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Familie, Körper und Hysterie : Subjekt- und Begehrenskonstruktionen des kinematografischen Bildes
(2018)
Familie, Körper und Hysterie – Subjekt-und Begehrenskonstruktionen des kinematografischen Bildes beschäftigt sich mit den Zusammenhängen, und Bedingtheiten von Familie, Körper und Hysterie im Film Bild. Anhand ausgewählter Beispiele der Filmgeschichte wird der Körper als Ort der hysterischen Artikulation in den Fokus gestellt, verbunden mit der Idealisierung weiblichen Seins im System der Familie und daraus resultierenden Fragen der Subjektwerdung. Die Hysterie wird dabei als Bild begriffen, als plastisch ästhetische Umsetzung der auf dem Körper der Frau lastenden Widersprüchlichkeiten im Feld der westlich familiären heteronormativen Liebeskonzeption. Ausgangspunkt für diese Ästhetik der Hysterie bilden die Fotografien der Salpêtrière Ende des 19.Jahrhunderts, die Charcot massenhaft anfertigen lies und die Freud und seine Entdeckung des Unbewussten beeinflussten. Die Selbsttheatralisierung der Frauen wird dabei zum entscheidenden Merkmal der Hysterie Konzeption, die als ästhetisches Mittel ihrer Revolte verstanden werden kann. Davon ausgehend werden unterschiedliche ästhetische Bildentwürfe reflektiert, vom Melodrama von Douglas Sirk über das Independent Kino von Cassavetes und Gena Rowlands bis hin zum zeitgenössischen Kino von Claire Denis.
Welches Selbstverständnis haben Regisseure in der Arbeit mit dem Schauspieler? Inwiefern schreiben sie sich einen Einfluss auf seine Darstellung zu? Und auf welche Weise tun sie das oder glauben sie das zu tun? Ziel dieser Untersuchung ist es, durch eine Analyse verschiedener Ansätze der Schauspielführung auf übergreifende und verbindende Aspekte im Hinblick auf das Selbstverständnis und die Handlungsprinzipien von Regisseuren zu schließen. Es werden Vertreter des amerikanischen, russischen und europäischen Kinos untersucht. Die Überlegungen der einzelnen Regisseure werden erst deskriptiv erfasst und dann in einer vergleichenden Analyse auf Möglichkeiten und Grenzen der Regiearbeit hin ausgewertet. In einem abschließenden Exkurs werden aus der soziologischen und der sozial- bzw. organisationspsychologischen Literatur stammende Theoriemodelle aufgegriffen und in Analogie zum Prozess der Schauspielführung gebracht.
... Daher beschäftigt sich die vorliegende Arbeit mit der visuellen Umsetzung von Science-Fiction-Filmen, mit dem Fokus auf Weltraum-Filmen. Durch die Analyse dreier vorausgewählter Werke aus der Filmgeschichte wird der These nachgegangen, ob die fortschreitenden Technologien in der Filmbearbeitung die Produktionen von wissenschaftlich plausiblen Weltraum-Filmen begünstigen.
Die Welt der fiktionalen Medien ist im Wandel. Neue die klassischen Fernsehstrukturen aufwirbelnde Player sind auf dem globalen Markt angekommen. Onlinestreamingdienste wie Netflix spielen dabei eine besondere Rolle. Sie treten immer häufiger als Produzenten eigener Medienprodukte auf. Eine Strategie bestimmte Publika zu gewinnen, ist dabei die Wiederbelebung alter populärer Fernsehserien. Auch das Fallbeispiel der vorliegenden Arbeit, die US-Networkserie „Gilmore Girls“ (2000-2007, The WB/The CW), erlebte durch Netflix sein Revival mit „Gilmore Girls – A Year In The Life“ (2016). An ihr lässt sich zeigen, dass die sich neu herausgebildeten Strukturen innerhalb des Medienmarktes neue Möglichkeiten für Serienmacherinnen und -macher bei der Umsetzung bieten, die sie im klassischen Kabelfernsehen nicht hatten. Die vorliegende Arbeit untersucht dabei den Zusammenhang zwischen den Produktionsbedingungen und der Art und Weise der Umsetzung eines Medienproduktes. Um dem Phänomen näher zu kommen wird zunächst das Konzept Remake beschrieben und die bestehende Remaketradition im Bereich Serien dargelegt. Zur Untersuchung der Wechselwirkungen zwischen den Produktionsbedingungen und den Inhalten eines Medienproduktes wird eine exemplarische verglei-chende struktur-funktionale Film- und Fernsehanalyse unternommen. In einem ersten Schritt wird ein vergleichender Blick auf die Produktionsbedingungen des Kabelfernsehens und der des Onli-nestreamingdienstes Netflix unternommen. Im zweiten Schritt werden die Folgen der Neuauflage der US-Serie der „Gilmore Girls“ mit den vorherigen sieben Staffeln der Serie verglichen und auf wesentliche Veränderungen in der Gestaltung untersucht.
Die vorliegende Arbeit analysiert den Einfluss aktueller technischer Entwicklungen auf den Prozess der Filmmischung. Kinofilme werden zunehmend an Controllern mit der sogenannten "in the box"- Methode und nicht mehr auf traditionellen Filmmischpulten gemischt. Dies hat die Arbeitsweisen grundlegend verändert. Anhand der Expertise professioneller Mischtonmeister wird eine große Bandbreite an Fragen und Problemstellungen bezüglich der Mischung eines Kinofilmes erörtert, zusammengefasst und analysiert.
Die Entwicklung von immersiven Medien führt zu einer erhöhten Aufmerksamkeit auf die Wiedergabemöglichkeiten von räumlicher Tongestaltung. Im Bereich der VR-Technologie, stellt die binaurale Tonwiedergabe über Kopfhörer einen wichtigen Aspekt der Personalisierung dar. Die Erstellung von individuellen HRTFs bleibt auch heute immer noch schwierig und ist nur unter speziellen Bedingungen möglich. Weil passende HRTFs für die Gesamtqualität der Wahrnehmung eines binauralen Contents entscheidend sind, werden unterschiedliche Lösungen untersucht die individuelle HRTF anzunähern oder eine andere HRTF anzupassen. Mit der Entwicklung neuer Austauschformate für HRTFs und deren Unterstützung durch diverse neuentwickelte binaurale Systeme, wird es möglich, existierende HRTF-Datenbanken zu untersuchen und perzeptiv zu evaluieren. Dies hat den Autor motiviert, die Effekte und Zusammenwirkung von konkreten technischen HRTF Parametern und Wahrnehmungskriterien zu untersuchen. Im Rahmen der Recherche wurde eine Datenbank aus individuell gemessenen HRTFs erstellt. Diese wurde im Zusammenhang mit anderen existierenden HRTF-Datenbanken analysiert. Anhand der Ergebnisse wurden Hörtests durchgeführt, um Wahrnehmungskriterien und verantwortliche technische Parameter zu testen. Dabei wurden auch multivariate Zusammenhänge zwischen unterschiedlichen Kriterien festgestellt. Ein Verfahren für wahrnehmungsmotivierte HRTF-Auswahl wurde vorgeschlagen, das in einer VR-Implementierung in Unity getestet wurde. Die Ergebnisse haben gezeigt, dass die Hörer in der Lage waren, innerhalb einer VR-Umgebung kritisch zuzuhören und ihre Präferenz anhand isolierter Kriterien und Parameter auszudrücken. Die statistische Auswertung hat gezeigt, dass die ausgewählten HRTFs keine signifikante Verbesserung gegenüber individuellen HRTFs, der HRTF von einem Kunstkopf und einer nummerisch gemittelten HRTF gebracht hat. Allerdings war eine Validierung der Gesamtqualität im Kontext einer komplexen Wiedergabe nicht möglich aufgrund der Einschränkung des Renderings auf ein dynamisches Objekt.
"Visions" ist eine audiovisuelle Werkanalyse von Human Sharghi Namin, die im Rahmen des Abschlussprojekts im Studiengang B.F.A Animation an der Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf im Jahr 2018 entstanden ist. Das Projekt "Visions" widmet sich der Erforschung und Interpretation audiovisueller Werke im Kontext der Character Animation. Durch die Analyse verschiedener animierter Techniken und Stile wird ein tiefer Einblick in die visuelle Gestaltung von Charakteren ermöglicht. Die Verbindung von Bild und Ton eröffnet dem Betrachter die Möglichkeit, in die facettenreiche Welt der Charakteranimation einzutauchen und neue Perspektiven zu gewinnen.
Diese Arbeit ist eine Annäherung an das Phänomen „Netflix-Effekt“. Das Kompositum wird kontextabhängig in ganz unterschiedlichen Bereichen, von Wirtschaft, Technik und Mediennutzung, definiert. Diese Themen werden auf den Begriff Netflix-Effekt projiziert und können im Rückgriff auf die Cultural Studies als soziokulturell-historisch bedingt beschrieben werden. Theoretischer Hintergrund der Arbeit ist das „Portals“-Traktat zu Online-Bewegtbild- Plattformen (vgl. Lotz 2017). Der Netflix-Effekt ist somit ein Marker für Entwicklungen, die lose mit der Firma Netflix in Zusammenhang gestellt werden. Die Methode der Wissenssoziologischen Diskursanalyse (WDA) nach Rainer Keller hilft, den Kontext herzustellen und die Begriffsbenutzung kritisch zu untersuchen. In der Arbeit soll letztlich aber keine eigene Begriffsdefinition vorgeschlagen werden, sondern die derzeit kursierenden Definitionsansätze bzw. Begriffsverwendungen festgehalten werden.
Viele Filme sind zu solch einem Teil mit Dialog vollgeladen, dass es scheint als würde Film ohne Dialog nicht funktionieren. Die Hauptfigur gewinnt ihr Publikum mit schlagfertigen Sprüchen, die schlaue Nebenfigur macht sich dadurch bemerkbar dass sie für alles eine Erklärung hat, der Antagonist erzählt dem Protagonist von seinem bösen Plan die Welt zu vernichten usw. Die Tropes sind unzählig. Komödien wie „Störche – Abenteuer im Anflug (2016)“, scheinen größtenteils von der verbalen Ebene abhängig zu sein, sogar die „Minions“ (2015) bringen ein außerordentliches Maß an Dialog auf obwohl die Minions selbst keine verbale Sprache benutzen. Es ist oft fraglich ob man ohne den Dialog der Handlung in ihrer Ganzheit folgen könnte, einige Szenen würden sicherlich komplett unverständlich bleiben. Persönlich empfinde ich um so weniger Interesse für einen Film, je mehr auf der sprachlichen Ebene erklärt wird. Mit dieser Arbeit möchte ich dieser Wahrnehmung auf den Grund gehen. Warum langweilen mich Filme in denen zu viel erklärt wird? Ist es möglich auf Sprache zu verzichten? Welche Erfolgschancen hat ein komplett nonverbaler Film? Wird der verbalen Kommunikation eine zu große Bedeutung beigelegt?