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Ausgehend von der Praxis des Instrumentalunterrichts wird in vorliegender Arbeit die Geschichtlichkeit von Musik als didaktische Herausforderung theoretisch aufgearbeitet und ein Modell eines musikalischen Geschichtsbewusstseins entworfen, das zum einen für die Erforschung der Geschichte von Instrumentalschulen hilfreich ist, zum andern als Grundlage dient, um die Umrisse einer geschichtsbewussten Instrumentaldidaktik zu skizzieren. Der erste Teil („Geschichtlichkeit von Musik im Instrumentalunterricht“) stellt einen ausführlichen Problemaufriss dar. Er besteht aus einer kritischen Beschreibung der aktuellen Situation im Instrumentalunterricht, einer Reflexion und Klärung der Begriffe „Geschichte“, „Geschichtlichkeit“, „Geschichtlichkeit von Musik“, einem Bericht über den musikpädagogischen Forschungsstand und Überlegungen zur Geschichtlichkeit von Musik als instrumentaldidaktischem Problem. Im zweiten Teil („Vom Geschichtsbewusstsein zum musikalischen Geschichtsbewusstsein“) werden zunächst neuere Erkenntnisse zum Konzept „Geschichtsbewusstsein“ als einer zentralen Kategorie der Geschichtswissenschaft differenziert dargestellt. Zudem wird die historische Entwicklung von Geschichtsbewusstsein aus kulturwissenschaftlicher Sicht nachgezeichnet. Darauf aufbauend wird das Modell eines spezifisch musikalischen Geschichtsbewusstseins konstruiert. Dieses Modell wird aus der Sicht von Neuro- und Kognitionswissenschaften hinterfragt. Ferner werden Überlegungen zum Verhältnis von musikalischem Geschichtsbewusstsein und Imagination angestellt. Mit der Untersuchung musikalischen Geschichtsbewusstseins in Instrumentalschulen seit dem 18. Jahrhundert trägt der dritte Teil („Musikalisches Geschichtsbewusstsein in Instrumentalschulen“) dazu bei, Lücken in der Erforschung der Geschichte des Instrumentalunterrichts zu schließen. Durch die Auseinandersetzung mit der Frage, wie sich die Entwicklung musikalischen Geschichtsbewusstseins seit dem 18. Jahrhundert in Instrumentalschulen niedergeschlagen hat, werden nicht nur ideengeschichtliche Zusammenhänge aufgedeckt, sondern auch Erkenntnisse über die Entwicklungsgeschichte von Instrumentalschulen und über die Theorie und Geschichte der musikalischen Interpretation gewonnen. Im vierten Teil („Geschichtsbewusstes Lehren und Lernen im Instrumentalunterricht“) erfolgt eine instrumentaldidaktische Konkretisierung der Ergebnisse aus den ersten drei Teilen. Aufgaben, Möglichkeiten, Grundlagen, methodische Prinzipien und Grundsätze einer geschichtsbewussten Instrumentaldidaktik werden erörtert und anhand von Beispielen aus der Praxis veranschaulicht. Grundsätzlich wird dabei nicht von einem normativen, sondern vielmehr von einem modernen, an Verantwortung, Reflexion und Mündigkeit der Lehrenden und Lernenden appellierenden Verständnis von Instrumentaldidaktik ausgegangen (Didaktik als Orientierungshilfe). Als geschichtsbewusst gilt ein Unterricht, der kooperativ und anhand perspektivisch vielfältiger musikalisch-geschichtlicher Quellen die Neugier, Selbstständigkeit, Reflexion, Eigenverantwortung und Imaginationsfähigkeit der Lernenden nutzt und fördert.
Die Arbeit beschreibt Instrumentalunterricht aus Perspektive von Theorien zu Performativität als einen Prozess, in dem Musikkultur konstituiert und transformiert wird. Auf Basis der ethnographischen Methode der videogestützten teilnehmenden Beobachtung erforscht sie Interaktionen zwischen InstrumentalschülerInnen und ihren LehrerInnen. Sie untersucht, wie die AkteurInnen im Unterricht gemeinsam Musik konstituieren und wie sie dabei ihre Art, Musik zu machen sowie Imaginationen, Reflexionen und Gefühle mit ihr zu verbinden, ausbilden und verändern.
Es werden mehrere Aspekte der Konstitution von Musik im Instrumentalunterricht in den Blick genommen: Welche Handlungsweisen greifen ineinander, wenn Menschen Musik konstituieren? Wie verläuft die Kommunikation zwischen SchülerInnen und LehrerInnen? Wie bilden AkteurInnen im Zuge ihre Interaktion Imaginationen, Reflexionen und Gefühle zur Musik im Unterricht aus? Wie knüpfen sie an Musiktraditionen an und führen sie fort? Wie finden sie Assoziationen zur aufgeführten Musik und wie beeinflussen diese im Gegenzug ihr Musizieren? Aus welchen Faktoren der Interaktion ergaben sich Veränderungen und Neuerungen im Musizieren sowie in den Vorstellungen und Überlegungen der AkteurInnen? Wie finden SchülerInnen eine persönliche Herangehensweise an Musik?
In dieser Dissertation wird erstmalig anhand einer ausführlichen Untersuchung auf die Entwicklung der Klavierpädagogik Chinas eingegangen, angefangen vom ersten Klavierunterricht in der Missionarschule im Jahr 1881 bis hin zum aktuellen Piano Grading Test (PGT), mit seinen jährlich über 1 Million Teilnehmern in der ersten Dekade der 21. Jahrhunderts. Aufgezeigt werden seine Entstehungsgründe und Fehlentwicklungen, sowie die staatlichen PGT-Organisationsstrukturen, die vom Kulturministerium ausgearbeitet wurden. Auf Grundlage einer vom Verfasser aufgebauten Datenbank, die insgesamt 3853 Klavierwerke aus 58 Repertoiresammlungen (RS) von 13 Prüfungsinstituten der Jahre 1989 bis 2008 umfasst, werden folgende Schwerpunkte untersucht und analysiert: Die Zusammensetzung der einzelnen Prüfungsprogramme und ihre Einteilung in Schwierigkeitsstufen, die Auswahlmöglichkeiten innerhalb der Prüfungsprogramme, die Verwendungshäufigkeit der Werke der Komponisten und deren geografische Herkunft, die in den RS verwendeten Musikwerke von J. S. BACH, C. CZERNY und von chinesischen Komponisten. Ein wesentliches Untersuchungsergebnis ist die Tatsache, dass im alltäglichen Unterricht nur die Technik des Klavierspiels anhand des Spielens der Grundübungen (Tonleiterspiel etc.) der Etüden und polyphoner Werke im Vordergrund steht. Zukünftig bieten sich vielfältige Entwicklungsmöglichkeiten hinsichtlich der Kooperation mit internationalen Musikpädagogen und Bildungsinvestoren auf der Grundlage von internationalen Abkommen und der nationalen Gesetzgebung.
Die vorliegende Arbeit versucht, eine Antwort darauf zu finden, was Wissenschaftspropädeutik in der Schule – insbesondere in der gymnasialen Oberstufe – bedeuten kann und soll, indem sie zum Nachdenken über den Begriff Wissenschaftspropädeutik anregt und indem sie beschreibt und reflektiert, wie in der Oberstufe gemeinsam mit Schülerinnen und Schülern wissenschaftspropädeutisch gearbeitet werden kann. Als Möglichkeit für Wissenschaftspropädeutik in der gymnasialen Oberstufe wird der bayerische Modellversuch des Wissenschaftspropädeutischen Seminars „Musik und Literatur“ vorgestellt – als ein in und aus der Schulpraxis heraus entwickelter Beitrag innerhalb der Diskussion um eine „neue Lernkultur“. Ausgehend von einer Begriffsklärung im Hinblick auf das Verständnis von Wissenschaftspropädeutik in der Schule und basierend auf den Vorgaben des Schulversuchs und auf den unterrichtspraktischen Erfahrungen aus dem einjährigen Modellseminar „Musik und Literatur“ zeigt die vorliegende Arbeit auf, welche Ziele wissenschaftspropädeutisches Arbeiten in der Schule verfolgen kann, welche organisatorischen, methodischen und inhaltlichen Voraussetzungen geschaffen werden müssen und auf welche Art und Weise wissenschaftspropädeutisches Arbeiten in der Unterrichtspraxis umgesetzt werden kann. Der erste Teil beschäftigt sich grundsätzlich mit "Wissenschaftspropädeutik in der Schule", versucht eine Definition und eine Begriffsklärung und beleuchtet das Verständnis von Wissenschaftspropädeutik aus historischen, pädagogischen und schulpolitischen Perspektiven. Der zweite Teil beschreibt das Wissenschaftspropädeutische Seminar „Musik und Literatur“ in der Praxis und stellt die neue Unterrichtsform "Wissenschaftspropädeutisches Seminar" dar sowie die Planung und Durchführung und Beispiele aus der Seminarpraxis aus den Bereichen Musik und Literatur, Musik und Rhetorik, Literatur in der Musik und Musik in der Literatur. Abschließend beleuchtet die Arbeit Wissenschaftspropädeutik in der gymnasialen Oberstufe in Bezug auf Möglichkeiten und Chancen und ordnet das Wissenschaftspropädeutische Seminar ein als Beitrag zu einer „neuen Lernkultur“.