FG Musikpädagogik
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Musikalisches Üben ist nicht einheitlich. Abgesehen von der Vielfalt individueller Strategien bestimmen im Wesentlichen zwei unterschiedliche künstlerische Zielvorstellungen die doppelgleisige ästhetische Praxis des Übens im Bereich der Musik. Obwohl schon die verschiedenen stilistischen Traditionen klassischer und populärer Musik die Parallelexistenz divergierender Übe-Konzepte genügend begründen könnten, liegt der folgenreichste Unterschied doch letztlich ganz genreunabhängig in der Fokussierung auf ein eher textnahes Interpretieren auf der einen und ein vorzugsweise hörbasiertes Improvisieren auf der anderen Seite. Dieser Gegensatz zwischen einer reproduzierenden Aneignung ausformulierter Kompositionen und einer produzierenden Ausformulierung eigenständiger Improvisationen hat weitreichende Konsequenzen für die Methoden und Inhalte des Übens von Musik. Angesichts einiger Gefahren in den gängigen Routinen beider Zugangsweisen stellt sich die Frage nach den potenziellen Chancen eines durchlässigeren Austauschs zwischen zwei im Grunde ebenbürtigen Kulturen, die den wechselseitigen Argumenten eines möglichst vorurteilsfreien Dialogs weitaus mehr Gehör schenken sollten.
Im Rahmen ihres deutschlandweiten, von der Bundesbeauftragten für Kultur und Medien geförderten Projekts „#bechange – 17 Klänge der Nachhaltigkeit“ machten die MusikerInnen des Stegreif Orchesters vom 20. bis 23. Juli 2023 auch am Institut für Instrumental- und Gesangspädagogik der Brandenburgischen Technischen Universität Cottbus-Senftenberg Station. Innenperspektiven eines Teilnehmenden.
Auch wenn gelingender Unterricht in günstigen Momenten immer wieder auf den Beistand intuitiver Eingebungen vertrauen darf, treten in einer systematischen Didaktischen Analyse eines Musikstücks oftmals ungenutzte Potenziale künstlerisch-pädagogischer Inspiration zutage. Wer ihre flexibilisierenden Wirkungen an sich selbst erfahren hat, kann die vorwegnehmende Imagination musikalischer und spieltechnischer Details zu einer bereichernden „gymnastischen“ Routine werden lassen.
Pavana dolorosa
(2021)
Notenausgabe
Peter Philips
(c.1561-1628)'Pavana dolorosa' bearbeitet für 2 Gitarren
Vorwort & kritische Anmerkungen deutsch/englisch
Diese 1593 komponierte Pavana dolorosa ist eines der besonders bedeutenden, eindrücklichen und beliebten Werke des goldenen Zeitalters der englischen Renaissance. Auf CD erhältlich / Pavana dolorosa, composed in 1593, is undoubtedly one of the most important, impressive and well-liked works of the golden age of English Renaissance. Available on CD
Welche ethischen Funktionen hat Musik bzw. Musizieren? Eignen sie sich zur moralischen Erziehung oder bergen gar Gefahren ob ihrer emotionalen Wirkungen? Inwiefern kann Musizieren zu einem guten Leben beitragen? Diese alten Fragen scheinen in Zeiten omnipräsenter Musik und ihr zugewiesener Heilsbringerqualitäten aktueller denn je. Der Sammelband versucht die Fragen aus unterschiedlichen Perspektiven zu beantworten. Er führt aktuelle Positionen aus der Musikpädagogik, Philosophie sowie Neurowissenschaft zusammen und möchte zum weiteren Nachdenken über Musik und Ethik anregen. Einen Schwerpunkt bilden Überlegungen, die sich mit einem (neuen?) musikpädagogischen Selbstverständnis auseinandersetzen.
Beim Symposium „Musik und Ethik“ am Institut für Instrumental- und Gesangspädagogik der Brandenburgischen Technischen Uni- versität Cottbus-Senftenberg unter der Leitung und Konzeption von Katharina Bradler wurden Aspekte von Beziehungen zwischen Menschen, Musik und Welt zum Gegenstand philosophischen, neurowissenschaftlichen sowie musikpädagogischen Nachdenkens. „Kann musikpädagogisches Tun zu einer Gesellschaft beitragen, die integrativ, freundlich, offen, friedlich und frei ist?“, lautete die Leitfrage des interdisziplinären Dialogs. Wer das Verhältnis von Musik und Ethik betrachtet, sucht nach Antworten auf die Frage, ob Musikpraxis zum individuellen guten Leben beitragen kann oder die Art des Umgangs mit ihr ein sozialverträgliches Zusammenleben unterstützt.
In this text I aim to explore a way of listening to music, which orientates itself on empathic, mindful interpersonal communication. How would listening to music under such circumstances look/feel like? Firstly this essay illustrates what I regard as „empathic“ listening, referencing Marshall B. Rosenberg, founder of the so called Nonviolent-Communication. Also, touching on Gregory Kramer, the originator of the so called Insight-Dialogue, I demonstrate to what extent attention and a mindful presence are an essential attribute to this method of listening. Lastly I attempt to transpose this technique, applying it to music and deducting possible conclusions for teaching in a muscial context. In doing so it becomes clear that the boundaries between mindful listening in conversations between humans and attentive listening to music become blurred, as the essence of both is mindful presence.