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Die Studie widmet sich der Frage, wie ein Film mit Erinnerungen verwoben sein kann, sowohl auf Ebene der Produktion als auch der Rezeption. Als Fallbeispiel dient hierfür Konrad Wolfs ICH WAR NEUNZEHN, der in Grundzügen auf Wolfs autobiografischen Erlebnissen vom Ende des Zweiten Weltkrieges beruht. Im Theorieteil (Kapitel 2) werden dazu Erinnerungs- und Gedächtnis-Konzepte, insbesondere des autobiografischen, sozialen und kulturellen Gedächtnisses, wie auch der Begriff des Erinnerungsfilms und seiner Ergänzungen herausgearbeitet. Die darauffolgende Analyse erfolgt in zwei Schritten: Zunächst wird im Kapitel ‚Erinnerung im Film‘ ermittelt, welche individuellen, strukturellen und sozialen Bedingungen vorlagen, an was und wie im Film erinnert wird. Dazu erfolgen eine detaillierte Analyse der Drehbuchgenese und eine Betrachtung der visuellen und auditiven Gestaltungsmittel. Anschließend werden im Kapitel ‚Erinnerung durch den Film‘ Rezeptionsweisen zunächst im Jahr der Veröffentlichung 1968 und schließlich in einer Gegenwartsperspektive aufgedeckt. Hierfür werden die Methoden einer Inhaltsanalyse und der qualitativen Fokusgruppenbefragung angewandt. Dabei stellt sich auch hier die Frage, auf welchen Gedächtnisebenen erinnert wird und welche Sinnangebote zu welcher Zeit und in welchem Zusammenhang relevant sind. Abschließend werden aus den Erkenntnissen Überlegungen zu Präsentation und Vermittlung von ICH WAR NEUNZEHN im Filmkulturerbe-Kontext abgeleitet.
Ein Großteil des Films “Saint Omer” (FRA, 2022) nimmt den Strafprozess von Laurence Coly in den Fokus, die wegen der Tötung ihres eigenen Babys auf der Anklagebank sitzt. Weil diese Tat im Konflikt mit den moralischen und ethischen Normen einer jeden Gesellschaft steht, ist mit Abneigung und Distanz auf Seiten des Publikums gegenüber der Hauptfigur zu rechnen. Doch der Film „Saint Omer“ schafft genau das Gegenteil, wie zahlreiche Zuschauerbewertungen bezeugen. Die französische Regisseurin Alice Diop eröffnet in ihrem Werk eine Vielzahl an Möglichkeiten, die in emotionaler Anteilnahme mit der Angeklagten im Film resultieren können.
In diesem Kontext stellt sich die Frage: Wie kann eine Demontage von Hierarchien in der Filmproduktion aussehen? Welche Chancen und Herausforderungen sind damit verbunden? Anhand der anarchistischen Theorie und der Praxis des Commoning beschäftigt sich die vorliegende Arbeit mit alternativen Ansätzen des Filmemachens. Dabei steht die kritische Reflexion über herkömmliche Strukturen im Fokus, ebenso wie Beispiele kollektiven Arbeitens, die neue Räume für kollektive Kreativität schaffen können.
Animierte Raumwelten
(2024)
Dies ist eine Masterarbeit mit dem Thema Animierte Raumwelten. Die Arbeit gibt einen kurzen Überblick über die Geschichte der Videokunst und vertieft sich dann in einige Künstler und ihre immersiven und animierten Videoinstallationen. Die Arbeit befasst sich mit Themen wie Projection Mapping, immersive animierte Videoinstallationen, Expanded Cinema, Time Based Art - zeitbasierte Kunst, Videoprojektionen als Szenografie und dem Unterschied zwischen Kunst und Spektakel. Unter den Künstlern, deren Werke und Arbeitsprozesse in dem Werk beschrieben werden, sind Nathalie Djurberg och Hans Berg, William Kentridge, Ayako Tabata - Tabaimo, Nam June Paik, Studio Azzurro, Tony Oursler, Lis Rhodes, Omer Fast, Ed Atkin, László Moholy-Nagy, Josef Svoboda, Suzan Pitt, Pipilotti Rist und Refik Anadol.
Diese Arbeit untersucht die Möglichkeiten von Animation als Medium für die Konstruktion von Welten und den Aufbau von Erzählungen zur Darstellung des Phänomens ‚Queerness‘. In den Mainstream-Medien ist das Thema Queerness Regulierungsmechanismen unterworfen, welche gleichzeitig positive Darstellungen behindert und Geschichten einschränkt, die sich um Queeroder LGBTQIA+ Figuren drehen oder in deren Mittelpunkt stehen. Anhand der Analyse kurzer unabhängiger Animationsfilme und ihrer künstlerischen Freiheit zeigt diese Studie unterschiedliche Erzählmöglichkeiten und verschiedene visuelle Sprachen auf, die angewendet werden, um authentische Geschichten über verschiedene queere Lebenserfahrungen zu erzählen. Durch die Betrachtung dieser Geschichten aus dem Blickwinkel der Queer-Theorie zeigt dieser Text, wie die Filme die in unserer Realität existierenden Systeme der Unterdrückung von queeren Menschen aufdecken und dagegen argumentieren. Abschließend wird die Bedeutung und Relevanz dieser imaginierten Welten im Verhältnis zu unserer eigenen herausgearbeitet.
Das Ziel dieser Arbeit ist es, basierend auf dem aktuellen Stand und der Entwicklung der KI-Animation die KI-Charakteranimationsgenerierung genauer zu betrachten, um das kommerzielle Potenzial der KI-Animation, aber auch die Unzulänglichkeiten der Kunstform und ihre Auswirkungen zu analysieren, die die Technologie auf die traditionelle Animationsindustrie haben kann.
More and more governments open their data to the general public in data portals.
Visualizations are embedded in the portals to support utilization for different levels
of skill sets of the users.
However, much effort is needed for citizens to access and use the portal and the visualization.
In light of issues like the climate crisis, such data portals are hardly a sufficient
way to communicate the relevant issues hidden in the open government data
(OGD).
Situated data physicalizations are a promising way to represent data locally and to
make invisible issues graspable. This design study investigates how to situate OGD
within the physical space through data visualization and physicalization. To develop
design goal, a user study evaluating an existing OGD visualization and a co-design
study with domain and visualization experts creating ideas and representations of the
data are conducted.
The design goals show the need to communicate in a situated data physicalization
reasons for and measures against the problem and why one should care about it.
Moreover, it should use visualizations, language, and physicalizations with the aim of
creating an understanding of the issue. The second step is to support the audience in
relating to the data, for which localization, interactions, participation, physicalizations,
and an event-based character are recommended. The design goals are embodied
in a design, which is an installation about the sinking groundwater levels in Berlin.
The thesis shows how investigating an existing OGD visualization leads to essential
design considerations for communicating the underlying data to citizens through
situated data physicalizations.
This report provides a detailed explanation of the technical and methodological aspects of the policies-related work package of the GEP-Analysis project. The “Policies” team identified and analysed recent policies related to gender equity in the film and TV industries of Canada, Germany and the UK. In addition, the Team undertook 34 interviews with film and TV industry experts. This report explains the search methodology used to identify policies included in our analysis; the use of a bespoke Policy Analysis Framework to collected and analyse policy information; the identification of industry experts, design of interview questions and qualitative analysis of expert interviews.
This report offers an in-depth elucidation of the technical and methodological aspects concerning the numerical aspects within the GEP Analysis project's work package. The objective of the "Numbers" team was to investigate how the numerical underrepresentation of women professionals in crucial creative roles within the film industry has evolved over the past ten to fifteen years across Eurimages countries. Furthermore, our aim is to determine the extent to which industry-specific factors, such as gendered team structures or film funding mechanisms, impact the numerical underrepresentation of women in the film sector. In doing so, we seek to present empirical evidence that can contribute to informing policy changes at both the national and European levels.
This report offers a comprehensive overview of the technical and methodological aspects of the network analysis segment within the GEP Analysis project. It describes in detail the process of preparing and examining collaboration networks within the three case study countries: Germany, the UK, and Canada. The report addresses key methodological considerations for employing both "What is?" and "What if?" analyses to simulate the effects of various hypothetical equity interventions on the networks. We report on the three steps involved in preparing this analysis: adapting the annotated Lumiere dataset (see Prommer, Radziwill, and Ehrich 2024) into structured tables for films, people, and their respective roles, followed by disaggregating these datasets for each country and then constructing collaboration networks using affiliation and adjacency matrices. The report then elaborates on the diverse analytical approaches applied to these networks, including assessments of gendered homophily, recurring cohesion, and key dyads. It concludes by presenting how we undertook an evidence-based evaluation of the intervention impacts on the networks through centrality analysis, focusing particularly on measures such as degree, eigenvector, betweenness, and closeness.
The Technical Appendix complements the information found in the Re-Framing the Picture report, which offers unique insights into the history of gender inequality in the film industries. It also highlights the limited impact of numerous policy initiatives aimed at addressing this inequality and suggests potential paths forward.
This Technical Appendix provides in-depth information on how data was collected, analysed, and interpreted within the GEP Analysis project. It guides the reader through each subproject, detailing the methodologies and analyses employed. The exploration of gender equity and gender equity policy unfolds from three perspectives, synthesising results from diverse methods:
Firstly, a content analysis of policies and industry interviews investigates how gender equity policies are formulated and utilised by industry professionals and policymakers. The first technical report “The Policies” (Guyan, Eikhof, and Coles 2024) provides technical specifics regarding data collection, analysis of gender equity policies, and supplementary interviews.
Secondly, a statistical analysis examines the numerical representation of women and men in key creative roles. The second technical report, "The Numbers" (Prommer, Radziwill, and Ehrich 2024), outlines the collection and analysis of the dataset mapping European and Canadian film releases along with the key creatives involved.
Thirdly, a social network analysis scrutinises policy interventions' impact on the representation of women and gender minorities in key creative positions. The third technical report, "The Networks" (Jones, Dadlani, and Verhoeven 2024), elucidates the approach taken to prepare and analyse collaboration network datasets generated in the GEP Analysis project.
Re-Framing the Picture presents research from the “Gender Equity Policy (GEP) Analysis” project. Building on a substantial corpus of studies and data evidencing the long history of gender inequity in the international film sector, the international team of researchers located in Germany, the UK and Canada has designed an innovative, interdisciplinary approach with the aim to “assess, understand, and model the impact of gender equity policies (GEP) in the film industry”. To re-frame the picture of gender equity in film industries, they studied the policies, practices and norms that constrain equitable industry structures.
The report presents in-depth insights from three different perspectives: The Policies, the Number, and the Networks. The researchers combine an in-depth analysis of existing gender equity policies, using a specifically designed policy analysis framework and interviews with industry experts, with a quantitative analysis that looks more closely at industry data and the structures it reveals. Finally, a social network approach helps understand how different interventions might reduce the dominance of men in the three case film industries (Germany, the UK and Canada) by modelling the impact of hypothetical policies.
They find that 1) fighting gender inequity remains a long-haul endeavour, 2) no one-size-fits-all solution exists, 3) policies need to be intentional and structural, 4) and we should expand the reach of policies that make access to, for instance, funding or awards nominations dependent on progress towards gender equity.
Im Zentrum der vorliegenden Arbeit steht das Konzept der Körperfestung, wie von Susan Sontag definiert, das die Stärkung der individuellen Körpergrenzen und die Ausgrenzung von sogenannten „Risikogruppen” aus der Sphäre des politischen Körpers während der AIDS-Krise beschreibt. Es wird argumentiert, dass Horrorfilm als gesellschaftsbildende Instanz dieses Verhältnis metaphorisch ausdrückt. Folgend wird das AIDS-Monster als analytische Kategorie entwickelt, um diesen Sachverhalt hinsichtlich ästhetischer und narrativer Konventionen im Horrorfilm nachzuzeichnen. Körperhorror wird als besonderer ästhetischer Modus hervorgehoben und einer Analyse durch Konzepte der ästhetischen Philosophie geöffnet, um nachzuvollziehen, wie die Dekonstruktion des Körpers im Horrorfilm die Rezipient:innenwahrnehmung affiziert. Dabei stellt sich heraus, dass Körperhorror als durchdringende Erfahrung das Sublime beschwört und im begrenzten Zeitraum der Sichtung ein Zusammenbrechen der Strukturen des Sinnschaffens bedingt, auf welches jedoch ihre Reinvigoration folgt. Abschließend wird der Körperhorror der Filme HELLRAISER und HELLBOUND: HELLRAISER II durch die Linse des Posthumanen Gothic gelesen. Es wird ersichtlich, dass die menschlichen Figuren nicht nur ein Aufgehen in der Sphäre des Abjekten der Filme begehren, sondern auch dass ihr Selbstverständnis als unabhängige Individuen fehlerhaft ist. Die Perspektive des Posthumanen Gothic erlaubt es die Figuren als auf dem Spektrum Mensch/Monster ambivalent zu verstehen und über die lustvolle Inszenierung von Prozessen des Miteinander-werdens die Legitimation der Körperfestung durch den Horrorfilm zu problematisieren.
Montage und Poesie
(2023)
Ich möchte meine Bachelorarbeit der Beziehung von Schrift und Film widmen, denn es ist ein Thema, das mich schon immer sehr interessiert hat. Und damit meine ich nicht das Schreiben über Filme a posteriori, sei es in Form von Filmkritik oder Filmtheorie, und auch nicht das Schreiben von Drehbüchern, also dem schriftlichen Embryo eines Films. Mir geht es vielmehr um das Verhältnis zwischen jeweils der Schrift und dem Film als eigenen Kunstformen. Grob gesagt:Um das Verhältnis zwischen Literatur und Kino.
In Gesprächen von Filmschaffenden sind Begriffe wie ‚poetischer Film‘ und ‚poetische Bildgestaltung‘ oft zu hören – vor allem wenn es um die Filme des Regisseurs Andrej Tarkowski geht. Aber was genau ist eigentlich ein poetischer Film? Gibt es bestimmte Gestaltungsweisen, die poetische Filme benutzen? Was ist poetische Bildgestaltung und wie funktioniert sie? Die vorliegende Arbeit taucht mit diesen Fragen in die Filme und die Gedanken zum Filmemachen von Regisseur Andrej Tarkowski ein und versucht dabei die zentrale Frage zu beantworten: Schaffen es besonders Filme mit poetischer Bildgestaltung, bleibende Bilder zu erzeugen? Und wenn ja, wie?
Filmuni proudly presents #03
(2023)
Filmuni proudly presents #02
(2022)
Wände weg! Eine Untersuchung der dramaturgischen Funktionen von direkter Ansprache ans Filmpublikum
(2023)
Die vorliegende Arbeit befasst sich mit dem Brechen der Vierten Wand in Film und Serie in Form von direkten Ansprachen ans Publikum oder Kamerablicken. Das Ziel ist, die verschiedenen dramaturgischen Funktionen und Wirkmechanismen dieses filmischen Mittels zu erörtern. Hierzu erfolgt eine Einteilung in die Bereiche Verfremdung, Verstörung, Komplizenschaft, Subjektivität & Unzuverlässiges Erzählen und Komik. Zu jeder dieser Schlüsselfunktionen werden möglichst verschiedene Film-/ oder Serienbeispiele aus unterschiedlichen Epochen der Filmgeschichte zur Analyse herangezogen. Anschließend werden die beiden aktuellen Beispiele „Enola Holmes“ und „Fleabag“ untersucht, die sich nur unzureichend in eine der genannten Kategorien einteilen lassen. Im Sinne einer zielführenden Untersuchung des Themas werden die Beispiele nicht gesamtdramaturgisch und filmästhetisch, sondern mit starkem Fokus auf den Einsatz des Brechens der Vierten Wand analysiert. Abschließend werden die Ergebnisse zusammengetragen, um sich der Frage anzunähern, unter welchem Umständen dieses Mittel besonders starke Wirkung entfalten kann, und schließlich wird ein Ausblick darauf gegeben, welches eventuell noch nicht ausgeschöpfte dramaturgische Potential darin liegen könnte.
Stop Motion Games Wie handgemachte Puppen und Sets in Computerspielen eingesetzt werden können
(2023)
Viele Computerspiele nutzen in der Gestaltung entweder 2D-Grafiken oder 3Dgerenderte Umgebungen und Figuren. Es gibt jedoch einige wenige Spiele, die das Aussehen eines Stop-Motion-Films haben. Die Arbeit mit dieser Technik unterscheidet sich von der Arbeit mit digitaler 2D- und 3D-Animation dadurch, dass physische Materialien verwendet werden und echte Puppen, Sets und Licht eingesetzt werden. Welche Arbeitsschritte sind für die Umsetzung eines Stop-Motion-Spiels nötig? Im Rahmen dieser Arbeit wurde ein Spielprototyp erstellt, um diese Frage zu beantworten. Zwei verschiedene Arten, die Figur zu animieren, wurden praktisch umgesetzt. Der erste Ansatz nutzt echte Stop-Motion-Animation. Der zweite Ansatz basiert auf 3D-Scans von Stop-Motion-Figuren. Außerdem spielen die Herangehensweise für die Erstellung von 3D-Hintergründen sowie die Einbettung der Stop-Motion-Animationen in ein 3DSpiel in dieser Arbeit eine Rolle.
Wie werden Menschen aus der unteren Klasse im Film repräsentiert? Sterotyp? Klischeehaft? Differenziert? Wie sehen sie aus, wie sprechen sie, welche Entwicklung machen sie durch im Laufe der Handlung? In dieser Arbeit geht es nicht nur um das „was“ der Repräsentation, sondern auch um das „wie“. Es muss ein Bezug zwischen den beiden hergestellt werden, um zu verhindern, dass die Lösung für mehr Sichtbarkeit ist, dass einfach nur mehr Figuren in Filmen und Serien auftauchen müssen, die die untere Klasse repräsentieren. Das Ziel ist es, eine detaillierte Analyse der beiden Filme „Fack ju Göhte“ und „Sonne und Beton“ durchzuführen, um die Relation zwischen dem „was“ und dem „wie“ der Repräsentation herauszuarbeiten.
... Angst und Unsicherheit sind auch ein großer Bestandteil der künstlerisch-schöpferischen Arbeit und begleiten die Künster*innen im gesamten Prozess. Für mich als Filmregisseur sind Ängste und Unsicherheiten im Filmemachen ein sehr persönliches und sensibles Thema, womit ich mich oft beschäftige. Da sich Viele mit dem Thema Angst und Unsicherheit im Filmemachen identifizieren können, habe ich beschlossen diesem Thema meine Bachelor Arbeit zu widmen...
Visualizing Critical Infrastructures for Citizens: a Combination of Knowledge Transfer and Art
(2023)
In this research the challenges and opportunities of visualizing critical infrastructures for citizens are discussed. Critical infrastructures are foundational to urban social and economicactivities. They require constant maintenance and are influenced by external factors, such as changes in political decision-making, or fluctuating population numbers. In the last decades, the climate crisis and its ramification has also played a major role in shaping them. This is particularly true for critical infrastructures such as urban water management systems, which provide citizens with clean drinkable water while remaining largely invisible. At the same time, they are at risk of being heavily impacted by extreme weather events. In the light of these problems, there is a growing necessity to communicate these critical infrastructures to citizens ensuring transparency of political decision-making, as well as public awareness on water conservation and the allocation of public funds. Policy-makers have expressed difficulties in conveying current and future issues around the urban water infrastructure, due to a lack of communication resources. Visualizations have proven to be an effective tool in breaking down complex issues. Therefore, how does the interplay between knowledge transfer and art help in visualizing critical infrastructures?
In dieser Bachelorarbeit untersuche ich die Rolle des Zufalls in Hinblick auf meinen Abschlussfilm. Ich argumentiere für seine Rolle als kreativen Impuls. Mittels Filmen der handgemachten Animation der Künstler/innen Len Lye, Schmelzdahin, Man Ray und Caroline Leaf analysiere ich zudem den Aspekt der materialbedingten Unvorhersehbarkeit und Innovation.
Die Bachelorarbeit „Violence Sells?“ beschäftigt sich mit der Frage, ob die öffentlich rechtlichen Fernsehsender in ihrem Ringen um Reformen, Selbstverständnis und zu weilen auch Legitimation, ihren eigentlichen Auftrag, einen wesentlichen Beitrag zu einem demokratischen, gesellschaftlichen Diskurs und Zusammenhalt zu leisten, zu Gunsten der Wettbewerbsfähigkeit vernachlässigen und diesem in der häufig gewaltgeprägten Gestaltung ihrer fiktionalen Programme möglicher Weise sogar zuwider handeln. Ziel der Betrachtung dieses Spannungsfeldes zwischen gewaltgeprägter Programmgestaltung, der erklärten gesellschaftlichen Verantwortung und der vielfach diskutierten Neuausrichtung und -strukturierung der Sender ist, die große und besondere Relevanz der öffentlich rechtlichen Fernsehsender heraus zu arbeiten und ihr Potenzial, vor allem aber auch ihre gesamtgesellschaftliche Verantwortung zu definieren. Diese soll im Kontext der Reformdebatte fruchtbar gemacht werden. Neben der Analyse der genannten Debatte soll die spezifische Betrachtung der Darstellung von geschlechtsspezifischer und sexualisierter Gewalt als Brennglas dienen, um die Dynamiken und die gesellschaftlichen Dimensionen von Fernsehunterhaltung nachzuvollziehen.
Ist es als Mensch möglich einen Blick auf Tiere zu entwickeln, der über Anthropomorphismen hinaus reicht? Kann ich auf Tiere blicken ohne dies als Mensch zu tun? Wie kann dieser Blick aussehen? Diesen Fragen geht die Arbeit TIERPERSPEKTIVEN anhand von exemplarischen filmischen Arbeiten und Beispielen aus der Philosophie nach. Es ist der Versuch menschlicher Projektion und Wertzuschreibung auf Tiere etwas entgegen-zusetzen. Und am Versuch nicht zu anthropomorphisieren immer wieder daran zu scheitern. Davon wie es sich anfühlen mag eine Fledermaus oder eine Ziege zu sein.
Können Romantische Komödien nur mit heterosexuellen Hauptfiguren funktionieren? Wie verändern sich diese Filme, wenn Ihre Hauptfiguren in nicht-heteronormativen Beziehungsmodellen leben bzw. diese verkörpern? Anhand von Bros und Fire Island werden diese Fragen untersucht, die Bestandteile einer Romantischen Komödie verglichen und auf ihr queeres Potential hin analysiert.
Den FAIR FESTIVAL AWARD 2020 erhält das Kinofest Lünen aufgrund der besten Bewertung (3,78 von 4) eines Festivals in Deutschland durch seine Mitarbeiter*innen. Ebenfalls durch die Mitarbeiter*innen als fair bewertet wurden das Pornfilmfestival Berlin, die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen, das Internationale Kurzfilmfestival Hamburg, das Internationale Frauenfilmfest Dortmund|Köln und das Filmfestival Max Ophüls Preis. Diese fünf Festivals erhalten die Auszeichnung Faires Festival.
Der FAIR FESTIVAL AWARD wird anhand der Fairness-Performance eines Festivals ergeben. Zur Beurteilung der Fairness wurden Festivalarbeiter*innen gebeten, ihre Festivals mithilfe einer Umfrage in mehreren Kategorien einzuschätzen: (A) Vertrag, (B) Arbeitsbedingungen, (C) Kommunikation, (D) Führung, (E) Arbeitsklima, (F) Mitbestimmung, (G) Chancengleichheit, (H) Gleichbehandlung und (I) Entlohnung. Die Befragten konnten ihr jeweiliges Festival in jeder Kategorie auf einer 4-stufigen Skala (fair – eher fair – eher unfair – unfair) bewerten.
Die FAIR FESTIVAL AWARD-Umfrage 2020 wurde als Kooperationsprojekt von Prof. Dr. Skadi Loist und Sarah Herbst an der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF und der AG Festivalarbeit in ver.di durchgeführt. Ziel der Umfrage war es, das fairste Filmfestival in Deutschland zu küren sowie das nur spärlich dokumentierte Feld der Arbeitsbedingungen bei Filmfestivals zu untersuchen. Die Filmfestivallandschaft in Deutschland ist wissenschaftlich kaum erschlossen. Es gibt keine grundlegenden Daten zur Branche, die herangezogen werden können.
Dieses Projekt hat sich zum Ziel gesetzt, die Festivalarbeiter*innen zu ermuntern, die eigenen Arbeitsbedingungen zu hinterfragen. Das Branchenbild, das durch die ermittelten Daten zustande gekommen ist, kann dazu beitragen, besser auf die Belange der Branche einzugehen.
Die Umfrage verlief in zwei Befragungsphasen (Februar–Mai 2020 und November–Dezember 2020) und enthielt Fragen zur Ermittlung des Fairnessbewertung sowie Fragen zu den Arbeitsbedingungen beim eigenen Festival.
Die Daten aus der Umfrage zum Themenbereich Arbeitsbedingungen zeigen, dass in der
Filmfestivalbranche eine ausgeglichene Altersstruktur auf eine unausgeglichene
Geschlechterverteilung mit einer weiblichen Mehrheit trifft. Von den Befragten arbeiten 40% (n=98) bereits seit 4 bis 10 Jahren in der Branche. Wird die Dauer der Tätigkeit nach Geschlecht betrachtet, fällt auf, dass Frauen prozentual eine kürzere Berufserfahrung in der Filmfestivalbranche aufweisen als Männer. Ungefähr die Hälfte der Befragten arbeitet bei zwei oder mehr Filmfestivals pro Jahr und 81% geben an, bei dem selben Festival mehr als nur eine Tätigkeit auszuüben. Die Mehrheit arbeitet entweder angestellt (42%, n=84) oder als Selbstständige und Freie (39%, n=78) auf Honorarvertrag. Knapp die Hälfte der Befragten gibt an, dass sich Lob und Aufstieg nicht ausschließlich nach der Qualität der erbrachten Leistungen richtet. Insgesamt ist die Mehrheit der Teilnehmenden (59%, n=118) aber (eher) zufrieden mit dem Führungsstil ihrer Festivalleitung. Rund 80% (n=159) der Festivalarbeiter*innen haben noch keine Diskriminierung erlebt, die anderen 20% (n=40) geben vor allem Geschlecht oder Geschlechtsidentität als Diskriminierungsgrund an. Mit dem Einkommen aus der Festivalarbeit können 39% (n=78) der Befragten nicht ihren Lebensunterhalt bestreiten. Sie sind auf eine weitere Einkommensquelle außerhalb der Branche angewiesen. Dennoch wurde die allgemeine Fairness der Filmfestivalbranche durchschnittlich als eher fair bewertet.
Die erhobenen Daten sind aber keineswegs repräsentativ für die Branche. Sie ermöglichen lediglich einen Einblick in die Strukturen und vermitteln eine erste anschauliche Skizze über die Arbeitsverhältnisse in der deutschen Filmfestival-Landschaft. Für weitergehende Rückschlüsse ist eine größere repräsentative Erhebung nötig.
This thesis explores the concept of a terrain generating software, that can be controlled using natural language keywords. Ultimately, users should be enabled to create new sceneries for a virtual space in an easy and accessible process by defining keywords, which describe the desired landscape. To establish a foundational concept, this thesis examines core components for the algorithmic terrain generation, potential control mechanisms for the user, and the handling and interworking of keywords with control mechanisms.
In der Bachelorarbeit mit der Themenfrage Menschlich sein und tierisch werden – Darstellung und Bedeutung der Verwandlung in David Cronenbergs „The Fly“ (1986) wird auf Grundlage filmwissenschaftlicher, philosophischer, journalistischer und filmischer Quellen die Metamorphose eines Menschen hin zur überlebensgroßen Fliege untersucht. Die theoretische Auseinandersetzung wird in Relation zum Film gesetzt. Dabei stehen die Ich-Bildung des Protagonisten und seine Libido im Fokus. Theorien Jacques Lacans dienen als zentrale Basis; der Schwerpunkt liegt auf dem Lacanschen „Spiegelstadium“ und seinem Verständnis vom „Phallus“. „The Fly“ wird mit dem modernen Ursprung des Narrativs aus Franz Kafkas „Die Verwandlung“ (1915) verglichen. Des Weiteren soll die Perspektive der zeitgenössischen Filmkritik und die Analyse eines Trailers und zweier Poster eine umfassende und adäquate Einordnung des Filmes gewährleisten. Neben den Schlussfolgerungen wird auch ein Ausblick auf weitere anschließende Fragestellungen eröffnet.
David Lynchs »Mulholland Drive« verstehen. Visuelles Erzählen und die Dramaturgie der offenen Form
(2023)
»Mulholland Drive« (2001) von David Lynch ist ein Filmklassiker und ein Stück Popkultur. Seine Attraktion beruht vor allem auf der bedeutungsoffenen und »verrätselnden« Erzählweise, welche Zuschauende zur Interpretation einlädt. Christine Lang legt in einer detaillierten Studie dar, wie sich diese Rezeptionsbeziehung realisiert. Sie analysiert die narrative Struktur und die ästhetischen Strategien mit Methoden und Begriffen der Dramaturgie und macht den Film und seine avancierte Erzählweise dadurch inhaltlich nachvollziehbar.
Für den Film- und Medienunterricht in der Altersgruppe von 9 bis 13 Jahre bietet das Handbuch „FilmClique“ ein ausgearbeitetes Unterrichtskonzept für Lehrkräfte für ein ganzes Schuljahr, das aber auch flexibel angepasst werden kann. Das Handbuch reduziert den Aufwand der Unterrichtsvorbereitung erheblich, indem es ausgearbeitete Unterrichtspläne mit geeigneten Lehrmethoden, Vorlagen, Arbeitsblättern und Online-Verweisen zu Clips und Präsentationen liefert. Alle didaktischen Unterrichtsmethoden und Materialien sind optimal auf den Schulalltag und die Altersgruppe abgestimmt. Lehrer_innen sollen so einen unkomplizierten Zugang zu einem faszinierenden Unterrichtsgebiet erhalten, das eine zeitgemäße Form der Wissensaneignung für Schüler_innen darstellt. „FilmClique“ wurde im Rahmen eines BMBF-geförderten Projekts wissenschaftlich entwickelt und praktisch geprüft. Es unterstützt die Bedeutung der Filmbildung und Medienbildung für einen zukunftsfähigen Unterricht. Das Handbuch richtet sich auch an Lehrkräfte, die sich noch nicht intensiv mit dem Thema Medienbildung beschäftigt haben oder an solche, die kürzere Unterrichtseinheiten durchführen möchten.
Das Handbuch „ClassroomFilms“ bietet Lehrkräften ein ausgearbeitetes Unterrichtskonzept für den Film- und Medienunterricht in der Altersgruppe 13-16 Jahre für ein ganzes Schuljahr, kann aber auch flexibel angepasst werden. Es reduziert den Aufwand der Unterrichtsvorbereitung erheblich, indem es ausgearbeitete Unterrichtspläne mit geeigneten Lehrmethoden, Vorlagen, Arbeitsblättern und Online-Verweisen zu Clips und Präsentationen liefert. Alle didaktischen Unterrichtsmethoden und Materialien sind optimal auf den Schulalltag und die Altersgruppe abgestimmt. Lehrer_innen sollen so einen unkomplizierten Zugang zu einem faszinierenden Unterrichtsgebiet erhalten, das eine zeitgemäße Form der Wissensaneignung für Schüler_innen darstellt. „ClassroomFilms“ wurde im Rahmen eines BMBF-geförderten Projekts wissenschaftlich entwickelt und praktisch geprüft. Es unterstützt die Bedeutung der Filmbildung und Medienbildung für einen zukunftsfähigen Unterricht. Das Handbuch richtet sich auch an Lehrkräfte, die sich noch nicht intensiv mit dem Thema Medienbildung beschäftigt haben oder an solche, die kürzere Unterrichtseinheiten durchführen möchten.
Re-enactment ist der Akt der Neuinterpretation vergangener Ereignisse oder Handlungen. Der Akt der Neuinszenierung muss mit einer Zeit konfrontiert werden, die zu ihrem eigenen ursprünglichen Ereignis (der Vergangenheit) gehört, d h mit der "Rückkehr der Zeit". Die Rückkehr der Zeit ist nicht einfach eine symbolische Reproduktion von visuellen Elementen, sondern eine Neuinterpretation des ursprünglichen Ereignisses. Die Differenz, die in der Repräsentation bestehen muss, ist hier vorhanden. Sie ergreift die Initiative zur Interpretation in der Erinnerung. Die Kraft dieser Rückkehr der Zeit öffnet Zeit und Raum und verteilt die intellektuelle und sinnliche Wahrnehmung des ursprünglichen Ereignisses in der Praxis von Film und Kunst neu...
Ein Diskurs über angewandte Methoden des Schauspiels und der Dramaturgie in der Schauspielführung
(2023)
Anhand von Fünf Interviews von Regisseur:innen aus dem Film und Theaterbereich gehe ich der Frage nach, wie viel Einfluss verschiedene Methodiken aus dem Schauspiel und der Dramaturgie auf die jeweilige Arbeit des Regisseurs am Schauspieler haben. Dabei kommen unter anderem Meinungen über Brecht, Stanislawski und die Biomechanik vor. Die Interviews sind ineinander vermischt, dass es sich fast wie eine Diskussionsrunde liest. Die Regisseur:innen legen dazu verschiedenste Meinungen und Arbeitsweisen dar und finden doch immer wieder einen Konsens. Es wurden dabei keine scharfen Grenzen gezogen, dass auch über die Methodik hinaus Themen zur Schauspielführung besprochen werden.
Diese Bachelorarbeit beschäftigt sich mit dem Wechselspiel zwischen den Kinos in deutschen Kleinstädten und ihrem Publikum. Was zeichnet Kleinstadt-Kinos gegenüber großen Multiplex-Kinos in deutschen Großstädten aus und was macht die Beziehung besonders? Darüber hinaus wird erforscht, welche kulturelle Sonderrolle Kinos im ländlichen Raum neben dem Vorführen von Filmen hinaus erfüllen. Ein besonderes Augenmerkt wird auf die Interaktion mit dem Kinonachwuchs in Form von Kindern unter 12 Jahren gelegt
Ich freue mich, die Bachelorarbeit nutzen zu können, um der Frage nach der Aufgabe von Schauspieler*innen bei der Entstehung und im Endprodukt Videospiel auf den Grund zu gehen. Die folgenden Fragen legten den Grundstein für meine Hauptfragestellung: - Welche konkreten Arbeitsfelder gibt es? Wie sehen diese aus? - Was unterscheidet die schauspielerische Arbeit an Videospielen von anderen Arbeitsfeldern? - Hat die Branche (in Deutschland) eine Zukunft? Wie kann ich als Schauspieler*in den Weg in dieses Arbeitsfeld einschlagen?
Die vorliegende Masterarbeit erforscht Fan-Diskurse der Fantasyserie Der Herr der Ringe: Die Ringe der Macht auf TikTok. Die Ringe der Macht ist die neueste Instanziierung der transmedialen Herr der Ringe Welt, die auf den Büchern von J.R.R. Tolkien basiert. Die Ankündigung und das Erscheinen der Serie haben in der Fan-Community dieser transmedialen Welt sowohl sehr positive als auch sehr negative Reaktionen hervorgerufen, die in Sozialen Medien ausgetauscht wurden. Mithilfe einer quantitativen Kommentaranalyse sowie einer qualitativen Diskursanalyse erforscht diese Arbeit, welche Fan-Diskurse sich auf TikTok formiert haben und wie diese sich im Zeitverlauf der Bewerbung und Ausstrahlung von Die Ringe der Macht entwickelt haben. Grundlage der Analyse sind Kommentare von TikTok Videos des Fan-Experten Don Marshall. Aus den Analysen wird deutlich, dass die Fan-Diskurse von der Transmedialität der Serie und den Videos von Don Marshall als Paratexte beeinflusst werden.
Das Ziel der Arbeit ist Erkenntnisse über die Filmfinanzierung zu schaffen und darüber, welche damit verbundenen Schwierigkeiten es für Nachwuchsproduzent*innen gibt. Welche Probleme ergeben sich für Produzent*innen, welche noch keinen Langfilm produzieren konnten und dadurch natürlich auch noch keine Referenzen für Föderinstitutionen, sowie TV-Sender haben und was müsste sich ggf. ändern, um Nachwuchsproduzent*innen einen Einstieg in die Branche zu erleichtern.
This research discusses analogies between visual and musical elements in abstract generative artworks. When designed well, a viewer/listener is barely aware of receiving two distinct streams of perceptual cues, but instead experiences coherently fused audio-visual objects. This means that a salient relation between sonic and visual elements can be intuitively perceived, even in cases where the elements bear little morphological resemblance. This effect of audio-visual convergence is called synchresis. While there have been a number of publications analyzing sound-image relations in abstract audio-visual artworks, most of these publications are dedicated to linear forms of media. However, their findings do not address the specific challenges that arise in the process of creating related audio-visual elements in generative works. Such specific considerations include, for instance, the means of content generation and the establishment of a balanced overall composition. Here, this work provides a taxonomy to better describe audio-visual relations in artistic generative systems. With the knowledge gained, a generative art installation is conceived that successfully implements visual and musical elements with strong and intuitive correspondence, which combine into a coherent overall composition. In a secondary research focus, the thesis identifies certain visual and sonic parameters that can be modulated to evoke affective cues. This allows the creation of abstract audio-visual objects that seem to express basic affective states and thus appear alive to the viewer/listener.
In dieser Masterarbeit versuche ich mit analytischen Mitteln herauszufinden, welchen kompositorischen sowie orchestratorischen Regeln und Rezepturen der Score von „The Iron Giant“ folgt, die ihn auf emotionaler wie auch dramaturgischer Ebene so effektiv machen. Gibt es Leitmotive? Wann und aus welchen Gründen wird moduliert? Wie wird Transparenz in der Orchestration erzeugt? Diese und weitere Punkte lassen sich knapp unter der folgenden Fragestellung subsumieren : Wie funktioniert die Filmmusik in „The Iron Giant“?
Wie schafft es der Film "Porträt einer jungen Frau in Flammen" (2019) von Céline Sciamma, seine Zuschauenden emotional zu berühren? Eine Antwort auf diese Frage möchte die vorliegende Bachelorarbeit geben.
Es wird davon ausgegangen, dass insbesondere Filme mit einem gut ausgearbeiteten Thema, also mit einem klaren emotionalen Fokus, die Zuschauenden berühren. In einigen Filmen gelingt es, dass dieses Thema – oft auch mehrere Themen, die sich gut in Gegensatzpaaren darstellen lassen (z.B. Liebe vs. Hass) – nicht nur in der expliziten Dramaturgie (Handlungsgeschehen, Dialog, etc.) erzählt wird, sondern auch die implizite Dramaturgie (z.B. die Mise-en-scène) durchdringt.
Um herauszufinden, ob „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ zu diesen Filmen gehört, werden zunächst drei Themenpaare, die im Film verhandelt werden, aus der expliziten Dramaturgie abgeleitet. Im folgenden Hauptteil der Arbeit erfolgt zunächst ein Einstieg in die implizite Dramaturgie anhand einer Beispielszene. Anschließend wird analysiert, inwieweit die abgeleiteten Themenpaare auch in der impliziten Dramaturgie des Filmes herausgearbeitet und sichtbar werden.
Die Arbeit zeigt, dass Céline Sciamma ihr Werk „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ sowohl auf der Ebene der expliziten Dramaturgie als auch auf der Ebene der impliziten Dramaturgie thematisch völlig durchdrungen hat. Entstanden ist ein Film, der alle ihm verfügbaren dramaturgischen und filmästhetischen Gestaltungsmittel nutzt, um den emotionalen Fokus der Geschichte sichtbar und fühlbar zu machen. Entstanden ist ein Film, der berührt.
Filmische Darstellung prekär beschäftigter Care-Migrantinnen aus Peru am Beispiel von "Amador"
(2022)
Die Masterarbeit untersucht die filmische Darstellung von Prekarität betroffener peruanischer Care-Migrantinnen. Als exemplarisches Beispiel wird dafür der Film Amador (Fernando León de Aranoa, Spanien 2010) untersucht. An diesem wird untersucht, wie die Lebensumstände der Hauptfigur im Film dargestellt werden bzw. inwiefern die Faktoren, die sie benachteiligen, sichtbar gemacht werden. Mithilfe von Jens Eders Figurenanalyse-Modell, der Uhr der Figur, wird herausgearbeitet, inwiefern das Werk der Figur Komplexität verleiht. Ein zentraler Befund lautet hier, dass der Film als Plattform dient, die Ethnisierung, Vergeschlechtlichung und die Zuweisung von Care-Arbeit an Migrant*innen sichtbar zu machen bzw. dass er einen hohen Realismus- und Komplexitätsgrad erreicht. Gleichzeitig wird dargelegt, inwiefern dadurch, dass bei der Gestaltung der Figureneigenschaften ihr Status als illegale Migrantin bzw. die Spezifika ihrer Herkunft unerwähnt bleiben, die Sichtbarmachung relevanter Problematiken vernachlässigt wird. Dennoch wird dem Film das Potential zugeschrieben, positiv auf den Diskurs um Migration nach Spanien einzuwirken.
With the rise of streaming platforms and direct-to-consumer business models, big data and audience analytics have emerged as powerful new ways to define target audiences and predict movie revenues in the film industry’s public discourse. Yet while major studios have since launched proprietary internal data science efforts, the role such technologies could play for the practice of independent producers remains unclear.
In an effort to close that gap, this dissertation examines how the way feature film producers define their target audience and forecast box office revenues might be improved upon by the use of large sets of individual user data and digital methods of modeling movie preferences.
Drawing from the productions studies approach, we establish in an exploratory qualitative study that German independent feature film producers mostly base their target audience definitions on vague, anecdotal evidence, and use intuitive box office forecasts mainly to win over financiers.
We then take a look at scientific studies on target audience definition and revenue prediction for feature films and identify reasons for why their results have not been more widely adopted among practitioners.
Subsequently, we propose an approach to evidence-based target audience definitions building on recommender algorithms and movie preference modeling at the individual level. Using several datasets on German moviegoers (n = 2,374, n = 6,564, and n = 700, respectively), we confirm that past movie choices indeed provide reliable information on future behavior that can be exploited for efficient targeting. Targeting by as few as three past movie choices also is on average more efficient than targeting by demographic proxies (gender and age). The increase in targeting efficiency as compared to targeting by gender is statistically significant.
Outlining a possible practical application, we go on to show that it is possible to develop clusters of similar viewers based on such data, and that such clusters can be used efficiently for target audience definition.
Concerning revenue prediction, we utilize a large open dataset on individual users’ movie preferences to compute movie similarities for a sample of 1,093 movies released in the United States between 2004 and 2015 and show that regression models trained on sub-samples of similar movies only lead to better revenue prediction results than models built on the entire dataset.
Finally, we address some critical concerns and lay out an agenda for further research on the road to practical implementation of our insights.
Die folgende Arbeit nimmt den zweiten Satz der siebten Sinfonie L.V. Beethovens und spricht über seine Anwendung als Hintergrundmusik für Filme. Durch Hinsicht über die Grundlagen sowohl der siebten Sinfonie und des II Satzes als auch der Geschichte der Filme und der betrachteten Szene sind die Filme durch ihren verschiedenen Nutzungsansätzen miteinander verglichen, separat analysiert und bewertet.