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In diesem Kontext stellt sich die Frage: Wie kann eine Demontage von Hierarchien in der Filmproduktion aussehen? Welche Chancen und Herausforderungen sind damit verbunden? Anhand der anarchistischen Theorie und der Praxis des Commoning beschäftigt sich die vorliegende Arbeit mit alternativen Ansätzen des Filmemachens. Dabei steht die kritische Reflexion über herkömmliche Strukturen im Fokus, ebenso wie Beispiele kollektiven Arbeitens, die neue Räume für kollektive Kreativität schaffen können.
Montage und Poesie
(2023)
Ich möchte meine Bachelorarbeit der Beziehung von Schrift und Film widmen, denn es ist ein Thema, das mich schon immer sehr interessiert hat. Und damit meine ich nicht das Schreiben über Filme a posteriori, sei es in Form von Filmkritik oder Filmtheorie, und auch nicht das Schreiben von Drehbüchern, also dem schriftlichen Embryo eines Films. Mir geht es vielmehr um das Verhältnis zwischen jeweils der Schrift und dem Film als eigenen Kunstformen. Grob gesagt:Um das Verhältnis zwischen Literatur und Kino.
In Gesprächen von Filmschaffenden sind Begriffe wie ‚poetischer Film‘ und ‚poetische Bildgestaltung‘ oft zu hören – vor allem wenn es um die Filme des Regisseurs Andrej Tarkowski geht. Aber was genau ist eigentlich ein poetischer Film? Gibt es bestimmte Gestaltungsweisen, die poetische Filme benutzen? Was ist poetische Bildgestaltung und wie funktioniert sie? Die vorliegende Arbeit taucht mit diesen Fragen in die Filme und die Gedanken zum Filmemachen von Regisseur Andrej Tarkowski ein und versucht dabei die zentrale Frage zu beantworten: Schaffen es besonders Filme mit poetischer Bildgestaltung, bleibende Bilder zu erzeugen? Und wenn ja, wie?
Stop Motion Games Wie handgemachte Puppen und Sets in Computerspielen eingesetzt werden können
(2023)
Viele Computerspiele nutzen in der Gestaltung entweder 2D-Grafiken oder 3Dgerenderte Umgebungen und Figuren. Es gibt jedoch einige wenige Spiele, die das Aussehen eines Stop-Motion-Films haben. Die Arbeit mit dieser Technik unterscheidet sich von der Arbeit mit digitaler 2D- und 3D-Animation dadurch, dass physische Materialien verwendet werden und echte Puppen, Sets und Licht eingesetzt werden. Welche Arbeitsschritte sind für die Umsetzung eines Stop-Motion-Spiels nötig? Im Rahmen dieser Arbeit wurde ein Spielprototyp erstellt, um diese Frage zu beantworten. Zwei verschiedene Arten, die Figur zu animieren, wurden praktisch umgesetzt. Der erste Ansatz nutzt echte Stop-Motion-Animation. Der zweite Ansatz basiert auf 3D-Scans von Stop-Motion-Figuren. Außerdem spielen die Herangehensweise für die Erstellung von 3D-Hintergründen sowie die Einbettung der Stop-Motion-Animationen in ein 3DSpiel in dieser Arbeit eine Rolle.
... Angst und Unsicherheit sind auch ein großer Bestandteil der künstlerisch-schöpferischen Arbeit und begleiten die Künster*innen im gesamten Prozess. Für mich als Filmregisseur sind Ängste und Unsicherheiten im Filmemachen ein sehr persönliches und sensibles Thema, womit ich mich oft beschäftige. Da sich Viele mit dem Thema Angst und Unsicherheit im Filmemachen identifizieren können, habe ich beschlossen diesem Thema meine Bachelor Arbeit zu widmen...
In dieser Bachelorarbeit untersuche ich die Rolle des Zufalls in Hinblick auf meinen Abschlussfilm. Ich argumentiere für seine Rolle als kreativen Impuls. Mittels Filmen der handgemachten Animation der Künstler/innen Len Lye, Schmelzdahin, Man Ray und Caroline Leaf analysiere ich zudem den Aspekt der materialbedingten Unvorhersehbarkeit und Innovation.
Die Bachelorarbeit „Violence Sells?“ beschäftigt sich mit der Frage, ob die öffentlich rechtlichen Fernsehsender in ihrem Ringen um Reformen, Selbstverständnis und zu weilen auch Legitimation, ihren eigentlichen Auftrag, einen wesentlichen Beitrag zu einem demokratischen, gesellschaftlichen Diskurs und Zusammenhalt zu leisten, zu Gunsten der Wettbewerbsfähigkeit vernachlässigen und diesem in der häufig gewaltgeprägten Gestaltung ihrer fiktionalen Programme möglicher Weise sogar zuwider handeln. Ziel der Betrachtung dieses Spannungsfeldes zwischen gewaltgeprägter Programmgestaltung, der erklärten gesellschaftlichen Verantwortung und der vielfach diskutierten Neuausrichtung und -strukturierung der Sender ist, die große und besondere Relevanz der öffentlich rechtlichen Fernsehsender heraus zu arbeiten und ihr Potenzial, vor allem aber auch ihre gesamtgesellschaftliche Verantwortung zu definieren. Diese soll im Kontext der Reformdebatte fruchtbar gemacht werden. Neben der Analyse der genannten Debatte soll die spezifische Betrachtung der Darstellung von geschlechtsspezifischer und sexualisierter Gewalt als Brennglas dienen, um die Dynamiken und die gesellschaftlichen Dimensionen von Fernsehunterhaltung nachzuvollziehen.
Ist es als Mensch möglich einen Blick auf Tiere zu entwickeln, der über Anthropomorphismen hinaus reicht? Kann ich auf Tiere blicken ohne dies als Mensch zu tun? Wie kann dieser Blick aussehen? Diesen Fragen geht die Arbeit TIERPERSPEKTIVEN anhand von exemplarischen filmischen Arbeiten und Beispielen aus der Philosophie nach. Es ist der Versuch menschlicher Projektion und Wertzuschreibung auf Tiere etwas entgegen-zusetzen. Und am Versuch nicht zu anthropomorphisieren immer wieder daran zu scheitern. Davon wie es sich anfühlen mag eine Fledermaus oder eine Ziege zu sein.
In der Bachelorarbeit mit der Themenfrage Menschlich sein und tierisch werden – Darstellung und Bedeutung der Verwandlung in David Cronenbergs „The Fly“ (1986) wird auf Grundlage filmwissenschaftlicher, philosophischer, journalistischer und filmischer Quellen die Metamorphose eines Menschen hin zur überlebensgroßen Fliege untersucht. Die theoretische Auseinandersetzung wird in Relation zum Film gesetzt. Dabei stehen die Ich-Bildung des Protagonisten und seine Libido im Fokus. Theorien Jacques Lacans dienen als zentrale Basis; der Schwerpunkt liegt auf dem Lacanschen „Spiegelstadium“ und seinem Verständnis vom „Phallus“. „The Fly“ wird mit dem modernen Ursprung des Narrativs aus Franz Kafkas „Die Verwandlung“ (1915) verglichen. Des Weiteren soll die Perspektive der zeitgenössischen Filmkritik und die Analyse eines Trailers und zweier Poster eine umfassende und adäquate Einordnung des Filmes gewährleisten. Neben den Schlussfolgerungen wird auch ein Ausblick auf weitere anschließende Fragestellungen eröffnet.
Diese Bachelorarbeit beschäftigt sich mit dem Wechselspiel zwischen den Kinos in deutschen Kleinstädten und ihrem Publikum. Was zeichnet Kleinstadt-Kinos gegenüber großen Multiplex-Kinos in deutschen Großstädten aus und was macht die Beziehung besonders? Darüber hinaus wird erforscht, welche kulturelle Sonderrolle Kinos im ländlichen Raum neben dem Vorführen von Filmen hinaus erfüllen. Ein besonderes Augenmerkt wird auf die Interaktion mit dem Kinonachwuchs in Form von Kindern unter 12 Jahren gelegt
Ich freue mich, die Bachelorarbeit nutzen zu können, um der Frage nach der Aufgabe von Schauspieler*innen bei der Entstehung und im Endprodukt Videospiel auf den Grund zu gehen. Die folgenden Fragen legten den Grundstein für meine Hauptfragestellung: - Welche konkreten Arbeitsfelder gibt es? Wie sehen diese aus? - Was unterscheidet die schauspielerische Arbeit an Videospielen von anderen Arbeitsfeldern? - Hat die Branche (in Deutschland) eine Zukunft? Wie kann ich als Schauspieler*in den Weg in dieses Arbeitsfeld einschlagen?
Das Ziel der Arbeit ist Erkenntnisse über die Filmfinanzierung zu schaffen und darüber, welche damit verbundenen Schwierigkeiten es für Nachwuchsproduzent*innen gibt. Welche Probleme ergeben sich für Produzent*innen, welche noch keinen Langfilm produzieren konnten und dadurch natürlich auch noch keine Referenzen für Föderinstitutionen, sowie TV-Sender haben und was müsste sich ggf. ändern, um Nachwuchsproduzent*innen einen Einstieg in die Branche zu erleichtern.
Wie schafft es der Film "Porträt einer jungen Frau in Flammen" (2019) von Céline Sciamma, seine Zuschauenden emotional zu berühren? Eine Antwort auf diese Frage möchte die vorliegende Bachelorarbeit geben.
Es wird davon ausgegangen, dass insbesondere Filme mit einem gut ausgearbeiteten Thema, also mit einem klaren emotionalen Fokus, die Zuschauenden berühren. In einigen Filmen gelingt es, dass dieses Thema – oft auch mehrere Themen, die sich gut in Gegensatzpaaren darstellen lassen (z.B. Liebe vs. Hass) – nicht nur in der expliziten Dramaturgie (Handlungsgeschehen, Dialog, etc.) erzählt wird, sondern auch die implizite Dramaturgie (z.B. die Mise-en-scène) durchdringt.
Um herauszufinden, ob „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ zu diesen Filmen gehört, werden zunächst drei Themenpaare, die im Film verhandelt werden, aus der expliziten Dramaturgie abgeleitet. Im folgenden Hauptteil der Arbeit erfolgt zunächst ein Einstieg in die implizite Dramaturgie anhand einer Beispielszene. Anschließend wird analysiert, inwieweit die abgeleiteten Themenpaare auch in der impliziten Dramaturgie des Filmes herausgearbeitet und sichtbar werden.
Die Arbeit zeigt, dass Céline Sciamma ihr Werk „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ sowohl auf der Ebene der expliziten Dramaturgie als auch auf der Ebene der impliziten Dramaturgie thematisch völlig durchdrungen hat. Entstanden ist ein Film, der alle ihm verfügbaren dramaturgischen und filmästhetischen Gestaltungsmittel nutzt, um den emotionalen Fokus der Geschichte sichtbar und fühlbar zu machen. Entstanden ist ein Film, der berührt.
Die folgende Arbeit nimmt den zweiten Satz der siebten Sinfonie L.V. Beethovens und spricht über seine Anwendung als Hintergrundmusik für Filme. Durch Hinsicht über die Grundlagen sowohl der siebten Sinfonie und des II Satzes als auch der Geschichte der Filme und der betrachteten Szene sind die Filme durch ihren verschiedenen Nutzungsansätzen miteinander verglichen, separat analysiert und bewertet.
Diese Arbeit beschäftigt sich mit der Vielseitigkeit von Plansequenzen und deren Wirkung im narrativen Kontext. Der Einsatz der Panorama Kamera (veralteterer Begriff für Plansequenz) geht weit in die Geschichte des Films zurück und ist bis heute im internationalen Kino sehr verbreitet. Einige Filme zeichnen sich allein durch die Verwendung von langen Einstellungen aus. Das Thema ist dementsprechend umfangreich, weshalb der Fokus dieser Arbeit auf dem ungarischen Kino liegt. Dort hat die Plansequenz eine lange Tradition und charakterisiert Filme einiger wichtiger ungarischer FilmemacherInnen.
...Dabei interessieren mich Fragestellungen wie: Welche Zugewinne erlebt die Geschichte durch die Transformation in ein anderes Medium? Wie entwickeln und passen sich die schauspielerische Arbeit sowie die verwendeten Mittel an? Welche Wirkung rufen sie hervor? Ebenso lohnt es sich zu beleuchten, welche theatralen Mittel sich im Film wiederfinden lassen, wobei zu klären ist, ob es sich dabei um rudimentäre Reste handelt, welche der Serie auf einer künstlerischen Ebene eher Schaden zufügen oder ihr charakteristische Merkmale verleihen...
ie vorliegende Arbeit beschäftigt sich mit der Verwendung von kognitiver Dissonanz als tongestalterisches Mittel im Film. Es werden Theorien zur kognitiven Dissonanz sowie der aktuelle Forschungsstand zum Thema in der Sozialpsychologie, der Neurowissenschaft und der audiovisuellen Wahrnehmung beschrieben. Darüber hinaus stellt die Arbeit Dissonanz erzeugende Tongestaltungsmittel vor, zu denen „Räumliche Dissonanz“, „Aktive Off-Screen-Erzählung“, „Souveräne Klangobjekte“ und „Unidentifizierbare Klangobjekte“ gehören. Filmausschnitte aus den Filmen „Un condamné à mort s’est échappé“, „Mouchette“ und „L’Argent“ des französischen Regisseurs Robert Bresson dienten dabei der exemplarischen Untersuchung auf diese Tongestaltungsmittel und wurden sowohl qualitativ nach der praxisorientierten Filmanalyse als auch quantitativ untersucht. Das Resultat dieser Arbeit bestätigt, dass kognitive Dissonanz als tongestalterisches Mittel im Werk von Robert Bresson durchaus Verwendung findet. Außerdem zeigt die Auswertung der Analysen, warum kognitive Dissonanz von wesentlicher Relevanz ist, um Rezipierende in den Film zu involvieren und die Imagination anzuregen, weshalb sie als tongestalterisches Mittel zunehmend in Filmen eingesetzt wird.
Im Rahmen der vorliegenden Bachelorarbeit wird untersucht, inwiefern der dänische Regisseur, Nicolas Winding Refn, sich stilistisch dem Filmstil des Neonrealismus’ genähert hat. Ziel dieser Arbeit ist es, anhand der drei Filmbeispiele Pusher I (1996), Drive (2011)
und The Neon Demon (2016), die Entwicklung von Winding Refn zu analysieren und auf eine persönliche Handschrift zu untersuchen. In diesem Zusammenhang ist das Wissen über spezifische Filmstile und deren elementaren Merkmale von Bedeutung, um Nicolas Winding Refn einordnen zu können. Nach einer ausführlichen Literaturrecherche und einer detaillierten Szenenanalyse der jeweiligen Filme, konnten wichtige Erkenntnisse erworben werden. Mit diesem Knowhow wurden essentielle Elemente genauer betrachtet, die Nicolas Winding Refns Oeuvre prägen: Gewalt und Exzess, Visualität und Genre. Es wird zuletzt Refns Festivalhistorie und Filmerfolge analysiert, um so auch die Entwicklung seines Publikums zu erfassen. Es hat sich gezeigt, dass Nicolas Winding Refn einen eignen, prägnanten und individuellen Filmstil entwickelt hat, der einzigartig ist. Filmwissenschaftler, Martin Schlesinger, definierte Refns Stil neu und bezeichnet diesen als Neonrealismus.
Die nachfolgende Bachelorarbeit von Jens Kevin Georg behandelt das Motiv des abwesenden Vaters im Laufe der US-amerikanischen Filmgeschichte. In der zentralen Fragestellung wird untersucht, inwiefern historische Umstände immer wieder dazu führten, dass Geschichten von abwesenden Vätern und ihren Söhnen relevant blieben. Dabei wird zunächst den mythologischen Wurzeln von Vater-Sohn-Konflikten auf den Grund gegangen, um zu beobachten, inwiefern uralte, archaische Grundkonflikte unser westliches Kollektivverständnis vom abwesenden Vater unterfüttern. Nach einer historischen Untersuchung der US-amerikanischen Filme vom Zweiten Weltkrieg bis zu den 1980er Jahren, soll das sich wandelnde Motiv des abwesenden Vaters im zeitgenössischen Film exemplarisch anhand von Wes Andersons „The Royal Tenenbaums“ (2001) analyisiert werden. Der Abschluss der Arbeit befasst sich mit dem Verhältnis von Reproduktion und Produktion von Genderidentitäten durch das Medium Film, um zu schauen, inwieweit die Darstellung von anwesenden Vätern und ihren Söhnen Auswirkungen auf das Leben der Rezipierenden haben können.
Ziel dieser Arbeit ist die Beleuchtung der Entwicklung kulturpolitischer Maßnahmen und Rahmenbedingungen der ungarischen Filmindustrie, welche die Wirksamkeit und Möglichkeiten der Film- und Koproduktionsförderung in Ungarn erhöht haben. Die Verwebung von Politik und Kultur und die Instrumentalisierung der Filmindustrie zum Zweck der Image-Verbesserung Ungarns stehen dabei im Fokus dieser Arbeit.
Das Vorgehen der Regisseurin Elke Margarete Lehrenkrauss, die damit verbundene Verwischung der Grenregrenzen zwischen Dokumentar- und Spielfilm, sowie die daraufhin einsetzende mediale Diskussion sind Gegenstand der vorliegenden Arbeit. Hierzu widme ich mich im theoretischen Teil zunächst einer Literaturanalyse in Hinblick auf verschiedene Definitionen des Dokumentarfilms und zeige verschiedene Hybridformen sowie Einflussfaktoren der Dokumentarfilmproduktion auf (Kapitel 2). Im Folgenden betrachte ich das Spannungsfeld zwischen Realität und Fiktion und grenze grundlegende Begrifflichkeiten ab, die für die Beantwortung meiner Forschungsfrage essentiell sind (Kapitel 3). Auf dieser theoretischen Grundlage diskutiere ich die Forschungsfrage am Fallbeispiel “Lovemobil”, indem ich den Aufbau des Films darstelle, konstruierte und manipulierte Stilmittel schematisch aufzeige, im Spannungsfeld von Wahrheit vs. Fiktion analysiere und abschließend die zentralen Bewertungen der zurückliegenden medialen Diskussion wiedergebe (Kapitel 4). Im Resümee fasse ich die zentralen Erkenntnisse dieser Arbeit zusammen und stelle meine eigene Meinung des Sachverhalts dar (Kapitel 5).
Als Kunstform, die sich auf die Vorstellungskraft stützt, assoziiert das Publikum Animation normalerweise nicht mit "Realität". Doch was passiert, wenn die Animation, die auch auf Audio- und Bildtechnologie zur Verbreitung angewiesen ist, mit Interviews kombiniert wird? Welche Rolle spielen dabei Ton und Bild? In der heutigen Zeit sehen wir jeden Tag Interviews mit allen möglichen Leuten und Animationen zu verschiedenen Themen. Es gibt nicht viele Filme, die die Interviews in animierter Form präsentieren, aber sie sind es dennoch wert, analysiert zu werden. In diesem Beitrag werden wir den Ton und die Bilder in Animationsinterviews anhand einiger klassischer Fälle analysieren.
Gedehnte Erinnerungen - Filmische Auflösung der Erzählzeit in Bi Gans LONG DAY’S JOURNEY INTO NIGHT
(2022)
Wie lässt sich Erzählzeit durch filmische Gestaltungsmittel so modellieren, dass bei den Zuschauerinnen ein Verlust des Zeitgespürs eintritt - ein transzendierendes Moment entsteht? Eine Betrachtung des chinesischen Arthouse-Films LONG DAY’S JOURNEY INTO NIGHT und seiner speziellen zeitlich-dramaturgischen Struktur. Neben der Analyse von zeitformenden Stilmitteln wird im Kern der Bachelorarbeit das Spannungsfeld zwischen Langeweile und Transzendenz in langen Einstellungen betrachtet.
Stimmen diese Behauptungen wissenschaftlicher Studien, dass Gewaltdarstellungen in animierten Kinderfilmen unseren Nachkommen schaden? Wenn dem so ist, weshalb wird nach wie vor in vielen Animationsproduktionen visuelle Gewalt präsentiert, trotz der Kritik? Anhand des adaptierten Films ‘Watership Down’ von 1978 möchte ich mich diesen Fragen annähern.
Diese Arbeit gibt einen Einblick in die Mechanismen der Klangwahrnehmung im menschlichen Gehirn. Das Ziel ist es, Ansichten der Filmtonliteratur anhand neurowissenschaftlicher Forschung zu hinterfragen. Die Grundlage dafür bildet folgende Arbeitshypothese: „Die corticalen Prozesse zur Wahrnehmung gesprochener Sprache sind linksdominant, während musikalische Reize in der rechten Hirnhemisphäre verarbeitet werden“. Diese These leitet sich aus einem filmtheoretischen Konzept Walter Murchs ab. Es wird diskutiert, ob sie mit der Forschung an Hirnläsionen, dem auditorischen Cortex und neuronalen Netzwerken für die Verarbeitung von Syntax und Semantik übereinstimmt. Die Ergebnisse der aktuellen Neurowissenschaft bestätigen die Tendenz einer linksseitigen Sprach- und rechtsseitigen Musikperzeption. Eine eindeutige Zuordnung der Musikund Sprachkompetenz zu einer Hirnhälfte kann nicht festgestellt werden, da Teilaspekte der Kommunikation wie Syntax und Semantik oft gemeinsame, neuronale Ressourcen beanspruchen.
Denn das beschäftigt mich sehr in dem Zusammenhang: Kann mein Department Schauspiel wirklich nur so wenig zum grünen Arbeiten beim Drehen oder am Theater beitragen? Ich möchte mich auf den Argumenten, die ich oben aufgelistet habe, nicht ausruhen, sondern mehr dazu beitragen. Um Erfahrungen aus erster Hand in meine Arbeit einfließen zu lassen, habe ich zwei Interviews geführt, aus denen ich zitieren werde. Eine Interviewpartnerin war die Produzentin und Journalistin Birgit Heidsiek, Initiatorin der Plattform Green Filmshooting, mit der sie sich für eine nachhaltige Medienbranche einsetzt und für Klimaschutz wirbt. Meine zweite Interviewpartnerin war Schauspielerin und Moderatorin Andrea Gerhard, die sich seit Jahren für ‚grünes Drehen’ einsetzt. Ihr Podcast „ZWEIvorZWÖLF“ informiert über Nachhaltigkeit in verschiedensten Themenbereichen.
Diese Arbeit beschäftigt sich mit Faktoren, die zu einem guten Arbeitsklima bei studentischen Filmproduktionen führen können. Die studentischen Filmproduktionen werden hierbei als praktische Übungen, die von den Studierenden an der Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf durchgeführt werden müssen, definiert. In der kommenden Analyse sind folgende Forschungsfragen zentral: 1. Sind die Faktoren für positives Arbeitsklima bei studentischen Filmproduktionen identisch mit denen a) in einem Betrieb? b) bei einer nicht-studentischen Filmproduktion? 2. Welche Probleme können sich bei studentischen Filmproduktionen ergeben, die ein positives Arbeitsklima verhindern? 3. Was könnten Ansätze für die Schaffung eines positiven Arbeitsklimas bei studentischen Filmproduktionen sein?
Versuche, das Gedächtnis, die Erinnerungen und die Wahrnehmung einer Figur darzustellen gibt es seit der Ära des klassischen Kinos. Später im modernen Film hingegen, wie wir etwa bei Deleuze und Pasolini beobachten können, haben sich solche Vorgänge stilistisch weiterentwickelt. Doch gibt es nur eine Weise, oder einen Stil, die Subjektivität einer Figur filmisch darzustellen? Anhand eines Vergleichs zwischen Szenen der Filme von Philippe Grandrieux und Joachim Tier wird um diese Frage geforscht.
Dieser Text möchte erörtern, wie Farbkonflikte genutzt werden können, um eine Bedeutung jenseits der Farbe selbst auszudrücken. Und ein kurzer Animationsfilm, an dem ich mitgearbeitet habe, der Eröffnungskurzfilm des Goldenen Spatzen Kinderfilmfestivals, kann zur Veranschaulichung dieses Punktes herangezogen werden.
Zu Beginn der Arbeit werden zunächst ein Überblick über den bestehenden Stand der Forschung und der Literatur gegeben und die zentralen Begriffsdefinitionen aufgestellt. Daraufhin werden der Filmherstellungsprozess, sowie die Bedeutung der Phasen der Stoff- und Projektentwicklung, sowie Finanzierung innerhalb dessen dargestellt und in diesem Zuge die zwei grundsätzlich unterschiedlichen Arten der Filmfinanzierung skizziert. Die Methodik und Vorgehensweise der Untersuchung wird im nächsten Abschnitt beschrieben, darauffolgend werden die Ergebnisse der Untersuchung in Bezug auf die Forschungsfragen vorgestellt. Auf dieser Grundlage werden anschließend im Fazit der Forschungsprozess reflektiert, die Kernerkenntnisse zusammengefasst und eingeordnet, sowie die Aussagefähigkeit der Forschungsarbeit dargestellt. Abschließend wird ein Ausblick auf mögliche weitere Forschungsansätze zu diesem Thema gegeben.
Ziel dieser Arbeit ist es einen Überblick über den Status quo der Geschlechtervielfalt unter deutschen (Kino-)Filmschaffenden und der diesbezüglichen Forschung zu geben, um zu untersuchen, ob und inwiefern Frauen bei deutschen Kinofilmproduktionen strukturell benachteiligt werden. Es sollen die Gründe für das angenommene Geschlechterungleichgewicht dargestellt und in den (gesamtgesellschaftlichen) Kontext der Bundesrepublik gesetzt werden. Im letzten Teil werden mögliche Lösungsvorschläge aufgezeigt.
Das Kino, Home Entertainment und das Fernsehen – all diese Sparten der Medienindustrie werden derzeit von einem einzigen Unternehmen hart auf die Probe gestellt. Netflix hat es mit seinem innovativen Geschäftsmodell des Online-Streamings geschafft, dass sich die klassische Wertschöpfungskette mit ihren einzelnen Verwertungsstufen allmählich auflöst, indem sie selbst produzieren und ihre Inhalte exklusiv über ihre eigene Streamingplattform zur Verfügung stellen. Doch im Kern erinnert Netflix an eine Ära der Filmgeschichte, in der die Wertschöpfungskette auf ähnliche Weise kontrolliert wurde. Die vorliegende Arbeit untersucht die medienökono-mischen Unternehmensentscheidungen, die Netflix seit der Gründung 1997 zu eins der größten Filmstudios der Welt verholfen haben. Der Erfolg ist auf das wirtschaftliche Modell der vertikalen Integration zurückzuführen. Vertikale Integration bedeutet die interne Abwicklung von Wert-schöpfungsstufen von der Produktion bis hin zur Auswertung. Eigene Filmstudios, Verleihnetz-werke und der Besitz von Kinoketten sorgten vor etwa 100 Jahren dafür, dass der gesamte Markt von lediglich fünf großen Studios kontrolliert wurde. Das Studiosystem in dieser Form wurde 1948 gerichtlich zerschlagen, doch nun sorgen die weitgreifenden Umstrukturierungen, angeführt von Netflix, zu einer Rückentwicklung der Studios in ihre Ursprungsform.
Der Mensch ist dem Menschen sein Untergang : Die gesellschaftliche Ordnung in der Zombie-Apokalypse
(2020)
Dem Zombiefilm als Genre wird zuweilen bescheinigt, gesellschaftspolitische Themen im Sinne der Vertragstheorie – u.a. von Vertreter*innen wie Thomas Hobbes oder Jean-Jacques Rousseau – zu reflektieren, um anhand dessen die Natur des Menschen zu ergründen. Jedoch zeigte sich in der Literaturrecherche auch, dass es dazu noch keinen allgemeinen Konsens zu geben scheint. In der vorliegenden Arbeit wird die Darstellung der Natur des Menschen im Zombiefilm auf Parallelen zur Darstellung des Naturzustands in der Vertragstheorie hin untersucht. Exemplarisch geschieht dies anhand von George A. Romeros Film Night of the Living Dead (1968) sowie des Werks Leviathan (1651) von Thomas Hobbes. Die Grundlagen bilden hierfür die Erkenntnisse aus der Literaturrecherche zu den Themenschwerpunkten rund um die menschliche Natur, dem Genre-Begriff, der Figur des Zombies, des Zombiefilms und den Hintergründen zum Weltbild Romeros. Aus der daran anschließenden Medienanalyse ging hervor, dass Parallelen zwischen Romeros Film und Hobbes' Philosophie bestehen. Es konnte aufgezeigt werden, dass für beide die Selbsterhaltung den Kern der menschlichen Natur auszumachen scheint und dass durch sie eine bürgerliche, sichere Gesellschaft gleichermaßen begünstigt, wie auch bedroht wird. Sowohl für Romero als auch für Hobbes macht für die Menschheit der Mensch selbst die größte Bedrohung aus.
Die Darstellung von Verlust und Trauer gehört im Tieranimationsfilm zum festen Motivrepertoire. Obwohl die Trauer von Tieren in der Realität sich nicht mit der menschlichen vergleichen lässt, spricht die Darstellung von trauernden Tierfiguren im Animationsfilm auch menschliche Emotionen an und lässt die Zuschauer*innen mit ihrem Schicksal mitfühlen. In der vorliegenden Arbeit möchte ich ergründen, welche Mittel der Tieranimationsfilm anwendet, um diesen Prozess auszulösen. Dabei ist unter anderem von Interesse, in welchem Maße die Trauer anthropomorphisiert wird und ob sich die Zielgruppe des Films auf die Darstellung der Trauer auswirkt.
Die vorliegende Arbeit soll vor allem einen Gedankengang offenbaren, an dessen Seiten sich viele Abzweigungen und Wege eröffnen werden, denn der Weg der zurückgelegt werden soll ist ein langer; er erstreckt sich über mediale Grenzen hinweg und reicht von einem Jahrhundert bis in das nächste. Der Weg soll eine Verbindung darstellen, von Schriften und Ideen aus dem 19. Jahrhundert, von den Autoren E.T.A. Hoffmann, Jean Paul und Schopenhauer, die man als Vertreter einer romantischen Musikästhetik verstehen kann, und der Rolle von Sound und Musik im Werk des Regisseurs David Lynch.
The objective of this thesis is therefore to extract a widespread procedure to determine acoustic impedance values of a material from the laboratory. In combining it with easy to acquire commercial components, in order to create an easy to use experimental setup that can be used on the go without much technical knowledge, it is the intention to be able to quickly disclose the looked-for results.
Die Gliederung der Arbeit beruft sich auf die Fragen, die Eder als relevant für jede Figurenanalyse bezeichnet: „Welche Gegenstände – welche Welten und Themen – werden auf welche Weise dargestellt, aus welchen Gründen und mit welchen Wirkungen?“ (Eder 2014: 125). Dementsprechend wird zunächst im Kapitel 2 die Synopsis des Films Get Out und seine Konstruktion einer post-rassistischen Ideologie als Gegenstand genauer vorgestellt. Kapitel 3 der Arbeit widmet sich der Gestaltung von Chris Perspektive und den Faktoren die diese beeinflussen; also der Art und Weise, wie die Ideologie dargestellt wird. Im 4. Kapitel wird aufgezeigt welche Funktionen diese Gestaltung erfüllen kann, um in Kapitel 5 das Potential von Chris Perspektive analysieren zu können. Zum Abschluss wird eine Zusammenfassung der Beobachtungen vorgestellt und ihre Eignung zur Beantwortung der Forschungsfrage reflektiert.
Die Zielsetzung der vorliegenden Bachelorarbeit liegt darin, anhand eines Medienkompetenzprojektes herauszufinden, welche Chancen und Möglichkeiten sich in der Vermittlung von Medienkompetenz in der Offenen Jugendarbeit ergeben. Theoretisch setzt sich die Arbeit dabei u.a. mit der Begriffsdefinition von Medienkompetenz nach Dieter Baacke auseinander. Untersucht wird dabei ein Filmprojekt, welches in zwei Jugendeinrichtungen im ländlichen Raum Brandenburgs, über ein ganzes Jahr durchgeführt wurde. Kinder und Jugendliche produzierten unter Anleitung Dokumentarfilme. Die Untersuchung erfolgte über qualitative Methoden in Form einer Projektdokumentation, Gruppendiskussionen und Evaluationsbögen. Die Ergebnisse zeigen auf, dass die Chancen und Möglichkeiten für die Teilnehmer*innen eines solchen Projektes nicht nur in der Aneignung von praktischen Fähigkeiten und praxisorientiertem Wissen liegt, sondern auch in der Ausbildung von Grundfähigkeiten, u.a. im Bereich der sozialen Kompetenzen. Die Bachelorarbeit ist sowohl für Studierende im Bereich der Medienwissenschaft, als auch im Bereich der Sozialpädagogik interessant.
Gibt es einen Zusammenhang und eine Wechselwirkung zwischen den Kategorien Filmischer Raum und Genre? Diese Frage wird anhand von zwei Szenen aus Leos Carax’ HOLY MOTORS untersucht. Hierbei handelt es sich um Szenen, die die Filmgenres Gangsterfilm und Musical zitieren und dabei Einblicke in spezifische Charakteristika der jeweiligen Stilrichtung geben.
Was ist unabdingbar für die Rolle bzw. die Figur, also was muss die SchauspielerIn einfach zwangsläufig von sich aus mitbringen? Wie funktioniert die SchauspielerIn mit mir, der RegisseurIn, zusammen? Haben wir die gleichen Werte in Bezug auf die zukünftige Zusammenarbeit, erfüllen wir die gegenseitigen Erwartungen? Reagiert die SchauspielerIn auf meine Anweisungen, fühlt sie sich wohl bei mir, haben wir Spaß zusammen und schließlich, bringt die SchauspielerIn etwas zum Projekt, was ich selbst noch gar nicht auf dem Schirm hatte? Die Beantwortung dieser Fragen zeigt dann individuell, ob es sich um die besagte gute SchauspielerIn handelt, eben für dieses spezielle Projekt und für die jeweilige RegisseurIn.
Ausgangspunkt für die vorliegende Arbeit waren Überlegungen zum Verhältnis von Kunst und Medien, speziell dem Verhältnis von Kunst und dem Massenmedium Fernsehen. Dieses Verhältnis wurde und wird im gesellschaftlichen Diskurs und vom Standpunkt der Künste aus häufig negativ bestimmt. Doch gibt es gegenüber dieser negativen Verhältnisbestimmung Positionen, welche die Beziehung von Anfang an als ein Verhältnis von Interferenz und Interaktion beschreiben. Beispiele dafür, wie Fernsehen als Teil unserer Welt, besonders auch sein Einfluss auf unsere Sicht der Welt, künstlerisch reflektiert wird, lassen sich finden, aber lässt sich das Fernsehen auch als künstlerisches Ausdrucksmittel nutzen?
Welches Selbstverständnis haben Regisseure in der Arbeit mit dem Schauspieler? Inwiefern schreiben sie sich einen Einfluss auf seine Darstellung zu? Und auf welche Weise tun sie das oder glauben sie das zu tun? Ziel dieser Untersuchung ist es, durch eine Analyse verschiedener Ansätze der Schauspielführung auf übergreifende und verbindende Aspekte im Hinblick auf das Selbstverständnis und die Handlungsprinzipien von Regisseuren zu schließen. Es werden Vertreter des amerikanischen, russischen und europäischen Kinos untersucht. Die Überlegungen der einzelnen Regisseure werden erst deskriptiv erfasst und dann in einer vergleichenden Analyse auf Möglichkeiten und Grenzen der Regiearbeit hin ausgewertet. In einem abschließenden Exkurs werden aus der soziologischen und der sozial- bzw. organisationspsychologischen Literatur stammende Theoriemodelle aufgegriffen und in Analogie zum Prozess der Schauspielführung gebracht.
... Daher beschäftigt sich die vorliegende Arbeit mit der visuellen Umsetzung von Science-Fiction-Filmen, mit dem Fokus auf Weltraum-Filmen. Durch die Analyse dreier vorausgewählter Werke aus der Filmgeschichte wird der These nachgegangen, ob die fortschreitenden Technologien in der Filmbearbeitung die Produktionen von wissenschaftlich plausiblen Weltraum-Filmen begünstigen.
"Visions" ist eine audiovisuelle Werkanalyse von Human Sharghi Namin, die im Rahmen des Abschlussprojekts im Studiengang B.F.A Animation an der Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf im Jahr 2018 entstanden ist. Das Projekt "Visions" widmet sich der Erforschung und Interpretation audiovisueller Werke im Kontext der Character Animation. Durch die Analyse verschiedener animierter Techniken und Stile wird ein tiefer Einblick in die visuelle Gestaltung von Charakteren ermöglicht. Die Verbindung von Bild und Ton eröffnet dem Betrachter die Möglichkeit, in die facettenreiche Welt der Charakteranimation einzutauchen und neue Perspektiven zu gewinnen.
Viele Filme sind zu solch einem Teil mit Dialog vollgeladen, dass es scheint als würde Film ohne Dialog nicht funktionieren. Die Hauptfigur gewinnt ihr Publikum mit schlagfertigen Sprüchen, die schlaue Nebenfigur macht sich dadurch bemerkbar dass sie für alles eine Erklärung hat, der Antagonist erzählt dem Protagonist von seinem bösen Plan die Welt zu vernichten usw. Die Tropes sind unzählig. Komödien wie „Störche – Abenteuer im Anflug (2016)“, scheinen größtenteils von der verbalen Ebene abhängig zu sein, sogar die „Minions“ (2015) bringen ein außerordentliches Maß an Dialog auf obwohl die Minions selbst keine verbale Sprache benutzen. Es ist oft fraglich ob man ohne den Dialog der Handlung in ihrer Ganzheit folgen könnte, einige Szenen würden sicherlich komplett unverständlich bleiben. Persönlich empfinde ich um so weniger Interesse für einen Film, je mehr auf der sprachlichen Ebene erklärt wird. Mit dieser Arbeit möchte ich dieser Wahrnehmung auf den Grund gehen. Warum langweilen mich Filme in denen zu viel erklärt wird? Ist es möglich auf Sprache zu verzichten? Welche Erfolgschancen hat ein komplett nonverbaler Film? Wird der verbalen Kommunikation eine zu große Bedeutung beigelegt?
Die vorliegende Bachelorarbeit beschäftigt sich mit der Fragestellung, welchen Belastungssituationen Studierende des Bachelorstudienganges Film- und Fernsehproduktion ausgesetzt sind. Ferner wird betrachtet, welche Auswirkungen Beanspruchungen auf das Verhalten der Studierenden haben, wie damit umgegangen wird und welche Beratungsformen oder Maßnahmen zur Entlastung in Anspruch genommen werden. Grundlage bilden dabei hochschuleigene fiktionale Filmproduktionen. Die Aussagen stützen sich auf Datenerhebungen, welche innerhalb des Bachelorstudienganges Film- und Fernsehproduktion in Form einer Online-Umfrage und Interviews mit den Produktionsstudierenden durchgeführt wurden.
Akustische Stimuli haben seit jeher unumstritten Einfluss auf den Eindruck einer Marke. Dies liegt nicht zuletzt darin begründet, dass sie sich von der menschlichen Wahrnehmung leichter verarbeiten lassen als zum Beispiel Textbotschaften, da der kognitive Aufwand hierfür deutlich geringer ist. Sound Branding Agenturen haben es sich zur Aufgabe gemacht, Marken in Klang zu übersetzten. Dabei geht es auf der einen Seite um die Klangfindung und den Gestaltungsprozess einer Hörmarke, andererseits aber auch um die richtige Distribution und den Einsatz des Sound Brandings – den sogenannten Kommunikationskanälen.
Mit dieser Arbeit möchte ich Entwicklungstendenzen in der akustischen Markenführung untersuchen, um herauszufinden, ob sich neue Kommunikationskanäle erschließen lassen und somit zu zeigen, wo es in der Sound Branding-Branche Optimierungspotenzial gibt.