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Diese Arbeit ist eine Annäherung an das Phänomen „Netflix-Effekt“. Das Kompositum wird kontextabhängig in ganz unterschiedlichen Bereichen, von Wirtschaft, Technik und Mediennutzung, definiert. Diese Themen werden auf den Begriff Netflix-Effekt projiziert und können im Rückgriff auf die Cultural Studies als soziokulturell-historisch bedingt beschrieben werden. Theoretischer Hintergrund der Arbeit ist das „Portals“-Traktat zu Online-Bewegtbild- Plattformen (vgl. Lotz 2017). Der Netflix-Effekt ist somit ein Marker für Entwicklungen, die lose mit der Firma Netflix in Zusammenhang gestellt werden. Die Methode der Wissenssoziologischen Diskursanalyse (WDA) nach Rainer Keller hilft, den Kontext herzustellen und die Begriffsbenutzung kritisch zu untersuchen. In der Arbeit soll letztlich aber keine eigene Begriffsdefinition vorgeschlagen werden, sondern die derzeit kursierenden Definitionsansätze bzw. Begriffsverwendungen festgehalten werden.
Die Welt der fiktionalen Medien ist im Wandel. Neue die klassischen Fernsehstrukturen aufwirbelnde Player sind auf dem globalen Markt angekommen. Onlinestreamingdienste wie Netflix spielen dabei eine besondere Rolle. Sie treten immer häufiger als Produzenten eigener Medienprodukte auf. Eine Strategie bestimmte Publika zu gewinnen, ist dabei die Wiederbelebung alter populärer Fernsehserien. Auch das Fallbeispiel der vorliegenden Arbeit, die US-Networkserie „Gilmore Girls“ (2000-2007, The WB/The CW), erlebte durch Netflix sein Revival mit „Gilmore Girls – A Year In The Life“ (2016). An ihr lässt sich zeigen, dass die sich neu herausgebildeten Strukturen innerhalb des Medienmarktes neue Möglichkeiten für Serienmacherinnen und -macher bei der Umsetzung bieten, die sie im klassischen Kabelfernsehen nicht hatten. Die vorliegende Arbeit untersucht dabei den Zusammenhang zwischen den Produktionsbedingungen und der Art und Weise der Umsetzung eines Medienproduktes. Um dem Phänomen näher zu kommen wird zunächst das Konzept Remake beschrieben und die bestehende Remaketradition im Bereich Serien dargelegt. Zur Untersuchung der Wechselwirkungen zwischen den Produktionsbedingungen und den Inhalten eines Medienproduktes wird eine exemplarische verglei-chende struktur-funktionale Film- und Fernsehanalyse unternommen. In einem ersten Schritt wird ein vergleichender Blick auf die Produktionsbedingungen des Kabelfernsehens und der des Onli-nestreamingdienstes Netflix unternommen. Im zweiten Schritt werden die Folgen der Neuauflage der US-Serie der „Gilmore Girls“ mit den vorherigen sieben Staffeln der Serie verglichen und auf wesentliche Veränderungen in der Gestaltung untersucht.
Video-on-Demand (VoD), also das zeit- und ortsunabhängige Abrufen audiovisueller Inhalte über das Internet, ist kein Spezialthema von "First Movern" mehr. Vielmehr beginnt sich in Deutschland eine Branche zu entwickeln, welche zunehmend sowohl das Mediennutzungsverhalten jedes Einzelnen als auch das Mediensystem selbst beeinflusst. Im Interesse dieser Masterarbeit liegt es, die sozial- und medientheoretische Perspektive auf die Entwicklung der VoD-Nutzung und der Branche mit empirisch gewonnenen Einblicken aus zehn Experteninterviews zu vereinen und sich so das Thema Orientierungshilfen zur Nutzung von VoD-Angeboten zu erschließen. Denn Wahlfreiheit und ein diverses Inhaltsangebot stellen die Nutzer vor die Herausforderung, individuell relevante Inhalte aufzufinden. Am Beispiel von drei Start-ups, anbieterübergreifende VoD-Suchportale, werden Trends aufgezeigt und Lösungsansätze für den Orientierungsbedarf im VoD-Angebot diskutiert.
Die erneut aufgeflammte Debatte um die Zukunft des Kinos ist der Anstoß für diese Arbeit. Nicht nur die Medien, auch aktuelle Studien leisten den Versuch, die Lage des Kinos in Deutschland in Zahlen und Fakten zusammen zu fassen. Diese Arbeit möchte hinter die öffentliche Kinodebatte und die aktuellen Statistiken zur Kinolage der Nation gucken. In der Hoffnung, zusätzliche Details und Perspektiven zu gewinnen, die quantitative Studien ergänzen, und Einblicke zu schaffen, die manche Statistiken nicht leisten können, versucht sie eine qualitative Betrachtung des Kinos. Daher sollen einzelne Kino-Betriebe und deren Zusammenspiel untersucht werden: der Mikrokinokosmos zweier deutscher Mittelstädte: Cottbus und Lübeck.
In einem höchst kompetitiven Serienmarkt ringen Programmanbieter um die Aufmerksamkeit des Publikums. So werden auch in der deutschen Serienlandschaft in jüngster Vergangenheit vermehrt High-End-Drama-Serien auffällig, die durch ihre produktionelle Größe, intensives Marketing und internationale Reichweiten herausstechen. Die vorliegende Arbeit untersucht anhand der Fallbeispiele BABYLON BERLIN und DARK, inwiefern sich an deutschen High-End-Drama-Serien Mechanismen eines Blockbuster Television nachweisen lassen. Durch das Aufgreifen des von Susanne Eichner (2013) eingeführten Begriffs, werden die untersuchten Serien als populäres Unterhaltungsphänomen perspektiviert, welches sich in einem komplexen Zusammenspiel von kulturellen, ästhetischen und ökonomischen Mechanismen konstituiert und von anderen abhebt. Vor dem Hintergrund eines solchen Distinktionsbestrebens lässt sich feststellen, dass deutsche High- End-Drama-Serien in der vorherrschenden transnationalen Serienkultur große Medienereignisse mit Blockbuster-Charakter werden können.
Filmische Darstellung prekär beschäftigter Care-Migrantinnen aus Peru am Beispiel von "Amador"
(2022)
Die Masterarbeit untersucht die filmische Darstellung von Prekarität betroffener peruanischer Care-Migrantinnen. Als exemplarisches Beispiel wird dafür der Film Amador (Fernando León de Aranoa, Spanien 2010) untersucht. An diesem wird untersucht, wie die Lebensumstände der Hauptfigur im Film dargestellt werden bzw. inwiefern die Faktoren, die sie benachteiligen, sichtbar gemacht werden. Mithilfe von Jens Eders Figurenanalyse-Modell, der Uhr der Figur, wird herausgearbeitet, inwiefern das Werk der Figur Komplexität verleiht. Ein zentraler Befund lautet hier, dass der Film als Plattform dient, die Ethnisierung, Vergeschlechtlichung und die Zuweisung von Care-Arbeit an Migrant*innen sichtbar zu machen bzw. dass er einen hohen Realismus- und Komplexitätsgrad erreicht. Gleichzeitig wird dargelegt, inwiefern dadurch, dass bei der Gestaltung der Figureneigenschaften ihr Status als illegale Migrantin bzw. die Spezifika ihrer Herkunft unerwähnt bleiben, die Sichtbarmachung relevanter Problematiken vernachlässigt wird. Dennoch wird dem Film das Potential zugeschrieben, positiv auf den Diskurs um Migration nach Spanien einzuwirken.
Konfrontiert mit der globalen COVID-19-Pandemie befinden sich Filmfestivals in einer existenziellen Krise. Als Medienereignisse, die in besonderem Maße von den physischen Komponenten des Events leben, müssen sich nicht nur die Veranstalter*innen selbst mit Herausforderungen auseinandersetzen, sondern auch die damit verbundenen Akteur*innen und Branchen. Aufgrund von Kinoschließungen und der Vermeidung von Menschenansammlungen müssen Filmfestivals die Art und Weise der Präsentation von Filmen und die Möglichkeiten des Zusammenkommens überdenken. Die vorliegende Arbeit untersucht anhand von drei Fallbeispielen, der 63. Ausgabe des Internationalen Leipziger Festivals für Dokumentar- und Animationsfilm, der 36. Ausgabe des Internationalen Kurzfilmfestivals Interfilm Berlin und der 42. Ausgabe des Filmfestivals Max Ophüls Preis, die Herausforderungen und Potenziale digitaler Screenings und sozialer Interaktion im virtuellen Raum. Durch die theoretische Annäherung an das Phänomen Filmfestival lassen sich die wesentlichen Kernelemente dieser als Zentren der globalen Filmkultur und als Orte der Begegnung definieren. Vor dem Hintergrund dieser Einordnung ist festzustellen, dass die untersuchten Filmfestivals auch im digitalen, bzw. hybriden Raum ihre Alleinstellungsmerkmale als raumzeitlich gebundene Kulturereignisse in Teilen übertragen konnten, wobei sich diese in ihrer konkreten Ausgestaltung je nach Ausrichtung in Bezug auf Programm, Publikums- und Interessengruppen sowie weitere festivalspezifische Charakteristika unterscheiden
Ausgangspunkt für die vorliegende Arbeit waren Überlegungen zum Verhältnis von Kunst und Medien, speziell dem Verhältnis von Kunst und dem Massenmedium Fernsehen. Dieses Verhältnis wurde und wird im gesellschaftlichen Diskurs und vom Standpunkt der Künste aus häufig negativ bestimmt. Doch gibt es gegenüber dieser negativen Verhältnisbestimmung Positionen, welche die Beziehung von Anfang an als ein Verhältnis von Interferenz und Interaktion beschreiben. Beispiele dafür, wie Fernsehen als Teil unserer Welt, besonders auch sein Einfluss auf unsere Sicht der Welt, künstlerisch reflektiert wird, lassen sich finden, aber lässt sich das Fernsehen auch als künstlerisches Ausdrucksmittel nutzen?