DFG-Graduiertenkolleg 1759 der Universität der Künste Berlin "Das Wissen der Künste"
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In dem Text werden Studienfotografien des armenisch-stämmigen Johannes Krikorian und des arabisch-stämmigen Khalil Raad als Beispiele früher palästinensischer Bildnisfotografie diskutiert. Im Zentrum steht die Frage nach der Bedeutung von Wissen, Vorwissen und Nichtwissen für die Lesbarkeit von Bildern. Dies betrifft das Fehlen nahöstlicher Fotografie im fotografischen Diskurs, insbesondere aber die ambige Semantik von Krikorians und Raads fotografischen Inszenierungen, die divergente Bildlektüren hervorruft.
Der Einleitungstext des Sammelbandes stellt verschiedene Positionen in der Bestimmung des Verhältnisses von Sehen und Wissen vor, wobei der Frage nach der Rolle der Medien zentrale Bedeutung zukommt. Die Autor_innen erläutern, warum den Medien Fotografie und Film ein besonderes Potenzial der Erkenntnisgewinnung zugeschrieben wird und sich folglich im Sammelband die Untersuchungen auf diese beiden Medien konzentrieren. Der Band verfolgt die Hypothese, dass insbesondere die Zonen der Ungewissheit im Verhältnis von Sehen und Wissen produktiv sind, die die Autor_innen nicht als Grenzen (in der Breite des Bedeutungsspektrums) verstanden wissen wollen, sondern als Ränder im Sinne von beweglichen Zonen oder unsauberen Zwischenzuständen.
Ausgehend von Blaise Pascals berühmter Wette auf die Existenz Gottes und die revolutionstheoretische Bezugnahme auf diese Denkfigur entwickelt der Text ein Verständnis der Revolution, das die Reflexion über diese primär als ein Beschreiben von Zeit- und Bewegungsfiguren versteht. Auf Grundlage dieser Prämissen wird dann in einem nächsten Schritt die Revolutionsinszenierung des Films V FOR VENDETTA (James McTeigue, 2005) auf seine Zeit- und Bewegungsfigurationen hin analysiert und die damit einhergehende affektive Wirkung beschrieben. Die zentrale These ist dabei, dass der Film in der Inszenierung des Übergangs zwischen zwei Gesellschaften ein utopisches Potenzial freisetzt und somit die Parameter einer revolutionären Wette zu beeinflussen sucht.
Im Gespräch erläutert die Theatermacherin und Aktivistin Simone Dede Ayivi ihre Theaterpraxis, die ihre eigene Position als Schwarze Frau zum Ausgangspunkt nimmt, um Mechanismen des Theaters, Fragen Schwarzer (Selbst-)Repräsentation oder Rassismuserfahrungen zu thematisieren. Ayivi beschreibt, wie sich ihre Arbeitsweise im Lauf der Zeit verändert hat, ebenso wie die Zusammensetzung des Publikums, deren Wissen und Erwartungshaltungen. Wer mit welchem Wissen in welcher Position adressiert wird und agiert, ist ein zentrales Thema des Gesprächs. Außerdem wird darauf eingegangen, auf welche Weise Ayivi mit Jugendlichen der akademie der autodidakten zusammenarbeitet und in welcher Position sie sich dabei befindet.
Der Beitrag knüpft bei neueren bildtheoretischen und ästhetischen Erkenntnissen zum Verhältnis von Sehen und Wissen an, um einige Aspekte der Neubefragung desselben im Feld der jüngeren Kunst(geschichte) zu rekapitulieren. Gegenstand der Überlegungen ist die postkonzeptuelle Kunst mit Fotografie, in der sich die Diskurse um das Bildwissen und Fragen der Un/Sichtbarkeit begegnen. Diskutiert werden insbesondere die Fotoprojekte von Christopher Williams, da sie exemplarisch zeigen, wie modernistische Paradigmen des Sehens und des Wissens – etwa die Ideen der Medienspezifik und der Optikalität – überwunden und zugleich als überwundene ausgestellt werden. Gerade weil die Fotografie als Medium scheinbar auf Sichtbarkeit verpflichtet ist, vermag die gesteigerte Sichtbarkeit bei Williams zu irritieren und auf Un/Sichtbarkeitsstrukturen aufmerksam zu machen. Dabei verläuft zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit keine Grenze; vielmehr eröffnet sich dort das Feld peripherer Visionen.
Wie lässt sich die Komplementarität von wissenschaftlichem und künstlerischem Wissen verstehen? Draxler nähert sich dieser Ausgangsfrage über den Umweg der Problematisierung neuerer Positionen zu Materialismus, Realismus oder auch Animismus. Er unterscheidet zwei zueinander konträre Ansichten. Die eine Seite nennt er die Position der Beziehungstheorien, die wie der Neue Materialismus die „Großen Trennungen“ der Moderne – wie etwa die Aufteilungen in Subjekt und Objekt, Natur und Kultur – hinterfragt und zu überwinden sucht. Diesen neuen Beziehungstheorien stellt Draxler die so genannten Trennungstheorien gegenüber, die er im Umfeld des Spekulativen Realismus findet. Für diese Positionen ist entscheidend, dass sie die Relationalität des Wissens – als Korrelationismus – kritisieren. Folgt man den Trennungstheoretiker_innen sind wir noch nicht modern genug. Die Welt dürfe gerade nicht relationiert werden, wenn man sie zu fassen sucht. Draxler argumentiert für eine von beiden Theoriesträngen übergangene „Situation der Spaltung“, die weder in ihrer Vernetzung aufgehoben noch in einer spekulativen Trennung der Relata überwunden werden kann. Diese Situation der Spaltung trifft nun auch auf das Verhältnis von Kunst und Wissenschaft zu. Nur vor dem Hintergrund einer fortwährenden Spaltung könne das spezifische Wissen der Kunst angemessen gefasst werden.
Der einleitende Texte gibt einen Überblick über aktuelle theoretische Tendenzen, Materialität zu erforschen. Dabei stehen besonders solche Ansätze im Mittelpunkt, die das Verhältnis zur Kunst, vor allem in ihren jeweiligen Produktionskontexten, ästhetisch-gestalterischen Prozessen und Praktiken sowie ihren Wissenspotenzialen verhandeln. Materialität wird in der Folge als epistemischer Operator vorgeschlagen, dessen verschiedenartige Wirkungsweisen im Feld der Künste es im Rahmen des Sammelbandes interdisziplinär zu diskutieren gilt. Abschließend folgt eine überblickende Zusammenfassung der einzelnen Beiträge.
Im Deutschen Literaturarchiv Marbach (DLA) steht der selbstgebaute Analogsynthesizer des Medienwissenschaftlers Friedrich Kittler. Seine Forschungsmethode nannte Kittler informationstheoretischer Materialismus, Mediengeschichte als Seinsgeschichte, Medienontologie. Von 2012 bis 2015 haben Sebastian Döring und Jan-Peter E. R. Sonntag den Analogsynthesizer mehrfach gemeinsam mit Elektronikingenieuren, Informatikern, Medientheoretikern und Vertrauten Kittlers untersucht. Dies geschah im Rahmen des conceptual art projects apparatus operandi1::Anatomie//Der Synthesizer des Friedrich A. Kittler. Das erklärte Ziel von apparatus operandi bestand darin, die ‚Schaltpläne‘ von Medientheorie und Kulturtechnikforschung aus den einzelnen Modulen des Synthesizers aufzuweisen. Seit 2013 sind Döring und Sonntag Herausgeber für die Schaltungsnotationen aus dem Nachlass. Derzeit entstehen Schaltungssimulationen für die long-term sustainability Plattform Data Futures am Institute for Modern and Contemporary Culture der University of Westminster, London.
Das Materialismus-Apriori - Vom Wissen des Materials in Alain Resnais´ "Toute la mémoire du monde"
(2018)
Der Beitrag nimmt seinen Ausgang von einem filmischen Essay Alain Resnais’ über die Bibliothèque Nationale de France. Dabei zeigt der Film Toute la mémoire du monde, den Resnais 1956 mit seinem Assistenten Chris Marker drehte, die Bibliothek nicht nur als Bewahrerin von Wissen, sondern vor allem als deren Produzentin und Medium: als epistemische Wunderkammer. Während der postsurrealistische Film in der Materialität eines Wissens schwelgt, macht der Beitrag darauf aufmerksam, dass Wissen in dieser Inszenierung nicht nur verwahrt, sondern auch produziert wird – dass die Materialität des Wissens hier eine eigene Stimme und agency erhält, die Einspruch gegen einen immateriell und geistig verfassten Begriff des Wissens erhebt. Mit den Kellern und Depots, den Lagern und Werkstätten der Bibliothek wird nicht nur eine »Heterotopie der Zeit« (Foucault) ins Bild gesetzt, der Film betreibt selbst eine dead media archaeology, die die Schätze der Bibliothek nicht als abgeschlossene Einheiten des Wissens zeigt, sondern als gemachte und produzierte.
Die bildende Künstlerin Katja Eydel analysiert in ihrer hier vorgestellten Arbeit Bildpraktiken von Kunstinstitutionen, die diese für digitale Vertriebswege (newsletter, online-Archive etc.) einsetzen. Aus ihrer Sammlung digital zirkulierender Bilder destillierte Eydel dominante Motive und sich wiederholende Bildstrukturen heraus. Insbesondere die Fokussierung auf Personen und die damit einhergehende Häufung klassischer Porträts und szenischer Abbildungen von Personengruppen bearbeitet die Künstlerin in ihrer Rauminstallation. Durch Ausschnitte, Vergrößerungen und Freistellungen der digitalen Bilder legt sie die verwendeten Bildformeln frei und zeigt die Diskrepanzen zwischen dem oftmals kritisch-subversiven Selbstverständnis der Kunstinstitutionen und den mit hegemonialen Bildstrategien operierenden Inszenierungen.
Ausgehend von der Beschreibung des Paradigmas der Sichtbarkeit für Fotografien werden in diesem Text bildimmanente Zwischenbereiche zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit untersucht, wobei diese bewusst als Ränder sowie Möglichkeitsräume und nicht als Grenzen oder Rahmungen aufgefasst werden. Anhand von Analysen vier konkreter Fotografien werden unterschiedliche Aspekte und Potenziale dieser Randphänomene diskutiert.
Lilian Haberer untersucht hier ausgehend von Henri Levèbres Raumtheorie der 1970er Jahre exemplarisch anhand des Filmes Letters to Max (2014) von Eric Baudelaire filmische und künstlerische Repräsentationsformen geografischer Ränder. Dabei geht sie der Frage nach, wie sich die Vorstellung eines Staates durch Wahrnehmung und (historisches) Wissen konstituiert und rückt die Verflechtung fiktionaler und politischer Handlungsformen in den Blick.
Ausgehend von einem Bericht aus dem 18. Jahrhundert über indigene Heilverfahren der Chiquitos fragt der Beitrag nach einer adäquaten Haltung gegenüber zunächst fremden Wissenspraktiken, ohne in eine koloniale Geste zu verfallen, und weiter: Welche narrativen Strategien und Tricks gilt es zu kultivieren, um Praktiken, die innerhalb einer modernen Epistemologie keinen Platz haben, zu beschreiben, ohne sie zu disqualifizieren? Bruno Latours Akteur-Netzwerk-Theorie, Donna Haraways Plädoyer für partiale Perspektiven und Isabelle Stengers’ Ökologie der Praktiken bieten Anknüpfungspunkte, um gegen die Trennung von Natur und Kultur in der Geschichte der Moderne zu argumentieren. Vor diesem Hintergrund könne begonnen werden, dekoloniale Gegenerzählungen ernst zu nehmen und das moderne Paradigma zu »zermürben«.
This essay engages with an idea that has been sidelined in both anthropology and art, as well as the anthropology of art: beauty. In dialogue with the work of sculptor Douglas White and Gregory Bateson’s anthropological notion of grace in art, I develop a speculative account that tries to find a way past a beauty petrified within aesthetic discourse to bring out the life beauty still has within the everyday as the ability of something, someone, to stop us in our tracks; a small tear in the fabric of ordinary life. I draw on fieldwork and conversations with Douglas White, a London-based artist with whom I worked as an assistant for six months during my current research. In particular, this essay follows the making one work of art, Counsel exhibited in 2007.
The story of Counsel falls in two parts; the first tells of Douglas White’s encounter with a pair of burnt-out recycling bins on the streets of South London and the effort he made to acquire them, to bring them into his studio and practice. My interest is in understanding this sense of value in terms of White’s practice, in its perceptual, embodied and epistemological dimensions, in dialogue with the work of the anthropologist Gregory Bateson. The second half follows these bins journey to the ‘white cube’ of the gallery (O’Doherty 1999) and their domestication within a stable discursive frame that makes good sense of these objects as art. Beauty, in this context of exchange, is what escapes this domestication within interpretative discourse of contemporary art world.
The making of ‘Counsel’ as a work of art implicates Doug’s skill as an artist; in the developed, intuitive, perceptual ability to shape and play with the qualities of form within the social expectation and value creation system of the art world (and his own position within it). The framing of the encounter by the conventions of the gallery – its architecture and the attitude of the gallery-goer – are integral to constructing these bins as a work of art; as objects to puzzled over and made sense of within the tradition of art. In the critical terms, my account runs the danger of ‘fetishizing’ the object of art, the focus on its ‘beauty’ occluding its conditions of possibility within the social and institutional framing of contemporary art in London. Nevertheless, the concern in this essay is with a certain irreducible remainder to this sociological analysis, a certain force of a thing (whether labelled a work of art or not) – what I hesitantly call its beauty - that cannot be fully explicated within either the logic of interpretation that characterises the art world or the over-arching social structures that determine taste. It is a force that resists these bins’ interpretation (and commodification) as art, which, paradoxically, makes them work as objects of art.
Der Beitrag beschäftigt sich mit der Frage, wie Wissen auf dem Feld der Gegenwartskunst, insbesondere der site specific art, verhandelt wird: Inwiefern wirkt Kunst als nicht nur soziale und ästhetische, sondern auch epistemische Institution daran mit, wie Wissen geopolitisch und geoökonomisch verteilt und kontrolliert wird? Angesichts der Präsenz indigener und dekolonialer Kunst auf den letzten Großausstellungen plädiert der Beitrag für eine Kunstgeschichte des Wissens, die eine Rekonstruktion der feministischen und postkolonialen Standortepistemologien, der Kritik epistemischer Gewalt bis hin zu Theorien indigenen Wissens unternimmt. Anhand von ortsspezifischen Arbeiten von Natascha Sadr Haghighian (documenta 13) und der Apatride-Gesellschaft (documenta 14) wird deutlich, wie künstlerische Praxis eine Komplizierung des Wissbaren an einem konkreten Ort leisten kann sowie die eigene Positioniertheit als Künstler_in zu befragen vermag.
Während es für visuelle Künste zahlreiche Konzepte gibt, das Studio beschreibbar zu machen, lassen sich diese nicht einfach auf das Akustische übertragen. Das Tonstudio und seine Techniken bewegen sich in einem Spannungsfeld kontinuierlich verändernder Praktiken des Hörens, Musizierens und Wahrnehmens, die nur als dialektisches Verhältnis beschreibbar werden. Ausgehend von theoretischen Ansätzen aus u.a. den STS zum (künstlerischen) Laboratorium, denen zur Medienarchäologie oder auch zur Kulturtechnikforschung stellt der Beitrag in neun Paragraphen und drei Beispielen Ansätze zur Diskussion, die Geschichte des Tonstudios zu erforschen.
Im Bereich des architektonischen Entwerfens kam Materialien bzw. Artefakten im 20. Jahrhundert eine besonders gewichtige Rolle zu. Anhand zweier konkreter Beispiele wird im Beitrag gezeigt, auf welche Weise speziell das Modell als Artefakt sowie das Modellieren als Praxis entsprechende Entwurfsprozesse prägte. Das Entwerfen am und mit dem Modell vereinte dabei zwei epistemische Potentiale, die, so die These, in diesem produktiven Zusammenspiel nur dem Umgang mit dem Materiellen zukommen: einerseits das des Forschens, andererseits das des Spiels.
Das Essay argumentiert, dass Donna Haraways Verhandlung des Objektivitätsproblems einen Weg aus der Sackgasse gegenwärtiger Methodendebatten bietet. In Primate Vision (1989) skizziert Haraway, was sie als Verführungen durch den poststrukturalistischen Skeptizismus einerseits und den wissenschaftlichen Positivismus’ andererseits bezeichnet. Sich diesen Verführungen entziehend tritt Haraway für eine feministische Epistemologie ein. Diese stellt die selbstverständliche Annahme einer naturgegebenen Realität infrage, zielt aber zugleich darauf ab, positives Wissen über die Welt zu erzeugen. Mit dieser feministischen Version von Objektivität schlägt Haraway vor, dass Sorge und Kritik sich nicht wechselseitig ausschließen und dass die Beschreibung der Welt nicht als Befürwortung des Status quo verstanden werden sollte.
In dem Text Parallele Wissensproduktionen.Statement zu einem möglichen Kulturschaffen spricht die Autorin Yvette Mutumba über ihre Praxis als Kunsthistorikerin, Kuratorin und Chefredakteurin, mit welcher sie versucht Methoden anzuwenden, die marginalisierte und zugleich komplexe (Kunst-)Geschichten in einer zugänglichen Weise bearbeiten und vermitteln. Ziel ist hierbei, parallele Narrationen innerhalb eines kulturellen Diskurses und Kunstkanons zu schaffen. Mutumba erläutert dies im Text anhand von ausgewählten Beispielen: die drei Ausstellungen „Ware und Wissen – or the stories you woulnd’t tell a stranger“, „El Hadji Sy: Painting, Performance, Politics“ und „A Labour of Love“, die as Kustodin am Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main ko-kuratierte.
Im Beitrag geht es um die Ausstellung „Electric Ladyland“ von Michaela Melián, die 2016 im Kunstbau des Lenbachhauses in München zu sehen war. Melián beschreibt anhand der Ausstellung ihre Art und Weise als Künstlerin und Musikerin aus einer feministischen Perspektive heraus mit verschiedenen Medien und räumlichen Gegebenheiten zu arbeiten.
„Electric Ladyland“ bearbeitet Offenbachs Oper Hoffmanns Erzählungen bzw. die ihr zugrunde liegende Novelle Der Sandmann von E.T.A. Hoffmann mit Fokus auf die Hauptfigur, die künstliche Kreatur, Olimpia.
In einer Installation aus Klängen, Bildern, Objekten und Lichtstimmungen wird das Verhältnis von Körper und Technik in Hinblick auf seine Geschichte und verschiedenen Diskurse reflektiert. Die Ausstellung eröffnet einen Denk- und Produktionsraum, in dem sich Geschlecht, Körper Begehren und technische Geräte verschränken.
Der zweiteilige Text besteht aus einem Statement von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung zu Konzeption und Arbeit des von ihm mitbegründeten Projektraum SAVVY Contemporary: The Laboratory of Form-Ideas und einem Gespräch zwischen ihm und Barbara Gronau über Strategien des epistemischen Ungehorsams. Das Statement ist die ins Deutsche übertragene Version des Vortrags von Bonaventure Ndikung auf der Tagung Wessen Wissen? (Universität der Künste Berlin, Juli 2016). Es erläutert das Selbstverständnis, Ansatzpunkte und Ziele der Arbeit im Projektraum. Dessen thematische Schwerpunkte sind transdisziplinäre künstlerische Ansätze, welche einen Dialog zwischen der »westlichen« und »nicht-westlichen« Kunstproduktion befördern. SAVVY etablierte sich in der Berliner Kunstlandschaft durch seine vielfältigen Veranstaltungsformate und sein dezidiert post- koloniales Programm, das für Berlin eine Neuheit darstellte.
In Ihren Text beschreibt Nobrega das postmigrantische Theater als Bewegung und Institution, die eine erfolgreiche institutionelle Etablierung neuer ästhetischer, narrativer und kulturpolitischer Werkzeuge signalisiert. Trotz zunehmender Diversity Arbeit, die eine Sichtbarmachung von Künstler_innen of colour und den Beginn der Institutionalisierung eines urbanen Kosmopolitismus fördern, dominieren nach wie vor prekäre, rassifizierte Arbeits-bedingungen, ein Mangeln an Ressourcen sowie der Zugang von Künstler_innen of color zu der institutionellen Hochkultur.
Nobregas genealogische und zeitgenössische Untersuchung der Beziehung zwischen Wissensproduktion und Machtpraktiken zeigt Defizite an Verfahrenspolitiken und Richtlinien für die Umsetzung kultureller Vielfalt in den Kunst- und Kulturinstitutionen wie auch in den Kunsthochschulen als Arbeits- und Ausbildungsorte.
Das Phänomen der „peripheren Vision“ wird in diesem Beitrag an einer konkreten filmischen Operation untersucht: Im Zentrum steht der horizontalen Kameraschwenk, der die Umgebung gleichmäßig abtastet und darin eine Kreisbewegung beschreibt. Im Wechsel zwischen theoretischen Beobachtungen und kurzen Analysen markanter Kameraschwenks in Filmen von James Benning, David Wark Griffith, Samuel Fuller und Danièle Huillet/Jean-Marie Straub wird der Schwenk (engl. „pan“, frz. „panoramique“) auf seine medialen, technikgeschichtlichen und blicktheoretischen Voraussetzungen in einem vielschichtigen Feld von Panopticon, Zeugenschaft und Kolonialismus befragt.
Der Aufsatz untersucht Bilder, die in den Protesten in Kairo im Jahr 2011 entstanden sind und in den Social Media kursierten. Es zeigt sich, dass die Möglichkeiten der Bildverarbeitung, der Kommentierung und der Zirkulation an dem, was bezeugt wird, und an der Herstellung von Gewissheit entscheidenden Anteil haben. Zeugenschaft ist in einen Raum der Verhandlung und der Relationen verschoben, innerhalb dessen Glaubwürdigkeit entsteht, die jedoch immer bestreitbar bleibt.
Die Krise der Repräsentation terroristischer Bedrohung äußert sich in den Filmen Zero Dark Thirty (R: Kathryn Bigelow, USA 2012) und United 93 (R: Paul Greengrass, F/USA/UK 2006) über diverse (Un-)Sichtbarkeiten. Was sich auf bildlicher Ebene durch Apparaturen und Räume visueller Kontrolle entzieht – und das ist die visuelle Kontrolle selbst – wird erst kraft des imaginären Potentials dessen, was die Zuschauenden durch akustische Kanäle erreicht, evident. In ihren affektiven Dimensionen stellen beide Filme so den Randbereich des Sicht- und Hörbaren heraus und lassen das Zuschauen zu einer sinnlichen Erfahrung des zeitgleichen Wissens und Unwissens werden. Dies ist es, was das zeitgenössische Krisenkino maßgeblich ausmacht: eine Komposition aus multipler Bildschirmästhetik und Polyphonie, die Körper und leibliche Erfahrung im Zentrum ihrer raumzeitlichen Matrix positioniert.
Ausgangspunkt des Gesprächs mit dem Dokumentarfilmer Philip Scheffner sind dessen Projekte Revision (2012) und And-Ek Ghes … (2016). Während der erste Film die Umstände der Erschießung von zwei rumänischen Migranten bei einem nächtlichen illegalen Übertritt der deutsch-polnischen Grenze im Jahr 1992 rekonstruiert, gibt der zweite Film dem Sohn eines des Getöteten, der 2016 nach Deutschland übersiedelt, die Kamera in die Hand. Im Gespräch geht es um das Verhältnis von Wissen und Nicht-Wissen und wie dieses in der Film- und Schreibarbeit gemeinsam mit Merle Kröger in den verschiedenen Projekten produktiv gemacht wird. Außerdem geht es um die Frage der Positioniertheit – die Blick- und Machtposition –, die Regisseur und Protoganost_innen jeweils zukommt. Filmästhetisch und filmpolitisch ist es zentral, diese Positionierungen sowohl herauszuarbeiten, also nicht zu verschleiern, als auch immer wieder Augenhöhe herzustellen: Wessen Bilder werden gezeigt, wessen Geschichten werden erzählt, wer bekommt was wie zu sehen und zu hören?
Moritz Schumm bespricht in diesem Text das Verhältnis des Wissens eines Films und des Wissens der Zuschauenden. In ihrer gegenseitigen Konstituierung, Individualität und schwierigen Nachvollziehbarkeit sind sie schwer zu fassen und werden durch die veränderten Rezeptionsbedingungen von Filmen durch neue mediale Konstellationen noch vielfältiger. Gerade diese werden aber in den zeitgenössischen Filmen und ihren Inszenierungen aufgegriffen und das Wissen der Zuschauenden darum adressiert. Eingeschrieben in die formalen Strukturen der Filme wird das Verhältnis durch Filmanalysen beschreibbar, wie Schumm exemplarisch an zwei Szenen aus Wes Andersons Film The Grand Budapest Hotel (USA/D 2014) darlegt.
"the distaste for endless socially enforced dualisms" - Einleitung zur Sektion "Situiertheit"
(2018)
Die Einleitung bietet eine Einführung in das Konzept „Situiertheit“ der Wissenschaftshistorikerin und feministische Theoretikerin Donna Haraway. Neben der Definition und diskursiven Einordnung des Begriffes wird sowohl die Rezeption der Theoretikerin im Kunstfeld skizziert als auch umgekehrt der Umgang mit Kunst in ihrer Theorie. Dem folgt eine kurze Zusammenfassung der Beiträge der Sektion „Situiertheit“ des zweigeteilten Sammelbandes.
Der Text versucht Wissen als etwas zu denken, das antwortet auf ein Zerbrochensein, das nicht nur die Gefüge des Kolonialismus und des sogenannten Anthropozän heimsucht. Dabei bezieht er sich auf dekoloniale, queer-feministische und neomaterialistische Theorien, die er in Verbindung bringt mit der nichtdeutenden Psychoanalyse D.W. Winnicotts und den spekulativen Fabulationen Donna Haraways über ein Zeitalter der sterblichen Critter, des Chthulucene.
Michel de Certeau und Bruno Latour problematiseren in Kunst des Handelns (1980) und Paris ville invisible (1998) jeweils den Topos des Überschauens einer großen Stadt, der seit der Neuzeit für den Raumbezug und das Weltverhältnis charakteristisch ist. Beide Autoren setzen dem Prinzip des Panoramas und seinem Anspruch der Kontrolle eine Auffassung von Praktiken im Raum entgegen, die sich der vollständigen Übersicht entziehen, und werfen die Frage nach der epistemischen und politischen Dimension von peripherer Sichtbarkeit auf. De Certeau betont das subversive Potenzial alltäglicher Praktiken der Aneignung und Umwidmung und die Rolle marginalisierter Akteurinnen. Latour behandelt das Verhältnis vom Ganzen und seinen Teilen und kritisiert die Illusion, vom Großen auf das Kleine zu schließen, als gäbe es ein Kontinuum. Stattdessen fordert er durch die Praxis der Montage von Fotografien und Text dazu auf, das Urbane von seinen Rändern aus zu denken, Übergänge, Umbrüche und Austauschverhältnisse zwischen den materiellen und symbolischen Dimensionen der Stadt nachzuverfolgen und die Schaltstellen zu untersuchen, an denen Neues produziert und dadurch Wissen generiert wird.
Beide Autoren verweisen auf Zwischenräume und Randzonen der Sichtbarkeit und des Wissens. Sie kennzeichnen sich dadurch, dass sie dem noch nicht Sichtbaren, dem noch Ungewissen Raum gewähren – aus dem sich die Stadt genauso zusammensetzt wie aus den eindeutig repräsentierbaren, identifizierbaren, kontrollierbaren Entitäten. Eine Geschichte der sichtbaren Stadt muss deshalb um eine Geschichte dessen erweitert werden, was sich noch an den Rändern der Repräsentation und des Wissens befindet.
Der Aufsatz beschäftigt sich anhand von optischen Medien und ihren Bildern mit dem Thema der Virtualität. Virtualität als ästhetische Kategorie, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts verhandelt wird, stellt sich als strukturell rekursiv und temporal heraus, es geht also um die Dauer und Latenz von virtuellen Bildern. Das aus dem Virtuellen Wahrgenommene wird, mit anderen Worten, in einer Bewegung der Rekursion generiert, die weniger in einer räumlichen, sondern vielmehr in einer zeitlichen Sphäre zu verorten ist. Die optischen Medien und Verfahren der Stereoskopie, des Kaleidoskops und des frühen Farbfotos scheinen einen bestimmten Zustand zeitlicher Instabilität zu teilen. In diesem Sinne wird der Frage nach visueller Evidenz und dem aus dem limbischen Randgebiet der Wahrnehmung generierten Wissen eine – in der kontinuierlichen Rekursion des Virtuellen situierte – temporale Koordinate hinzugefügt.
Der Text stellt Positionen des „Neuen Materialismus“ wie denen von Donna Haraway, Bruno Latour und Karen Barad in ein Verhältnis zum Materialismus, insbesondere wie er in den Schriften von Jacques Lacan zu finden ist. Dabei geht es um Gemeinsamkeiten wie etwa die Betonung der Wirkmacht von Metaphern, wie um Unterschiede wie die Handlungsmacht bzw. der Modellcharakter von technischen und epistemischen Objekten. Anhand des Atomismus bei Lacan und Barad wird schließlich eine unterschiedliche Interpretation des Lacan’schen und Neuen Materialismus dessen, was „nicht nichts“ ist diskutiert.