchistischen Theorie und der Praxis des Commoning beschäftigt sich die vorliegende Arbeit mit alternativen Ansätzen des Filmemachens. Dabei steht die kritische Reflexion über herkömmliche Strukturen im Fokus, ebenso wie Beispiele kollektiven Arbeitens, die neue Räume für kollektive Kreativität schaffen können.
Montage und Poesie
(2023)
Ich möchte meine Bachelorarbeit der Beziehung von Schrift und Film widmen, denn es ist ein Thema, das mich schon immer sehr interessiert hat. Und damit meine ich nicht das Schreiben über Filme a posteriori, sei es in Form von Filmkritik oder Filmtheorie, und auch nicht das Schreiben von Drehbüchern, also dem schriftlichen Embryo eines Films. Mir geht es vielmehr um das Verhältnis zwischen jeweils der Schrift und dem Film als eigenen Kunstformen. Grob gesagt:Um das Verhältnis zwischen Literatur und Kino.
In Gesprächen von Filmschaffenden sind Begriffe wie ‚poetischer Film‘ und ‚poetische Bildgestaltung‘ oft zu hören – vor allem wenn es um die Filme des Regisseurs Andrej Tarkowski geht. Aber was genau ist eigentlich ein poetischer Film? Gibt es bestimmte Gestaltungsweisen, die poetische Filme benutzen? Was ist poetische Bildgestaltung und wie funktioniert sie? Die vorliegende Arbeit taucht mit diesen Fragen in die Filme und die Gedanken zum Filmemachen von Regisseur Andrej Tarkowski ein und versucht dabei die zentrale Frage zu beantworten: Schaffen es besonders Filme mit poetischer Bildgestaltung, bleibende Bilder zu erzeugen? Und wenn ja, wie?
Stop Motion Games Wie handgemachte Puppen und Sets in Computerspielen eingesetzt werden können
(2023)
Viele Computerspiele nutzen in der Gestaltung entweder 2D-Grafiken oder 3Dgerenderte Umgebungen und Figuren. Es gibt jedoch einige wenige Spiele, die das Aussehen eines Stop-Motion-Films haben. Die Arbeit mit dieser Technik unterscheidet sich von der Arbeit mit digitaler 2D- und 3D-Animation dadurch, dass physische Materialien verwendet werden und echte Puppen, Sets und Licht eingesetzt werden. Welche Arbeitsschritte sind für die Umsetzung eines Stop-Motion-Spiels nötig? Im Rahmen dieser Arbeit wurde ein Spielprototyp erstellt, um diese Frage zu beantworten. Zwei verschiedene Arten, die Figur zu animieren, wurden praktisch umgesetzt. Der erste Ansatz nutzt echte Stop-Motion-Animation. Der zweite Ansatz basiert auf 3D-Scans von Stop-Motion-Figuren. Außerdem spielen die Herangehensweise für die Erstellung von 3D-Hintergründen sowie die Einbettung der Stop-Motion-Animationen in ein 3DSpiel in dieser Arbeit eine Rolle.
... Angst und Unsicherheit sind auch ein großer Bestandteil der künstlerisch-schöpferischen Arbeit und begleiten die Künster*innen im gesamten Prozess. Für mich als Filmregisseur sind Ängste und Unsicherheiten im Filmemachen ein sehr persönliches und sensibles Thema, womit ich mich oft beschäftige. Da sich Viele mit dem Thema Angst und Unsicherheit im Filmemachen identifizieren können, habe ich beschlossen diesem Thema meine Bachelor Arbeit zu widmen...
In dieser Bachelorarbeit untersuche ich die Rolle des Zufalls in Hinblick auf meinen Abschlussfilm. Ich argumentiere für seine Rolle als kreativen Impuls. Mittels Filmen der handgemachten Animation der Künstler/innen Len Lye, Schmelzdahin, Man Ray und Caroline Leaf analysiere ich zudem den Aspekt der materialbedingten Unvorhersehbarkeit und Innovation.
Die Bachelorarbeit „Violence Sells?“ beschäftigt sich mit der Frage, ob die öffentlich rechtlichen Fernsehsender in ihrem Ringen um Reformen, Selbstverständnis und zu weilen auch Legitimation, ihren eigentlichen Auftrag, einen wesentlichen Beitrag zu einem demokratischen, gesellschaftlichen Diskurs und Zusammenhalt zu leisten, zu Gunsten der Wettbewerbsfähigkeit vernachlässigen und diesem in der häufig gewaltgeprägten Gestaltung ihrer fiktionalen Programme möglicher Weise sogar zuwider handeln. Ziel der Betrachtung dieses Spannungsfeldes zwischen gewaltgeprägter Programmgestaltung, der erklärten gesellschaftlichen Verantwortung und der vielfach diskutierten Neuausrichtung und -strukturierung der Sender ist, die große und besondere Relevanz der öffentlich rechtlichen Fernsehsender heraus zu arbeiten und ihr Potenzial, vor allem aber auch ihre gesamtgesellschaftliche Verantwortung zu definieren. Diese soll im Kontext der Reformdebatte fruchtbar gemacht werden. Neben der Analyse der genannten Debatte soll die spezifische Betrachtung der Darstellung von geschlechtsspezifischer und sexualisierter Gewalt als Brennglas dienen, um die Dynamiken und die gesellschaftlichen Dimensionen von Fernsehunterhaltung nachzuvollziehen.
Ist es als Mensch möglich einen Blick auf Tiere zu entwickeln, der über Anthropomorphismen hinaus reicht? Kann ich auf Tiere blicken ohne dies als Mensch zu tun? Wie kann dieser Blick aussehen? Diesen Fragen geht die Arbeit TIERPERSPEKTIVEN anhand von exemplarischen filmischen Arbeiten und Beispielen aus der Philosophie nach. Es ist der Versuch menschlicher Projektion und Wertzuschreibung auf Tiere etwas entgegen-zusetzen. Und am Versuch nicht zu anthropomorphisieren immer wieder daran zu scheitern. Davon wie es sich anfühlen mag eine Fledermaus oder eine Ziege zu sein.
In der Bachelorarbeit mit der Themenfrage Menschlich sein und tierisch werden – Darstellung und Bedeutung der Verwandlung in David Cronenbergs „The Fly“ (1986) wird auf Grundlage filmwissenschaftlicher, philosophischer, journalistischer und filmischer Quellen die Metamorphose eines Menschen hin zur überlebensgroßen Fliege untersucht. Die theoretische Auseinandersetzung wird in Relation zum Film gesetzt. Dabei stehen die Ich-Bildung des Protagonisten und seine Libido im Fokus. Theorien Jacques Lacans dienen als zentrale Basis; der Schwerpunkt liegt auf dem Lacanschen „Spiegelstadium“ und seinem Verständnis vom „Phallus“. „The Fly“ wird mit dem modernen Ursprung des Narrativs aus Franz Kafkas „Die Verwandlung“ (1915) verglichen. Des Weiteren soll die Perspektive der zeitgenössischen Filmkritik und die Analyse eines Trailers und zweier Poster eine umfassende und adäquate Einordnung des Filmes gewährleisten. Neben den Schlussfolgerungen wird auch ein Ausblick auf weitere anschließende Fragestellungen eröffnet.
Diese Bachelorarbeit beschäftigt sich mit dem Wechselspiel zwischen den Kinos in deutschen Kleinstädten und ihrem Publikum. Was zeichnet Kleinstadt-Kinos gegenüber großen Multiplex-Kinos in deutschen Großstädten aus und was macht die Beziehung besonders? Darüber hinaus wird erforscht, welche kulturelle Sonderrolle Kinos im ländlichen Raum neben dem Vorführen von Filmen hinaus erfüllen. Ein besonderes Augenmerkt wird auf die Interaktion mit dem Kinonachwuchs in Form von Kindern unter 12 Jahren gelegt
Ich freue mich, die Bachelorarbeit nutzen zu können, um der Frage nach der Aufgabe von Schauspieler*innen bei der Entstehung und im Endprodukt Videospiel auf den Grund zu gehen. Die folgenden Fragen legten den Grundstein für meine Hauptfragestellung: - Welche konkreten Arbeitsfelder gibt es? Wie sehen diese aus? - Was unterscheidet die schauspielerische Arbeit an Videospielen von anderen Arbeitsfeldern? - Hat die Branche (in Deutschland) eine Zukunft? Wie kann ich als Schauspieler*in den Weg in dieses Arbeitsfeld einschlagen?
Das Ziel der Arbeit ist Erkenntnisse über die Filmfinanzierung zu schaffen und darüber, welche damit verbundenen Schwierigkeiten es für Nachwuchsproduzent*innen gibt. Welche Probleme ergeben sich für Produzent*innen, welche noch keinen Langfilm produzieren konnten und dadurch natürlich auch noch keine Referenzen für Föderinstitutionen, sowie TV-Sender haben und was müsste sich ggf. ändern, um Nachwuchsproduzent*innen einen Einstieg in die Branche zu erleichtern.
Wie schafft es der Film "Porträt einer jungen Frau in Flammen" (2019) von Céline Sciamma, seine Zuschauenden emotional zu berühren? Eine Antwort auf diese Frage möchte die vorliegende Bachelorarbeit geben.
Es wird davon ausgegangen, dass insbesondere Filme mit einem gut ausgearbeiteten Thema, also mit einem klaren emotionalen Fokus, die Zuschauenden berühren. In einigen Filmen gelingt es, dass dieses Thema – oft auch mehrere Themen, die sich gut in Gegensatzpaaren darstellen lassen (z.B. Liebe vs. Hass) – nicht nur in der expliziten Dramaturgie (Handlungsgeschehen, Dialog, etc.) erzählt wird, sondern auch die implizite Dramaturgie (z.B. die Mise-en-scène) durchdringt.
Um herauszufinden, ob „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ zu diesen Filmen gehört, werden zunächst drei Themenpaare, die im Film verhandelt werden, aus der expliziten Dramaturgie abgeleitet. Im folgenden Hauptteil der Arbeit erfolgt zunächst ein Einstieg in die implizite Dramaturgie anhand einer Beispielszene. Anschließend wird analysiert, inwieweit die abgeleiteten Themenpaare auch in der impliziten Dramaturgie des Filmes herausgearbeitet und sichtbar werden.
Die Arbeit zeigt, dass Céline Sciamma ihr Werk „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ sowohl auf der Ebene der expliziten Dramaturgie als auch auf der Ebene der impliziten Dramaturgie thematisch völlig durchdrungen hat. Entstanden ist ein Film, der alle ihm verfügbaren dramaturgischen und filmästhetischen Gestaltungsmittel nutzt, um den emotionalen Fokus der Geschichte sichtbar und fühlbar zu machen. Entstanden ist ein Film, der berührt.
Die folgende Arbeit nimmt den zweiten Satz der siebten Sinfonie L.V. Beethovens und spricht über seine Anwendung als Hintergrundmusik für Filme. Durch Hinsicht über die Grundlagen sowohl der siebten Sinfonie und des II Satzes als auch der Geschichte der Filme und der betrachteten Szene sind die Filme durch ihren verschiedenen Nutzungsansätzen miteinander verglichen, separat analysiert und bewertet.
Diese Arbeit beschäftigt sich mit der Vielseitigkeit von Plansequenzen und deren Wirkung im narrativen Kontext. Der Einsatz der Panorama Kamera (veralteterer Begriff für Plansequenz) geht weit in die Geschichte des Films zurück und ist bis heute im internationalen Kino sehr verbreitet. Einige Filme zeichnen sich allein durch die Verwendung von langen Einstellungen aus. Das Thema ist dementsprechend umfangreich, weshalb der Fokus dieser Arbeit auf dem ungarischen Kino liegt. Dort hat die Plansequenz eine lange Tradition und charakterisiert Filme einiger wichtiger ungarischer FilmemacherInnen.
...Dabei interessieren mich Fragestellungen wie: Welche Zugewinne erlebt die Geschichte durch die Transformation in ein anderes Medium? Wie entwickeln und passen sich die schauspielerische Arbeit sowie die verwendeten Mittel an? Welche Wirkung rufen sie hervor? Ebenso lohnt es sich zu beleuchten, welche theatralen Mittel sich im Film wiederfinden lassen, wobei zu klären ist, ob es sich dabei um rudimentäre Reste handelt, welche der Serie auf einer künstlerischen Ebene eher Schaden zufügen oder ihr charakteristische Merkmale verleihen...
ie vorliegende Arbeit beschäftigt sich mit der Verwendung von kognitiver Dissonanz als tongestalterisches Mittel im Film. Es werden Theorien zur kognitiven Dissonanz sowie der aktuelle Forschungsstand zum Thema in der Sozialpsychologie, der Neurowissenschaft und der audiovisuellen Wahrnehmung beschrieben. Darüber hinaus stellt die Arbeit Dissonanz erzeugende Tongestaltungsmittel vor, zu denen „Räumliche Dissonanz“, „Aktive Off-Screen-Erzählung“, „Souveräne Klangobjekte“ und „Unidentifizierbare Klangobjekte“ gehören. Filmausschnitte aus den Filmen „Un condamné à mort s’est échappé“, „Mouchette“ und „L’Argent“ des französischen Regisseurs Robert Bresson dienten dabei der exemplarischen Untersuchung auf diese Tongestaltungsmittel und wurden sowohl qualitativ nach der praxisorientierten Filmanalyse als auch quantitativ untersucht. Das Resultat dieser Arbeit bestätigt, dass kognitive Dissonanz als tongestalterisches Mittel im Werk von Robert Bresson durchaus Verwendung findet. Außerdem zeigt die Auswertung der Analysen, warum kognitive Dissonanz von wesentlicher Relevanz ist, um Rezipierende in den Film zu involvieren und die Imagination anzuregen, weshalb sie als tongestalterisches Mittel zunehmend in Filmen eingesetzt wird.
Im Rahmen der vorliegenden Bachelorarbeit wird untersucht, inwiefern der dänische Regisseur, Nicolas Winding Refn, sich stilistisch dem Filmstil des Neonrealismus’ genähert hat. Ziel dieser Arbeit ist es, anhand der drei Filmbeispiele Pusher I (1996), Drive (2011)
und The Neon Demon (2016), die Entwicklung von Winding Refn zu analysieren und auf eine persönliche Handschrift zu untersuchen. In diesem Zusammenhang ist das Wissen über spezifische Filmstile und deren elementaren Merkmale von Bedeutung, um Nicolas Winding Refn einordnen zu können. Nach einer ausführlichen Literaturrecherche und einer detaillierten Szenenanalyse der jeweiligen Filme, konnten wichtige Erkenntnisse erworben werden. Mit diesem Knowhow wurden essentielle Elemente genauer betrachtet, die Nicolas Winding Refns Oeuvre prägen: Gewalt und Exzess, Visualität und Genre. Es wird zuletzt Refns Festivalhistorie und Filmerfolge analysiert, um so auch die Entwicklung seines Publikums zu erfassen. Es hat sich gezeigt, dass Nicolas Winding Refn einen eignen, prägnanten und individuellen Filmstil entwickelt hat, der einzigartig ist. Filmwissenschaftler, Martin Schlesinger, definierte Refns Stil neu und bezeichnet diesen als Neonrealismus.