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Gespräche mit Editor:innen über die unsichtbare Arbeit während des Montageprozesses. Die Liebe zum Beruf, die Freude an der Arbeit und die Überzeugung das Richtige zu tun, macht die Wichtigkeit dieser Gespräche deutlich. Der Schneideraum als schützenswerter Raum, in dem über Gefühlszustände, starke Emotionen, Konfliktsituationen oder auch wiederkehrende Prozesse, Regeneration und vielem mehr während des Montageprozesses gesprochen wird. Mit Rainer Ahlschwedt, Urte Alfs, Mechthild Barth, Lucian Busse, Ingo Ehrlich, Yana Höhnerbach, Magnus Schmitz, Rune Schweitzer u.a.
In dieser Arbeit werden ausgewählte Werke der Coen-Brüder und stellvertretende Filme des Italowesterngenres auf musik- und tonästhetische Parallelen untersucht. Die ausgewählten Filme werden auf gemeinsame Merkmale, welche unter tongestalterischen, symbolischen und dramaturgischen Gesichtspunkten betrachtet werden, untersucht. Die Ergebnisse der Analysen werden im Anschluss auf Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen den jeweiligen Analyseobjekten überprüft. Die Parallelen zwischen den Analyseobjekten bestehen im Einsatz von Stille als tongestalterisches Mittel, sowie der Verwendung von Wind- und Wassersymbolik. Außerdem werden Parallelen in der Verbindung von Musik und Charakteren aufgezeigt.
Der Hauptcharakter im Film
(2016)
Jeder kennt das Gefühl, unbefriedigt aus dem Kino gehen. Oder wir schalten den Fernseher einfach ab, weil uns irgendetwas in dem Film nicht passt. Aber was genau ist der Grund dafür? Gibt es eine Gemeinsamkeit in allen Filmen, die für den Zuschauer nicht funktionieren? Woran liegt es, wenn wir uns langweilen – wenn uns das Gesehene nicht berührt? Und andersherum gefragt: Was ist es, das Filme ausmacht, die wir fasziniert bis zum Ende sehen – Filme in denen wir etwas fühlen? Einige Drehbuchautoren sagen: auf die Figur im Film komme es an (Vgl. Halperlin, Michael 1996, Writing great Characters, Lone Eagle Publishing Co. Los Angeles, USA S. 22). Wenn wir uns mit der Hauptfigur nicht identifizieren können, interessiere uns der Film nicht. Im Folgenden möchte ich die wichtigsten Parameter zur Identifizierung mit dem Filmcharakter herausarbeiten und die Figur Franz aus dem Drehbuch Hingabe (AT) auf die Erfüllung dieser Regeln hin überprüfen, um herauszufinden, ob der Zuschauer der Reise von Franz im Film interessiert folgen wird oder nicht.
Die Bachelor-Arbeit "Vom Sklaven zum Superhelden: Die Entwicklung des Rollenprofils Afroamerikaner in Hollywood" stellt die politische Entwicklung der Bürgerrechtsbewegung in den USA der Entwicklung des Rollenprofils Afroamerikaner gegenüber. Über die Filme "Vom Winde verweht", "Flucht in Ketten", "In der Hitze der Nacht", "Foxy Brown" und "Glory" sowie die Karrieren von Denzel Washington, Will Smith und Jamie Foxx werden die Veränderungen in der Besetzung afroamerikanischer Schaupieler in Hollywood dargestellt. Gleichzeitig bietet die Arbeit einen Ausblick auf kommende Projekte und Tendenzen zur Besetzung von Minderheiten in Hollywood.
Der Faktor Zeit
(2010)
Als Cutter und in diesem Sinne auch in seiner Funktion, ist man oft konfrontiert mit der banalen Diskussion um den Frame. Ja tatsächlich gibt es Millionen Möglichkeiten einen Film zu schneiden. doch der Frame, das Einzelbild, ist doch nicht genau genug um es Wert zu sein darüber zu diskutieren. Ein Cutter , oder zumindest die Montage so Deleuze, ist das Gedächtnis des Films. Nur in ihm kann sich und sollte sich die Zeit manifestieren. Die folgenden Seiten sollen den Anspruch haben einen Einblick zu geben in die Welt der Zeit und somit einen wichtigen Aspekt des Films zu beleuchten.
In dieser film- und kulturhistorischen Darstellung von Kindheit, Jugend und Film erfolgt eine Archäologie und Systematisierung möglicher Kinder- und Jugendspielfilmproduktionen während der Weimarer Republik. Dabei stehen zwei zentrale Fragen im Mittelpunkt: Gab es eine spezielle Kinderfilmproduktion in der Weimarer Zeit und inwieweit konnte das große Interesse an Kinder- und Jugendthemen erste Impulse für eine aufkommende Kinderfilmtradition in Deutschland geben? Ausgewählte Filmbeispiele werden aus einer filmgeschichtlichen Perspektive diskutiert, die den Kinder- und Jugendspielfilm kulturgeschichtlich kontextualisieren und verstärkt die Wechselverhältnisse zwischen Kindheit, Jugend und Film in den Blick nehmen. Wie veränderten sich die Vorstellungen von Unterhaltung und Bildung, von Kindheit und Jugend in der Weimarer Republik und wie wirkte sich dies auf die Spielfilmproduktion aus?
Gegenstand dieser Arbeit ist die Auseinandersetzung mit der audiovisuellen Filmgestaltung und deren Wirkung sowie mit den zugrunde liegenden Wahrnehmungsprozessen. Trotz der, durch komplexe Herstellungsprozesse und individuelle Rezeption bedingten, unbestrittenen Einmaligkeit eines jeden Werkes, gibt es offensichtlich Filme, die von der Mehrheit der Zuschauer als packender, emotional berührender bzw. spannender empfunden werden, als andere. Die Arbeit zeigt, wie sehr dieser spezifische Eindruck von der Gestaltung des Films abhängen kann, und wie sich diese und der Inhalt eines Films gegenseitig bedingen. Es werden Theorien und Modelle zur Wirkung der Gestaltung von Bild und Ton betrachtet und eigene Überlegungen zur Kategorisierung von Gestaltungsweisen anhand deren emotionaler Wirkung auf den Betrachter vorgestellt. Diese Arbeit soll einen Beitrag dazu leisten, die emotionale Wirkung von Filmen besser beschreiben zu können.
Diese Arbeit beschäftigt sich damit, in welcher Weise das ästhetische Grundprinzip Naturalismus (Naturnachahmung) sich im Animationsfilm wiederfindet. Gegenstand ist die visuelle Gestaltung von Filmen: die Darstellung von Raum und Dreidimensionalität, die Figurengestaltung sowie das für die Animation maßgebliche Moment der Bewegung. Mitberücksichtigt werden Auswirkungen der visuellen Form auf die Erzählweise. Die Arbeit hebt dabei ab auf den abendfüllenden und auf ein Massenpublikum zielenden US-amerikanischen Film: Ausgangspunkt bildet das Werk von Walt Disney. Ziel ist es zu verdeutlichen, daß das Prinzip der Naturnachahmung sich hier nicht nur in besonderem Maße Geltung verschafft, sondern durch die Integration digitaler Bilder noch vorangetrieben wird. Die Entwicklung führt dabei vom Zeichentrickfilm weg und hin zum rein 3D-computergenerierten Film. Die Konsequenz: Der seinem Wesen nach artifizielle Animationsfilm nähert sich dem Realfilm an. Naturalismus in seiner extremsten Ausprägung mündet in Hyperrealismus. Hyperrealistische Tendenzen zeigen sich auch in Gestalt der computergenerierten visual effects im Realfilm, die diesen – praktisch in einer umgekehrten Bewegung – an die Ästhetik des Animationsfilms heranführen. Am Ende steht eine Hybridform aus Animations- und Realfilm.
Traumsequenzen
(2007)
Die vorliegende Arbeit setzt sich mit der Darstellung von Träumen im Film auseinander. Dabei liegt der Schwerpunkt auf Sequenzen von Träumen, die in Bezug zu einer erzählten Realität stehen und in diese Rahmenhandlung eingebettet sind. Bei der Auseinandersetzung geht es mir weniger um die allgemeine Analogie von Traum und Film oder Filme, die als ganze als Traum gedeutet werden können. Vielmehr interessieren mich definierte Traumsequenzen in einer filmischen Wirklichkeit. Ausgangspunkt dieser Arbeit ist mein Diplomfilm Deutschland. Deine Lieder, dessen Szenenbild ich entworfen und realisiert habe. Dieser Film enthält Traumsequenzen: Die Protagonisten fliehen aus ihrer Realität in eine Traumwelt. Diese Sequenzen waren der spannendste Teil meiner szenografischen Auseinandersetzung und stellten einen besonderen Reiz dar, mich in dieses Thema zu vertiefen. Wir kennen diese Momente, in denen man in einen Tagtraum abgleitet und Vorstellungen „wie ein Film“ an einem vorbei ziehen. Viele Menschen können sich auch an ihre Schlafträume erinnern. Doch beginnt man zu überlegen, wie der Traum genau aussah und wie man ihn filmisch umsetzen könnte, bleibt man oft im Ungewissen. Fing mein Traum jetzt mit einem Reisschwenk an oder eher mit einer Lochblende? Hatten die Ränder Unschärfen? War er farbiger als die Realität oder in schwarz-weiß? War es dunkel oder hell? War es eine Doppelbelichtung von der Phantasievorstellung und der Realität? Hatte ich einen subjektiven Blick oder sah ich mich von außen? Und sieht es vielleicht bei jedem anders aus? Ist der Versuch diese Zustände darstellen zu wollen, ein Versuch, der echten Wahrnehmung so nah wie möglich zu kommen oder ist es eine Frage des visuellen Standpunktes? Faszinierend finde ich die Möglichkeiten der Visualisierung dieser Bewusstseinszustände im filmkünstlerischen Schaffen. Wie sehen Traumsequenzen im Film aus? Welche künstlerischen Formen gibt es? Und wie verhalten sich die Darstellungen von Träumen in den Jahrzehnten der Filmgeschichte zu seinen gesellschaftlichen Bedingungen? Welche sind die unterschiedlichen Funktionen und technischen Möglichkeiten? Die schriftliche Arbeit ist in zwei Teile gegliedert. Im ersten Teil untersuche ich empirisch die visuelle Umsetzung von Traumdarstellungen im Film an einigen ausgewählten Beispielen aus verschiedenen Jahrzehnten der Filmgeschichte. Ergänzend dazu beleuchte ich ein Beispiel aus dem Bereich der inszenierten Fotografie. Im zweiten Teil stelle ich die szenografische Konzeption meines Diplomfilms Deutschland. Deine Lieder mit besonderer Aufmerksamkeit auf die darin vorkommenden Traumsequenzen vor.