Bachelorarbeit
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In der Bachelorarbeit mit der Themenfrage Menschlich sein und tierisch werden – Darstellung und Bedeutung der Verwandlung in David Cronenbergs „The Fly“ (1986) wird auf Grundlage filmwissenschaftlicher, philosophischer, journalistischer und filmischer Quellen die Metamorphose eines Menschen hin zur überlebensgroßen Fliege untersucht. Die theoretische Auseinandersetzung wird in Relation zum Film gesetzt. Dabei stehen die Ich-Bildung des Protagonisten und seine Libido im Fokus. Theorien Jacques Lacans dienen als zentrale Basis; der Schwerpunkt liegt auf dem Lacanschen „Spiegelstadium“ und seinem Verständnis vom „Phallus“. „The Fly“ wird mit dem modernen Ursprung des Narrativs aus Franz Kafkas „Die Verwandlung“ (1915) verglichen. Des Weiteren soll die Perspektive der zeitgenössischen Filmkritik und die Analyse eines Trailers und zweier Poster eine umfassende und adäquate Einordnung des Filmes gewährleisten. Neben den Schlussfolgerungen wird auch ein Ausblick auf weitere anschließende Fragestellungen eröffnet.
Diese Bachelorarbeit beschäftigt sich mit dem Wechselspiel zwischen den Kinos in deutschen Kleinstädten und ihrem Publikum. Was zeichnet Kleinstadt-Kinos gegenüber großen Multiplex-Kinos in deutschen Großstädten aus und was macht die Beziehung besonders? Darüber hinaus wird erforscht, welche kulturelle Sonderrolle Kinos im ländlichen Raum neben dem Vorführen von Filmen hinaus erfüllen. Ein besonderes Augenmerkt wird auf die Interaktion mit dem Kinonachwuchs in Form von Kindern unter 12 Jahren gelegt
Ich freue mich, die Bachelorarbeit nutzen zu können, um der Frage nach der Aufgabe von Schauspieler*innen bei der Entstehung und im Endprodukt Videospiel auf den Grund zu gehen. Die folgenden Fragen legten den Grundstein für meine Hauptfragestellung: - Welche konkreten Arbeitsfelder gibt es? Wie sehen diese aus? - Was unterscheidet die schauspielerische Arbeit an Videospielen von anderen Arbeitsfeldern? - Hat die Branche (in Deutschland) eine Zukunft? Wie kann ich als Schauspieler*in den Weg in dieses Arbeitsfeld einschlagen?
Das Ziel der Arbeit ist Erkenntnisse über die Filmfinanzierung zu schaffen und darüber, welche damit verbundenen Schwierigkeiten es für Nachwuchsproduzent*innen gibt. Welche Probleme ergeben sich für Produzent*innen, welche noch keinen Langfilm produzieren konnten und dadurch natürlich auch noch keine Referenzen für Föderinstitutionen, sowie TV-Sender haben und was müsste sich ggf. ändern, um Nachwuchsproduzent*innen einen Einstieg in die Branche zu erleichtern.
Wie schafft es der Film "Porträt einer jungen Frau in Flammen" (2019) von Céline Sciamma, seine Zuschauenden emotional zu berühren? Eine Antwort auf diese Frage möchte die vorliegende Bachelorarbeit geben.
Es wird davon ausgegangen, dass insbesondere Filme mit einem gut ausgearbeiteten Thema, also mit einem klaren emotionalen Fokus, die Zuschauenden berühren. In einigen Filmen gelingt es, dass dieses Thema – oft auch mehrere Themen, die sich gut in Gegensatzpaaren darstellen lassen (z.B. Liebe vs. Hass) – nicht nur in der expliziten Dramaturgie (Handlungsgeschehen, Dialog, etc.) erzählt wird, sondern auch die implizite Dramaturgie (z.B. die Mise-en-scène) durchdringt.
Um herauszufinden, ob „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ zu diesen Filmen gehört, werden zunächst drei Themenpaare, die im Film verhandelt werden, aus der expliziten Dramaturgie abgeleitet. Im folgenden Hauptteil der Arbeit erfolgt zunächst ein Einstieg in die implizite Dramaturgie anhand einer Beispielszene. Anschließend wird analysiert, inwieweit die abgeleiteten Themenpaare auch in der impliziten Dramaturgie des Filmes herausgearbeitet und sichtbar werden.
Die Arbeit zeigt, dass Céline Sciamma ihr Werk „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ sowohl auf der Ebene der expliziten Dramaturgie als auch auf der Ebene der impliziten Dramaturgie thematisch völlig durchdrungen hat. Entstanden ist ein Film, der alle ihm verfügbaren dramaturgischen und filmästhetischen Gestaltungsmittel nutzt, um den emotionalen Fokus der Geschichte sichtbar und fühlbar zu machen. Entstanden ist ein Film, der berührt.
Die folgende Arbeit nimmt den zweiten Satz der siebten Sinfonie L.V. Beethovens und spricht über seine Anwendung als Hintergrundmusik für Filme. Durch Hinsicht über die Grundlagen sowohl der siebten Sinfonie und des II Satzes als auch der Geschichte der Filme und der betrachteten Szene sind die Filme durch ihren verschiedenen Nutzungsansätzen miteinander verglichen, separat analysiert und bewertet.
Diese Arbeit beschäftigt sich mit der Vielseitigkeit von Plansequenzen und deren Wirkung im narrativen Kontext. Der Einsatz der Panorama Kamera (veralteterer Begriff für Plansequenz) geht weit in die Geschichte des Films zurück und ist bis heute im internationalen Kino sehr verbreitet. Einige Filme zeichnen sich allein durch die Verwendung von langen Einstellungen aus. Das Thema ist dementsprechend umfangreich, weshalb der Fokus dieser Arbeit auf dem ungarischen Kino liegt. Dort hat die Plansequenz eine lange Tradition und charakterisiert Filme einiger wichtiger ungarischer FilmemacherInnen.
...Dabei interessieren mich Fragestellungen wie: Welche Zugewinne erlebt die Geschichte durch die Transformation in ein anderes Medium? Wie entwickeln und passen sich die schauspielerische Arbeit sowie die verwendeten Mittel an? Welche Wirkung rufen sie hervor? Ebenso lohnt es sich zu beleuchten, welche theatralen Mittel sich im Film wiederfinden lassen, wobei zu klären ist, ob es sich dabei um rudimentäre Reste handelt, welche der Serie auf einer künstlerischen Ebene eher Schaden zufügen oder ihr charakteristische Merkmale verleihen...
ie vorliegende Arbeit beschäftigt sich mit der Verwendung von kognitiver Dissonanz als tongestalterisches Mittel im Film. Es werden Theorien zur kognitiven Dissonanz sowie der aktuelle Forschungsstand zum Thema in der Sozialpsychologie, der Neurowissenschaft und der audiovisuellen Wahrnehmung beschrieben. Darüber hinaus stellt die Arbeit Dissonanz erzeugende Tongestaltungsmittel vor, zu denen „Räumliche Dissonanz“, „Aktive Off-Screen-Erzählung“, „Souveräne Klangobjekte“ und „Unidentifizierbare Klangobjekte“ gehören. Filmausschnitte aus den Filmen „Un condamné à mort s’est échappé“, „Mouchette“ und „L’Argent“ des französischen Regisseurs Robert Bresson dienten dabei der exemplarischen Untersuchung auf diese Tongestaltungsmittel und wurden sowohl qualitativ nach der praxisorientierten Filmanalyse als auch quantitativ untersucht. Das Resultat dieser Arbeit bestätigt, dass kognitive Dissonanz als tongestalterisches Mittel im Werk von Robert Bresson durchaus Verwendung findet. Außerdem zeigt die Auswertung der Analysen, warum kognitive Dissonanz von wesentlicher Relevanz ist, um Rezipierende in den Film zu involvieren und die Imagination anzuregen, weshalb sie als tongestalterisches Mittel zunehmend in Filmen eingesetzt wird.
Im Rahmen der vorliegenden Bachelorarbeit wird untersucht, inwiefern der dänische Regisseur, Nicolas Winding Refn, sich stilistisch dem Filmstil des Neonrealismus’ genähert hat. Ziel dieser Arbeit ist es, anhand der drei Filmbeispiele Pusher I (1996), Drive (2011)
und The Neon Demon (2016), die Entwicklung von Winding Refn zu analysieren und auf eine persönliche Handschrift zu untersuchen. In diesem Zusammenhang ist das Wissen über spezifische Filmstile und deren elementaren Merkmale von Bedeutung, um Nicolas Winding Refn einordnen zu können. Nach einer ausführlichen Literaturrecherche und einer detaillierten Szenenanalyse der jeweiligen Filme, konnten wichtige Erkenntnisse erworben werden. Mit diesem Knowhow wurden essentielle Elemente genauer betrachtet, die Nicolas Winding Refns Oeuvre prägen: Gewalt und Exzess, Visualität und Genre. Es wird zuletzt Refns Festivalhistorie und Filmerfolge analysiert, um so auch die Entwicklung seines Publikums zu erfassen. Es hat sich gezeigt, dass Nicolas Winding Refn einen eignen, prägnanten und individuellen Filmstil entwickelt hat, der einzigartig ist. Filmwissenschaftler, Martin Schlesinger, definierte Refns Stil neu und bezeichnet diesen als Neonrealismus.