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Animation Of Dead Material
(2021)
Die Ausstellung mit Arbeiten von 34 Künstlerinnen und Künstlern aus der Malereiklasse von Valérie Favre, bietet Gelegenheit, die Vitalität der Malerei zu hinterfragen. Die Ausstellung „Animation of Dead Material“ untersucht die Materialität von Kunstwerken, ihre Präsenz in der Interaktion mit und in Abwesenheit des Betrachters. Die Frage ließe sich wie folgt zusammenfassen: Lebt die Malerei nur, wenn wir sie anschauen, oder hat sie ein Eigenleben? Lebt sie für sich selbst? Wir haben immer wieder Behauptungen gehört wie: „Die Malerei spricht zu dir“, „Sie erzählt dir eine Geschichte“, „Sie gibt dir Emotionen“. Obwohl sie personifiziert ist, steht sie immer in Beziehung zu demjenigen, der sie anschaut.
Isabelle Graw entwickelt in ihrem Buch den Gedanken, dass das Werk als Projektionsfläche für Gedanken und Vorstellungskraft mit dem Betrachter interagiert.
Seine Materialität ist ein Verweis auf die Handlungen der Vergangenheit, und durch die geisterhafte Präsenz der Künstler*in wird es personifiziert. Können wir die Werke aber nicht auch als eigenständige Wesen sehen? Sie bestehen aus einem sich ständig verändernden Material und sie reagieren auf die Elemente um sie herum. Auf einer visuellen Ebene verändert sich die Oberfläche. Die Ölfarbe reagiert mit Sauerstoff und braucht Jahre, um zu trocknen. So beeinflussen sie, immer verschieden, die Umgebung, die sie umgibt, und werden in ihr transformiert.
Die Auswahl der Werke von vierunddreißig Künstlerinnen und Künstlern spiegelt diese Aspekte wieder: Die Arbeiten sind mit ihren Schöpfern, ihren Gedanken, ihren Gesten verbunden; im Raum ausgestellt werden sie zur Plattform für die emotionalen und narrativen Projektionen der Besucher. Sie lassen auch die Frage nach ihrer Entwicklung offen: Wenn sie heute hervorgehoben und auf eine Konstellation von Objekten und Individuen bezogen werden, wie werden sie sich morgen entwickeln und in welcher Art von Umgebung? Wie werden sie diese beeinflussen? Parallel zu den präsentierten Bildwerken erweitern Fotografien und Objekte im Raum diese Fragen. Performances und zwei Diskussionsrunden vervollständigen diese fünf Tage voller Eindrücke und Reflexionen.
Mit Arbeiten von : Nouri Almashhour, Nora Awad, Laura Baader, Isabella Bram, Nina Lamiel Bruchhaus, Calman, Hannah-Sophia Eckart, Anna Erdlenbruch, Meret Freisen, Emily Genest, Camilla Goecke und Marieke Helmke, Dean Alexander Hartwig, Nicole Hauck, Vero Haas, Frank Jimin Hopp, Christina Huber, Jonas Jubitz, Minh Kha Le, Camille Lacroix, Charlotte Lichter, Zinaida Lina, Pia Maier, Laila Ohlhoff, Caterina Renaux Hering, Anna Richert, Julia Sam, Finja Sander, Daniel M.E. Schaal, Maria Serga, Laura Suryani Thedja, Kaja Wandelt, Lena Valenzuela de la Hoz, Yeliz Yigit
Kuratiert von : Bernard Vienat
In Ihren Text beschreibt Nobrega das postmigrantische Theater als Bewegung und Institution, die eine erfolgreiche institutionelle Etablierung neuer ästhetischer, narrativer und kulturpolitischer Werkzeuge signalisiert. Trotz zunehmender Diversity Arbeit, die eine Sichtbarmachung von Künstler_innen of colour und den Beginn der Institutionalisierung eines urbanen Kosmopolitismus fördern, dominieren nach wie vor prekäre, rassifizierte Arbeits-bedingungen, ein Mangeln an Ressourcen sowie der Zugang von Künstler_innen of color zu der institutionellen Hochkultur.
Nobregas genealogische und zeitgenössische Untersuchung der Beziehung zwischen Wissensproduktion und Machtpraktiken zeigt Defizite an Verfahrenspolitiken und Richtlinien für die Umsetzung kultureller Vielfalt in den Kunst- und Kulturinstitutionen wie auch in den Kunsthochschulen als Arbeits- und Ausbildungsorte.
Der einleitende Texte gibt einen Überblick über aktuelle theoretische Tendenzen, Materialität zu erforschen. Dabei stehen besonders solche Ansätze im Mittelpunkt, die das Verhältnis zur Kunst, vor allem in ihren jeweiligen Produktionskontexten, ästhetisch-gestalterischen Prozessen und Praktiken sowie ihren Wissenspotenzialen verhandeln. Materialität wird in der Folge als epistemischer Operator vorgeschlagen, dessen verschiedenartige Wirkungsweisen im Feld der Künste es im Rahmen des Sammelbandes interdisziplinär zu diskutieren gilt. Abschließend folgt eine überblickende Zusammenfassung der einzelnen Beiträge.
This essay engages with an idea that has been sidelined in both anthropology and art, as well as the anthropology of art: beauty. In dialogue with the work of sculptor Douglas White and Gregory Bateson’s anthropological notion of grace in art, I develop a speculative account that tries to find a way past a beauty petrified within aesthetic discourse to bring out the life beauty still has within the everyday as the ability of something, someone, to stop us in our tracks; a small tear in the fabric of ordinary life. I draw on fieldwork and conversations with Douglas White, a London-based artist with whom I worked as an assistant for six months during my current research. In particular, this essay follows the making one work of art, Counsel exhibited in 2007.
The story of Counsel falls in two parts; the first tells of Douglas White’s encounter with a pair of burnt-out recycling bins on the streets of South London and the effort he made to acquire them, to bring them into his studio and practice. My interest is in understanding this sense of value in terms of White’s practice, in its perceptual, embodied and epistemological dimensions, in dialogue with the work of the anthropologist Gregory Bateson. The second half follows these bins journey to the ‘white cube’ of the gallery (O’Doherty 1999) and their domestication within a stable discursive frame that makes good sense of these objects as art. Beauty, in this context of exchange, is what escapes this domestication within interpretative discourse of contemporary art world.
The making of ‘Counsel’ as a work of art implicates Doug’s skill as an artist; in the developed, intuitive, perceptual ability to shape and play with the qualities of form within the social expectation and value creation system of the art world (and his own position within it). The framing of the encounter by the conventions of the gallery – its architecture and the attitude of the gallery-goer – are integral to constructing these bins as a work of art; as objects to puzzled over and made sense of within the tradition of art. In the critical terms, my account runs the danger of ‘fetishizing’ the object of art, the focus on its ‘beauty’ occluding its conditions of possibility within the social and institutional framing of contemporary art in London. Nevertheless, the concern in this essay is with a certain irreducible remainder to this sociological analysis, a certain force of a thing (whether labelled a work of art or not) – what I hesitantly call its beauty - that cannot be fully explicated within either the logic of interpretation that characterises the art world or the over-arching social structures that determine taste. It is a force that resists these bins’ interpretation (and commodification) as art, which, paradoxically, makes them work as objects of art.
Die Dissertation beschäftigt sich mit Materialitäten und Materialien im kameralosen Film und nimmt dabei seine aktuelle, vor dem Hintergrund technologischer Verschiebungen diskutierbare Renaissance zum Ausgangspunkt. Dies dient nicht dazu, eine weitere Geschichte des Avantgarde- und Experimentalfilms zu schreiben, sondern den kameralosen Film als eine materielle Praktik aus theoretisch-analytischer Perspektive aufzuarbeiten. Das Materielle – in seinen konzeptionellen Varianten als Materie, Material oder Materialität – wird dabei als ein problematischer „Begriff“ verstanden, der auf eine vorbelastete Diskursgeschichte zurückblickt und zugleich selten als alleinstehender Term auftritt: Den theoretischen Schauplatz betritt das Materielle vorrangig mit einem als immateriell codierten Korrelat und damit in konzeptionellen Zweiheiten. Die sich dadurch aufdrängende Herausforderung, das Verhältnis der beiden Pole zueinander zu bestimmen, durchzieht hierbei alle medienwissenschaftlichen, bildwissenschaftlichen und medienästhetischen Leitbegriffe, die ihre diskursive Bündelung in der basalen, aber fragwürdigen Unterscheidung zwischen Materialität und Immaterialität haben. Vor dem Hintergrund der These, dass das Materielle darüber hinaus immer wieder als ein Funktionsbegriff, d. h. ein leerer Platzhalter, verwendet wird, schlägt die Arbeit vor, nicht eine als problematisch eingestufte Verhältnisbestimmung durch eine andere zu ersetzen, sondern zuallererst bei der Konzeption von Verhältnissen und Relationen selbst zu beginnen. Dies wird in Rückgriff auf Gilbert Simondons Individuations- und Relationsphilosophie geleistet, um eine relational-pluralistische, dem Operativen verpflichtete Perspektive auf Materialien zu skizzieren. Im Durchgang durch die Filmkapitel, die sich schwerpunktmäßig den handgemachten, den kontaktbasierten und autogenerativen Praktiken der Bild- und Tonherstellung widmen, zeichnet sich der Entwurf der ästhetischen Objekte als Plurividuen (statt Individuen), als Vielheiten und Gefüge mehrstelliger Relationalität, ab.